28. The Mikhailovsky Palace, Hall 25, Vasily V. Vereshchagin, The State Russian Museum.
바실리 베레시차킨 (Vasily Vasilyevich Vereshchagin, 1842~1904)은 러시아 제국의 가장 유명한 전쟁 화가로 해외에 널리 알려진 최초의 러시아 화가이다. 러시아 제국의 중앙아시아 정복과 러시아-투르크 전쟁에 종군하여
전장을 테마로 한 작품을 많이 남겼다. 러일 전쟁 취재를 위해 타고 있던 러시아 전함 페트로파블롭스크가 침몰하면서 사망했다. 그는 사실주의 화풍으로 인해 많은 작품들이 출판되거나 인쇄나 전시가 금지되었다
바실리 베레시차킨은 러시아 제국 노브고로드주 체레포베츠에서 부농의 아들로 태어났다. 8세 때 부모의 희망에 따라 군에서 운영하는 유년학교에 들어갔다. 1853년 상트페테르부르크 해군 사관학교에 입학했다. 1858년에 프리깃함 ‘캄차카’를 타고 서유럽과 이집트를 방문했다. 1859년에 장교가 되지만, 군을 제대하고 이듬해부터 페테르부르크 미술 학교에서 배웠다.
우수한 성적이었지만 지루한 수업 방식에 적응을 하지 못하고, 3학년 때 자퇴를 했다. 트빌리시에서 장기간 체류한 뒤, 프랑스로 건너 가
피레네 산맥 등을 찾아 파리에서 1년을 보냈다. 파리에서 에콜 데 보자르에서 배웠고, 장레옹 제롬에게 사사했다. 화가로서 그는 프랑스 파에 속하는 정밀한 묘사, 날카로운 조형, 그리고 부드럽고 밝은 다채로운 색상 조합을 특징으로 했다.
1867년, 콘스탄틴 폰 카우프만 장군과 함께 투르키스탄 원정에 종군하여 사마르칸트 공격 등을 목격했다. 1868년 카우프만 장군의 후원으로 투르키스탄을 주제로 개인전을 개최했다. 1870년 뮌헨에 머물면서 종군을 하는 동안 그려 모은 스케치와 연구를 그림으로 완성시키는 작업을 했다.
당시까지만 해도 그의 관심사는 전투 장면보다는 오히려 중앙아시아의 이국적인 건축과 풍속이었다. 1874년에는 인도를 오랫동안 여행을 하고 영국에 식민지 지배를 받는 인도의 실태를 보고 듣는다.
1877년 러시아-투르크 전쟁에 종군하여, 사령관의 조치로 부관의 지위와 군 내에서 자유롭게 행동할 권리를 부여받고 시푸카 고개 전투를 목격했다. 플레벤 공략전에서는 군인으로 복무한 그의 형제가 죽고, 자신도 중상을 당했다. 이 비참한 전투는 그의 세계관을 바꾼 계기가 되었다.
이후 그는 평화주의자로서, 전쟁의 비참함을 현지에서 스케치를 바탕으로 한 사실적인 그림으로 표현했다. 따라서 전쟁을 그린 그의 그림에는 사망자, 부상자, 약탈, 야전병원, 눈에 덮힌 병사의 시신이 자주 등장한다. 이러한 테마는 평소 그림이나 미술에 관심이 없는 사람들에게도 관심을 불러일으켰다. 또한 그의 민주주의 사상은 이동파에 가까운 것이었다. 지금까지의 영웅 예찬이었던 전쟁 회화에 철학적 의미를 부여하게 된 것이었다.
연속작이 많아 투르키스탄 원정 (1871년 ~ 1874년), 러시아-튀르크 전쟁 (1877년 ~ 1878년, 1880년 이후), 러시아 원정을 테마로 그린 것이 있는데, 특히 후자에서는 보로디노 전투를 그린 대표작 ‘보로디노의 나폴레옹’이 탄생했다. 그의 그림은 그 주제로 인해 선전 선동(프로파간다)의 도구로 이용될 수도 있었다.
다른 대표작 ‘전쟁의 결말’은 두개골의 산을 그린 것이지만 1980년에 출판된 아르메니아인 학살에 대해 쓰여진 책 표지에 ‘1916년 서부 아르메니아에서 터키에 의한 잔학 행위’라는 캡션을 달아 게재된 후에 베레샤긴의 작품으로 판명되었다.
1881년부터 이듬해에 걸쳐 비엔나와 베를린 등 긴 여행을 떠났다. 온천에 체류 중인 바트엠스는 성 알렉 교회의 제단에서 그리스도의 부활을 그렸다. 1884년에는 두 번째 인도 여행을 떠나, 시리아와 팔레스타인에도 발길을 뻗었다.
팔레스타인 성지를 방문한 그는 그리스도의 생애를 그린 일련의 작품으로, 지금까지 서구의 유럽화된 그리스도 상이 아니라 현지에서 실제로 보고 들은 풍속과 풍경을 그려 넣은 자연주의적 기법을 이용하여 그리스도를 중동의 인간상으로 묘사하여 물의를 일으켰다.
그의 발길은 고향 러시아, 동유럽은 물론, 심지어 미국까지 가게 된다. 미국에서 미국-스페인 전쟁의 전장이 되었던 쿠바, 필리핀을 방문했다. 또한 1903년에 일본을 방문하여, 일본의 문화와 역사에 친숙 인물상 등을 남겼다.
1904년에 러시아와 일본 사이에서 러일 전쟁이 발발하자, 그는 러시아 조차지 뤼순으로 갔다. 여기에서도 종군한 그는 여순 함대사령관 스테판 마카로프에 초대를 받아 기함인 〈페트로파블롭스크〉에 탑승하여, 전쟁의 풍경을 그렸다. 그러나 4월 13일 페트로파블롭스크가 일본군이 부설한 기뢰에 닿아 폭발하였고, 불과 몇 분 만에 화약고가 폭발했기 때문에 마카로프 제독과 베레시차킨을 비롯한 승무원 대부분이 전사했다.
베레시차킨의 마지막 작품이 되었던 마카로프의 회의의 모습을 그린 스케치가 파도에 떠다니다 무사히 회수되었다. 그의 죽음은 적국 일본에서도 보도되어 사회주의자였던 고토쿠 슈스이와 나카자토 카이자 등이 추모의 글을 남겼다.
In Jerusalem. Tombs of the kings, 1884. by Vasily V. Vereshchagin. oil on canvas. 199 x 149 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 25, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
예루살렘에서. 왕들의 무덤 바실리 베레시차킨 (Vasily V. Vereshchagin)은 열렬한 여행자였으며 유럽, 아시아, 미국의 많은 국가를 방문했다. 베레시차킨은 "세계 역사의 살아있는 연대기에서 배워야 한다"는 주장으로 유명하다. 1884년 그는 시리아와 팔레스타인을 방문했다. 이 여행의 결과 고대 동양의 역사적 기념물과 건축 앙상블에 헌정된 많은 작품이 나타났다.
예술가는 기념비적인 사이클로피안(Cyclopean) 구조에 깊은 인상을 받았다. 많은 빛과 그림자, 따뜻하고 차가운 색조의 장엄한 놀이는 고대 의식을 수행하는 백의를 입은 여성의 조용한 의식 행렬의 신비를 강조한다.
30. Interior of the Church of St John the Evangelist on the Ishnya near Rostov Yaroslavsky,
1880s - 1900s. by Vasily V. Vereshchagin. oil on canvas. 60 x 45 cm.
The Mikhailovsky Palace, Hall 25, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
로스토프 야로슬라브스키(Rostov Yaroslavsky) 근처 이쉬나(Ishna)에 있는 복음사가 성 요한(St. John Evangelist) 교회의 내부 모습. 1887~1888년에 베레시차킨은 러시아 도시를 여행했다. 그는 국가 고대의 세계에 매료되어 짧은 시간에 민속 생활, 러시아 민족 의상의 독특한 컬렉션을 수집하고 고대 러시아 건축 연구에 종사하며 열렬히 옹호한다.
로스토프 야로슬라브스키 여행의 결과로 만들어진 이 스케치는 성숙한 예술가의 기술을 완전히 드러내고 러시아 자연과 고대 건축물의 특별한 아름다움에 대한 미묘한 이해를 보여준다. 그들은 로스토프에서 남서쪽으로 3km 떨어져 있다.
이쉬나(Ishna) 강의 복음사가 성 요한교회는 1687년에 아브라함 수도원 게라심(Gerasim)의 대주교가 로스토프의 아브라함에게 성 요한 신학자가 나타난 것을 기념하기 위해 세워졌다. 일반적인 구성으로 보면 17세기 말 러시아에서 흔히 볼 수 있는 다층 교회 유형에 속한다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 25, Vasily V. Vereshchagin, The State Russian Museum.
Iconostasis of the Church of St John the Evangelist on the Ishna near Rostov Yaroslavsky, 1888. by Vasily V. Vereshchagin. oil on canvas. 60.5 x 45 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 25, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
로스토프 야로슬라브스키(Rostov Yaroslavsky) 근처 이쉬나(Ishna)에 있는 복음사가 성 요한(St. John Evangelist) 교회의 내부 모습. 높은 지하실에 있는 사원은 정확하게 찾아낸 비율과 볼륨 비율의 완벽함에 감탄한다.
그 내부는 여전히 외부보다 덜 인상적이다. 후미 창문이 있는 낮고 반쯤 어두운 갤러리는 사원 자체 및 식당의 밝고 채광이 좋은 공간과 뚜렷하게 대조된다. 이사야 마스터가 조각한 금박을 입힌 왕실 문과 아이콘이 이 인상을 완성한다.
이 모든 것을 통해 예술가는 놀랍도록 섬세한 아름다움을 지닌 스케치를 만들 수 있었다. 이 그림은 미묘한 다색 팔레트와 결합된다. 아이콘의 페인트, 금색과 은색 프레임과 촛대는 교회 내부의 반쯤 어둠 속에서 빛납니다. 작가는 러시아인의 손이 만들어낸 아름다움 앞에서 위대한 작가의 기쁨을 느낄 수 있는 러시아 고대의 그림 같은 이미지를 만들었다.
hipka-Sheinovo (Skobelev at Shipka), Until 1890. by Vasily V. Vereshchagin. oil on canvas. 188 x 405 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 25, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
바실리 베레시차킨의 이 그림 은 1878-1879년에 작가가 불가리아에서 가져온 스케치와 원본 항목 모음을 기반으로 파리에서 만든 약 30개의 캔버스를 통합한 대규모 "발칸 시리즈" 를 완성한다. 러시아는 오스만 멍에에서 불가리아의 해방을 위해 터키와의 전쟁에 참여했다. 그의 작업 과정에서 베레시차킨은 첨예하게 대립한 전쟁터 근처에 두 번을 다녀갔다.
1878년 1월 9일 셰이노프에서 터키군이 패배한 후 적군은 무기를 내려놓았다. 러시아 박물관에 속한 그림은 작가의 반복이다. 그것은 사건의 극적인 긴장의 동기를 강화하고 적에 대한 승리가 얼마나 값비싼 대가를 치렀는지 분명히 보여준다.
얼어붙은 러시아 군인의 시체가 그림 전경의 눈덮인 들판을 덮고 있다. 왼쪽 산맥 기슭에서 미하일 스코벨레프(Mikhail Dmitriyevich Skobelev 1843~1882)장군이 러시아 군인들의 행렬을 순회하며 승리를 축하하고 있습니다. 조금 더 떨어진 곳에는 기수 옆에 흰색 재킷을 입은 예술가 자신이 묘사되어 있다. 병사들은 지휘관에게 "만세!"라고 외치며 모자를 던진다.
At the Doors of a Mosque, 1873. by Vasily V. Vereshchagin. oil on canvas. 315.5 x 237.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 25, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
"모스크의 문에서"라는 이 그림은 바실리 베레쉬차긴이 1860년대 후반 중앙 아시아 여행에 대한 인상을 바탕으로 쓴 이른바 투르키스탄 연작의 일부이다. 캔버스에 묘사된 장면은 작가가 목격한 한때 강력했던 동부 국가의 삶의 에피소드를 나타낸다.
헤진 가지각색의 로브를 입고 특징적인 길고 상징적인 모양의 모자를 쓴 그들은 성가신 곤충을 찾기 위해 분주하다. 그림은 거의 눈에 띄게 양각으로 새겨져 있고 공간과 조명이 설득력 있게 전달된다. 세부 사항에 대한 관심, 전체 및 부분의 궁극적인 완전성을 위해 노력하는 베레시차킨 작업의 이러한 측면이 그림에서 완전히 나타났다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 25, Vasily V. Vereshchagin, The State Russian Museum.
An Outing in a Boat, 1903. by Vasily V. Vereshchagin. oil on canvas. 70 x 103.5 cm.
평생 동안 작가는 일본에 진정한 관심을 보였다. 동양의 나라는 동아시아의 다른 나라들과 다소 다르게 발달한 독특한 문화로 그를 매료시켰다. 1874년 그는 이 나라로 여행을 떠날 예정이었고 불과 7년 만에 그의 꿈이 이루어졌다. 일본에 대한 인상은 작가의 작품 중 일부에만 반영되며 그 중 하나는 "배를 타고 산책"이다.
일본을 주제로 한 작품은 구도의 불균형, 캡처된 에피소드의 무작위성, 이미지의 일반화된 해석, 경쾌한 팔레트, 인상주의적 기법에 대한 호소를 강조하는 것이 특징이다. "떠오르는 태양의 땅"에 헌정된 그림에서 작가는 보다 자유롭고 편안한 글쓰기에 의지하여 그림 팔레트를 확장했다.
[영상] Vasily V. Vereshchagin, Hall 25, The State Russian Museum
The Mikhailovsky Palace, Hall 24, Alexei K. Savrasov. The State Russian Museum
Spring evening. Alder blooms, 1880s. by Alexei K. Savrasov. oil on canvas. 66.5 x 97.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 24, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
알렉세이 사브라소프 (Alexei Kondratyevich Savrasov 1830~1897)는 러시아의 풍경화가이자 서정적 풍경 스타일의 창작자로 모스크바에서 출생하고 사망했다. 그는 이동파 창설자의 한 사람으로 모스크바의 미술학교에서 많은 풍경화가를 배출했다. 그의 작품 <산까마귀 떼가 돌아오다>(1871)는 러시아 풍경화의 걸작으로 유명하다. 사브라소프의 작품은 자연의 미를 서정적으로 파악하면서 동시에 전혀 새로운 뜻을 더해 주고 있다는 데에 특징이 있다.
러시아 자연의 풍부한 표정을 최초로 주목한 것은 이동파 화가들이었다. 이전에 아카데미 풍의 풍경화는 아름다운 풍경,
곧 그려질 가치가 있는 풍경을 그린 그림을 의미했다. 아름답고 그려질 가치가 있는 풍경이란 찬란한 태양이 빛나는 남국의 이상향을
연상시키는 그림, 구체적으로는 이탈리아 같은 지중해 지방의 풍경을 그린 그림이었다.
추운 겨울이 6개월 이상 지속되는 러시아의 자연이
그림의 주제가 될 수 있다고는 생각하지 못했다. 그러나 러시아 사회에 대한 애정을 함양하고자 했던 이동파는
풍경을 보는 새로운 눈을 뜨게 해 주었다. 이동파 풍경화가들은 조국 러시아 자연의 아름다움을
새롭게 발견했으며 그려질 가치가 있다고 평가했다
러시아 시골 모습을 고스란이 담아낸 19세기 대표적인 풍경화가 알렉세이 사브라소프는 심오하고 가치 있는 삶을 화폭에 담아냈다. 1871년 사브라소프는 딸의 죽음 이후 예술 활동의 위기를 맞게 되었다. 결국 알콜중독에 여기저기 떠돌아다니는 거지생활을 하다 쓸쓸히 죽었다고 한다.
알렉세이 사브라소프의 작품 '저녁 봄(Spring evening)'은 풍경 이미지의 따뜻함과 성실함, 회화적 솔루션의 부드러움과 미묘함이 특징이다. 그레이, 브라운, 화이트, 블루톤의 부드러운 조합을 기반으로 한 칙칙하고 미묘한 컬러는 봄의 부드러움을 전달한다.
사브라소프 이전에는 어느 누구도 러시아 풍경의 아름다움과 서정을 이처럼 깊고 시적으로 드러낼 수 없었다. 미묘한 봄 풍경 속에는 봄의 향기가 모든 것에 느껴지는 것처럼 공기가 서서히 따뜻해지면서 북방 지역 자연의 특징인 천천히 깨어나는 것을 느낄 수 있다. 사브라소프는 러시아 자연의 아름다움, 가난한 시골 오두막을 묘사하며 이 모든 것이 미묘한 진동 봄 빛으로 가득 차 있다.
Early Spring. High Water, 1868. by Alexei K. Savrasov. oil on canvas. 66.5 x 97.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 24, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
사브라소프(Savrasov)는 원래의 낭만적인 전통에서 점차 멀어지고 있다. 나무의 모든 줄기, 가지 대부분이 그의 관심을 끌고 있다. 태양에 끌리면서 나무의 변덕스러운 굴곡, 직조 등 사브라소프는 초봄에 매력을 느낀다. 이 작품은 "꿈을 통해 일년 중 아침에 만나는" 깨우침의 성격을 보여주는 훌륭한 그림이다.
사브라소프는 상인의 아들로 태어나 어려서부터 그림을 그렸다. 8살에 모스트바 미술 조각 건축학교에 입학하여 20세에 졸업하고 풍경화에 전념했다. 1854년 황립예술학교 교장의 초청으로 상페테르부르그로 이주했다. 이삭 레비탄(Isaak I. Levitan), 콘스탄틴 코로빈(Konstatin Korovin)이 그의 제자였다. 그는 파벨 트레티야코프(Pavel M. Tretyakov) 등과 교류했고, 특히 바실리 페로프(Vasily G. Perov)와는 아주 친해서 서로의 그림에 도움을 주었다고 한다. 페로프의 새 잡는 사람의 풍경을 사브라소프가 그렸고, 사브라소프의 "Volga near Yuryevets"의 보트 예인선은 페로프가 그렸다.
그는 1860년 영국과 스위스를 여행하고 영국화가 존 컨스터블(John Constable 1776~1837), 스위스 화가 알렉상드르 카라메(Alexandre Calame 1810~1864)의 영향을 받았다. 1870년대 말, 아마도 1871년 딸의 죽음이 시작이었던듯,
사브라소프는 알콜 중독자가 되어갔다. 미술 활동에도 지장이 오고 모스크바 미술학교에서 파직당하고,
가족 친지의 도움도 소용이 없었다. 그의 만년은 술에 쩔고 가난했으며 넝마를 걸치고 다닐 정도였고
급기야 구호소를 전전하다 사망했다. 모스크바 미술, 조각, 건축학교의 수위와 파벨 트레치코프만이
그의 장례식의 유일한 참석자였다.
Rainbow, 1873. by Alexei K. Savrasov. oil on canvas. 45 x 56.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 24, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
사브라소프는 단순하고 평범한 풍경 속에서 아름다움을 찾고 있었다. 그의 그림은 토착 공간에 대한 사랑으로 가득 차 있다. 작가의 붓 아래에서 러시아의 단순한 구석이 나타나지만 마음과 영혼이 달콤하다. 구부러진 오두막, 울창한 덤불, 협곡, 흐릿한 도로, 고르지 않은 해안과 넓은 강, 이 모든 것이 매우 평범하고 자연스럽다.
이 작품 '무지개(Rainbow)'는 마을의 외곽에 회색으로 된 집들이 있고, 나무 계단 형태로 강으로 내려가는 모습을 보여준다. 비가 내린 후 무지개가 마을 위에 나타나고 시냇물이 언덕에서 흘러나와 홈을 형성한다.
멀리서 마을의 연속을 볼 수 있다. 그리고 그 위에는 비를 동반하는 검은 구름이 있다. 사람들 중 강에서 집으로 돌아가는 한 여성만 묘사했다. 그녀는 물이 가득찬 양동이가 달린 로커를 나른다. 비가 내린 후에도 길은 여전히 진흙 투성이다.
하늘은 캔버스의 거의 절반을 차지한다. 그리고 아래쪽 절반에는 육즙이 많은 채소가 비로 씻겨진 풀이 지배한다. 강한 뇌우가 있었을 가능성이 크다. 비는 끝났고 구름은 사라졌지만 시냇물은 여전히 흐르고 있다. 공기가 맑고 먼지가 없다. 그것은 침묵과 평온함을 만든다.
무지개는 그림에서 가장 밝은 부분이지만 동시에 밝지 않고 인공적이지 않다. 공기와 빛처럼 가볍고 무겁다. 무지개로 이어지는 것같은 산책로, 그리고 무지개 자체가 하늘과 땅을 연결한다.
그림을 세로로 두 부분으로 나누는 긴 선의 눈을 추적할 수 있다. 캔버스의 아래쪽 가장자리에서 시작하여 언덕으로 이어진다. 이 등반은 무지개를 계속 높이 올라간다. 어쩌면 지구와 하늘의 연결이 반영될까? 아니면 이곳의 조화? 여기 사람들은 자연을 정복하지 않았다. 그들은 그녀와 단결하여 사는 법을 배우고 그녀의 힘에 물러났다. 그들은 강한 뇌우 후에 신선하고 즐거운 무지개가 곧 나타날 것이라는 것을 알고 있다. 이 풍경은 전혀 슬프고 무겁지 않고 가볍고 가볍다.
Steppe during the Day, 1852. by Alexei K. Savrasov. oil on canvas. 73.5 x 104.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 24, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
알렉세이 사브라소프는 우크라이나 여행으로 그의 예술 형성에 큰 도움을 받았다. 이 여행의 결과로 러시아 박물관에 보관된 두 가지 풍경
'대초원의 새벽 (Steppe at Dawn F-7941)'과 '오후의 대초원 (Steppe during the Day F-6660)' 두 작품이 나왔다. 이 작품 '오후의 대초원'에서 사브라소프는 우크라이나 대초원 확장에 대한 자신의 감정과 인상을 반영하려고 노력하고, 첫 번째 작업의 어두운 색에서 벗어나 태양에 비추는 대초원의 색으로 팔레트를 풍부하게 만든다.
'오후의 대초원' 풍경에서 사브라소프는 무더운 대초원의 상태를 전달한다. 한 마리의 새가 구름없는 하늘에서 솟아 오르고, 땅 아래에는 노랗게 물든 잔디 속에서 한낮의 태양으로부터 휴식을 취하기 위해 두 자고가 있다. 이 시기에 그의 제자들은 자연을 깊이 느끼는 원조 마스터로서
사브라소프에 대해 이야기하기 시작했다.
이삭 레비탄(Isaak I. Levitan)은 그의 선생님에 대해 매우 정확하게 말했다. “사브라소프는 우리의 고향 풍경에서 너무나 강하게 느껴지고
영혼에 저항할 수 없는 영향을 주는 친밀하고 깊이 감동적인 종종 슬픈 특징을
가장 단순하고 평범한 것에서 찾으려고 노력했습니다. 풍경화의 서정과 고국에 대한 무한한 사랑이 사브라소프와 함께 등장했습니다. "
View of the Moscow Kremlin. Spring, 1873. by Alexei K. Savrasov. oil on canvas. 46 x 36.8 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 24, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
1871~1875년에 사브라소프는 주로 모스크바에서 살고 일하면서 새로운 풍경 원칙을 찾기 위해 많은 일을 했다. 이 작품 '모스크바 크렘린의 전망. 봄 (View of the Moscow Kremlin. Spring)'에서 봄은 아직 완전히 깨어나지 않았고 전혀 의식적이지 않으며 변형 가능성을 숨긴다. 떠다니는 빙원과 함께 넘쳐나는 모스크바 강은 약간의 신선한 녹지와 함께 언덕에 접근했다.
전경에는 오래된 울타리가 있는데, 약간 붉어지는 새싹이 주스를 집어 올리는 나무이다. 그리고 깊숙한 곳에서 돌 다리 뒤에서 크렘린 건물은 희게 보인다. 푸른 하늘, 밝은 초록빛, 천천히 흐르는 강, 주위의 모든 것이 반사되어 이 모든 것이 자연의 창조 이미지에 미묘한 서정과 전율을 준다. 이 작품이 만들어졌던 1870년대는 사브라소프의 작품이 가장 많이 꽃을 피웠던 시기였다.
The Volga spill near Yaroslavl, 1871. by Alexei K. Savrasov. oil on canvas. 48 x 72 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 24, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
알렉세이 사브라소프(Alexei Savrasov)는 창의적인 개성을 개발하는 것이 쉽지 않았다. 그 당시 러시아의 풍경화 장르가 발전하고 있었기 때문에 이 사이트에서
자신을 식별하는 데 많은 노력을 기울일 가치가 있었다. 그러나 그는 이 작품에서 분명히 볼 수 있는 풍경을 쓰는 것에 대한 그의 개인적인 접근 방식을 식별할 수 있었다.
작가는 그림에서 그의 시적 능력을 묘사하여 낭만주의와 영혼의 노트를 숨긴다. 그는 동면에서 깨어나는 자연, 그 느슨함과 꽃이 만발한 아름다움을 완벽하게 느꼈다. 작가가 가장 좋아하는 달은 정확히 3월이었고,
첫 꽃의 순수함과 점차 녹는 눈으로 가득 차 있었다. 그는 진정한 아름다움은 당신이 평범한 것을 통해 보는 것,
당신이 마음에 두는 것이라고 믿었다. 이 진술을 1년 중 몇 달과 비교하면서 그는 주위의 색채가 때때로
그의 눈을 태웠던 5 월에 관심을 끌었다.
이 작품과 관련하여 관객은 한 가지 색상 범위로 유지되는 열린 공간을 관찰한다. 이 경우 제작자가 가장 좋아하는 강이 여러 마을에 범람하여 우연히 쏟아졌다. 하늘에서는 어두운 겨울을 지나 남쪽으로 돌아오는 새 무리를 볼 수 있다. 사브라소프에 따르면 새는 직접적으로 봄의 도래를 예고한다.
사브라소프는 또한 멀리 있는 빛의 장소에 도달하려는 사람들과 작은 얼음 블록을 헤치고 지나가는 보트를 묘사했다. 작품을 들여다 보는 관객은 상상할 수 없는 대자연의 웅장함을 느끼게되는데, 사브라소프는 자유분방한 요소의 도움으로 자신을 매우 크고 분명하게 선언한다. 캔버스의 수평선과 하늘이 넓은 지역을 차지한다. 홍수에 대한 사람들의 반응에 대한 항의를 의인화한다. 따라서 작품에는 반대되는 감정의 조화와 다가오는 따뜻함이 있다.
러시아 예술의 놀라운 현상 중 풍경 장르는 중요한 위치를 차지한다. 풍경화가들은 그림에서 평범한 농촌 자연의 의미있는 세계를 발견했다. 들판과 숲을 시적으로 묘사하면서 그들은 민주적 예술가로서 풍경 분야에 머물면서 사회적 의미로 이미지를 채웠다. 사브라소프는 현실적인 풍경을 처음으로 만든 사람 중 한 명이다. 사브라소프가 선택한 단순한 동기에서 미묘하고 동시에 강한 그림으로
다른 어떤 것과도 달리 깊은 시적 느낌을 가진 러시아 자연의 영혼,
그 부드러운 매력을 드러냈다.
사브라소프는 이 작품을 그렸던 볼가 강둑에서 몇 달 동안을 살았다. 이 그림은 인간의 삶과 자연의 삶 사이에 극적인 연결을 직접적으로 표현한다. 볼가의 봄 홍수는 장엄하고 아름답다. 얼음은 수 마일을 흘러 강을 따라 엄숙하게 떠 있다. 그러나 그 요소는 사람들에게 불안을 가져온다. 그리고 사람들은 용감하게 자연과 싸운다. 깨지기 쉬운 배를 타고 빙원을 통해 침수된 마을로 향한다.
Thaw. Yaroslavl, 1874. by Alexei K. Savrasov. oil on canvas. 53.5 x 75.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 24, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
해동, 야로슬라블(Thaw, Yaroslavl) - 추운 날이 오래 지속되는 겨울은 항상 끝이 없을 것 같다. 그리고 많은 기대를 모으면서도 봄은 조용히 다가오고 있다. 봄이 다가오는 첫 징후는 해동이다. 해동은 따뜻한 날의 지표로가 아니라 외부의 시원한 공기와 습도에서 느낄 수 있다. 하지만 해동은 여전히 겨울 내내 차가워진 냉기로 겁을 먹은 퇴각의 시작이다. 해동은 임박한 봄의 표시이다.
사브라소프는 특이하거나 아무것도 볼 수 없는 것을 묘사하지 않았다. 그러나 이 단순한 그림에서 우리 모두에게 친숙한
특별한 따뜻함과 아늑함이 놓여 있다. 방금 도착한 새들이 있는 작은 나무들이 둥지를 틀기 시작한다. 녹은 눈의 웅덩이는 봄의 시작을 나타낸다. 초가 지붕이 있는 겸손한 몇몇 주택은
감동적인 분위기를 조성하여 신선함을 호흡한다. 그리고 첨탑이 솟아오른 고대 러시아 건축 기념물을 생각할 때
그림에서 엄숙한 메모가 울린다.
그림의 주인공은 하늘이다.
푹신한 보라색 구름으로 집과 나무 위에 펼쳐저 있다. 하늘 자체가 무거워 보이고 풍경이 더욱 단단해져 표현력이 강조되었다. 모든 세부 사항이 중요해 보이며 관심을 끌고 있다.
관객은 예술가의 색상 접근 방식에 매료되어 있다. 파스텔 색상의 차가운 색상을 선택하더라도 사진의 따뜻함과 성실함을 잃지 않는다. 모든 것이 숨쉬고 감정적인 배경을 가지고 있으며 색으로 재생된다. 태양은 없지만 웅변적인 표현력이 있다. 그리고 이것은 가벼운 피어싱 느낌을 만든다. 이미지의 신뢰성은 사브라소프의 예술성을 보여준다. 보는 사람에게 서정적으로 흥미진진한 것은 자연의 봄, 각성의 신호인 해동의 동기이다. 또한 풍경은 낮의 끝, 황혼에 사람을 사로 잡는 불안한 느낌을 불러 일으킨다.
Winter, 1880s. by Alexei K. Savrasov. oil on canvas. 53.5 x 71.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 24, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
먼 거리로 이어지는 길을 통해 하얀 눈으로 덮인 공간의 크기를 알 수 있다. 측면에는 자작나무가 꼬여 있고 심지어 부러져 있다.
왼쪽에는 작은 숲이 있다. 그러나 동시에 나무는 너무 부드럽게 눈으로 덮여 영혼에 감동적인 반응을 일으킨다. 사브라소프는 흰색 음영에 주의를 기울인다. 관객의 촛점은 낮게 매달려 있는 구름이 있는 밝은 하늘에 반향되어 이 러시아 구석의 눈 속에서 길을 잃은 듯한 느낌을 갖게 한다.
Early Spring, 1880s~1890s. by Alexei K. Savrasov. oil on canvas. 51.3 x 37.8 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 24, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
이 작품 '이른 봄(Early Spring)'은 알렉세이 사브라소프의 대표작 '산까마귀 떼가 돌아오다 (The Rooks Have Come Back, 1871. Tretyakov Galler)'를
반복한 변형이다. 말년에 이르러 창의력이 쇠퇴한 시기에 사브라소프는
그가 사랑하고 큰 인기를 누린 모티프를 다양화하는 것처럼
이전의 그림을 그렇게 많이 반복하지는 않았다.
이 작품은 사브라소프에 의해 영원한 생명 갱신이라는 주제로 확인되었다. 자작나무와 오래된 사원이 있는 전형적인 러시아 풍경에서 그는 시적으로 영감을 받은 고국의 이미지를 본다. 풍경의 그림 같은 구조에는 1871년의 그림과는 다른 고통스럽고 예리한 긴장감과 비극적인 절망감이 표현되어 있다. 이것은 주로 밝은 반점과 어두운 반점의 강한 대비에서
색상의 일반적인 음소거와 황혼에서 나타난다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 24, Alexei K. Savrasov. The State Russian Museum
Sunset over the swamp, 1871. by Alexei K. Savrasov. oil on canvas. 88 x 139. cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 24, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
사브라소프의 이 작품 '늪 위의 일몰 (Sunset over the swamp)'에서 자연의 이미지는 죽어가는 우울한 저녁의 슬픈 분위기로 가득차 있다. 작가는 저 부동 습운 구름과 멀리서 소용돌이 치는 안개의 윤곽과 움직임, 구름과 물에 비치는 일몰의 수많은 반사, 여기를 통해 엿보는 저녁 하늘의 순수한 황록색 빛과의 조합을 잘 전달하고 있다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 24, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
View from the Environs of the Village of Porechye, 1869. by Lev L. Kamenev. oil on canvas. 92 x 143 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 24, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
레프 카메네프 (Lev Lvovich Kamenev 1834~1886)는 러시아의 풍경화가였다. 얼마 지나지 않아 소규모 상인인 그의 아버지는 카스피해 연안 아스트라한(Astrakhan)으로 가족과 함께 이주를 했다. 그곳에서 레프 카메네프는 현지 문법 학교에서 공부했지만 아버지가 자신의 가게에 조수가 필요했기 때문에 학업을 끝내지 못했다. 하지만 레프 카메네프가 그림에 대한 열정으로 가득차 있어 아버지는 상트 페테르부르크의 예술학교에 입학시키기 위해 아들에게 5,000 루블을 주었다.
21세의 나이인 1854년에 그는 모스크바에 가서 이반 쉬스킨(Ivan Shishkin)과 바실리 페로프(Vasily Perov)와 같은 장래 유명한 화가들과 함께 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교에 입학했다. 1858년에 카메네프는 전문 화가의 칭호를 부여받았고
모스크바 예술 아마추어협회의 회원이 되었다. 그는 장학금을 받고 2년 동안 서유럽 예술을 배우고 숙달하기 위해 해외 여행을 떠났다. 카메네프는 이반 쉬스킨과 함께 독일과 스위스를 여행하면서 유학했다.
레프 카메네프는 러시아의 자연과 농부의 삶을 묘사하는 것을 좋아했다. 이 예술가는 자연에 대한 시적 해석을 선호하는 것으로 구별된다. 카메네프는 사실적인 서정적 풍경의 발전에 상당한 공헌을 했다. 1860년대에 그는 겸손하지만 충만한 러시아 풍경을 여러 작품 만들었다.
연중 어느때나, 더운 여름날이나 저녁 황혼에 그는 들판에서 방목하는 소와 강에서 보트 낚시하는 장면, 눈으로 덮인 마을 오두막, 수도원 교회의 돔, 건초더미 및 겨울 길 썰매를 따라, 풍경을 따라 여행했다. 그의 그림에 묘사된 자연에 대한 단순함과 자연스러움은 위대한 성실함과 결합된다. 이 작품과 1869년에 "모스크바 주변에서 바라본 전망"으로 카메네프는 학자의 칭호를 받았다. 1870년 그는 이동파의 창립 회원이 되었다.
The Rest at the Harvest, 1860. by Alexander I. Morozov. oil on canvas. 46 x 63.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 24, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
알렉산더 모로조프 (Alexander Ivanovich Morozov 1835~1904)는
러시아의 쟝르화 화가이자 판화가였다. 그는 1851년 황립 미술학교에서 알렉세이 마르코프(Alexey Tarasovich Markov)의 지도를 받았다. 1861년 이 작품 '건초 수확 중 휴식 (The Rest at the Harvest)'에서 납작한 구조물은 밭에서 일할 때 사용하던 오두막이다.
알렉산더 모로조프는 이 작품으로 금메달을 받았고 2년 후 이동파에 가담하여 학교의 고전적 스타일이 아닌 사실주의를 지향한다. 훗날 모로조프는 "교회를 떠나며, 프스코프에서"로 아카데미 회원이 되었다.
[영상] Alexei K. Savrasov, Hall 24, The State Russian Museum
The Mikhailovsky Palace, Hall 23, Vasily G. Perov. The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
바실리 페로프 (Vasily Grigorevich Perov 1834~1882)는 시베리아에서 지방 관리의 아들로 태어나 모스크바 회화 조각학교에서 수학하였다. 이때의 스승들 중에는 <M.V. 보론초바의 초상>의 작가 S. K. 자랸코가 있었다. 학교를 마치던 무렵 러시아 현실에 대한 분노와 민초들에 대한 연민을 버무려 그가 그려낸 풍자화들은 러시아 화단이 페로프(Perov)란 이름에 주목하도록 만든다.
‘키치(Kitsch)’라는 용어가 있다. 고매한 품격을 갖지 못한, 싸구려 또는 사이비 미술품을 조롱하는 말이다. 예전 우리나라에서는 머리 깎는 곳에 꼭 그런 그림들이 걸려 있었으므로 흔히 ‘이발소 그림’이라고 불리던 것들이 그런 부류이다.
세계 미술사의 주류에 속하지 못했던 19세기 러시아 회화들을 서유럽 쪽 화단에서는 흔히 키치로 취급했었다. 외관상으로 어딘지 그 ‘이발소 그림’의 냄새가 나는 듯한 작품들이 없지 않다. 현란한 빛이 세련되게 부서지는 인상파 그림들을 익숙하게 보며 자라온 우리 눈에는 러시아 회화들의 칙칙한 색채나 가끔 좀 갸우뚱한 사실적 묘사는 뭔가 촌스러운 느낌을 줄 때가 있는 것이다.
Pugachev's trial, 푸가체프의 재판, 1879. by Vasily G. Perov. oil on canvas. 226 x 330 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 23, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
표트르 3세(Peter III)의 죽음은 많은 전설과 사기꾼의 출현을 불러 일으켰다. 그들 중 가장 유명한 것은 1773~1775년에 있었던 농민 전쟁의 지도자인 푸가체프(Emelyan Ivanovich Pugachev 1742~1775)였다. 푸가체프는 돈 코사크(Don Cossacks) 출신으로 17세부터 프로이센과 터키와의 전쟁에 참전했고 전투에서 용감한 코넷의 하급 장교 계급을 받았다. 그는 여러번 코사크(Cossacks)와 농민의 청원자로 행동하여 감옥에 갇히고 1773년 우랄(Urals) 지방로 도망쳤다.
같은 해 9월 80명의 야익 코사크 앞에서 자신을 황제 표트르 3세로 선포하고 2만 명 이상의 군대를 모아 귀족과의 무자비한 전쟁을 시작했다. 푸가체프는 뛰어난 군사 및 조직 기술을 보여 주었지만 1774년 9월
정부로부터 사면을 받기 위해 측근과 교환되었고 1775년 1월
모스크바의 볼로트나야 광장에서 처형되었다.
1870년대 초 바실리 페로프(Vasily Perov)는 푸가체프가 이끄는
농민 전쟁으로 주제를 전환했다. 페로프는 푸가체프 봉기의 역사를 펼치려는 삼부작을 제작하는 어려운 작업을 시작했다. 예술가의 의도에 따르면, 삼부작의 첫 번째 부분에서 그는 봉기의 이유로 토지 소유자의 통치 하에 농민의 힘든 삶을 보여주고 싶었다. 두 번째에서 봉기 자체를 묘사하기 위해, 세 번째는 토지 소유자의 재판으로 지주에 대한 보복을 전달한다.
바실리 페로프는 창의적인 아이디어를 구현하기 위해 신중하게 준비했다. 그는 푸가체프 봉기에 대해 많은 글을 읽고 볼가 지역, 우랄(Ural) 지역을 여행했다. 18세기 말에 봉기가 일어났다. 계획 중 작가는 세 번째 부분만 구현할 수 있었다.
그림은 매우 슬프고 우울한 생각을 암시한다. 그것은 사람들의 무작위 운동을 묘사한다. 그림의 중앙에는 귀족 묘지에 투옥된 토지 소유자가 묘사되어 있다. 불길하고 우울한 궁정 장면은 화가에 의해 민속 비극으로 해석되며, 참석한 모든 사람은 자신의 진실을 전달한다. 푸가체프는 나머지 영웅들에게 반대하거나 순종하는 맹렬한 폭군으로 그림에 나타난다.
푸가체프는 농부들이 그들의 주인에 의존하지 않기를 바랬다. 이 그림은 매우 많은 사람들을 보여준다. 주인공은 집주인의 재판을 관리하는 푸가체프이다. 배경에서는 푸가체프의 사람들에 의하여 사건의 중심으로 허용되지 않는 평민을 보여준다. 그들 중에는 노인들, 울부짖는 여자들이 있다.
석조 건물의 현관에는 푸가체프 자신이 보좌에 앉아 있다. 그는 붉은 카프탄을 입고 발에 부츠를 신고 있다. 그의 시선은 결단력으로 가득 차 있다. 그와 가까운 사람들이 그 근처에 있다. 그는 매우 중요한 표정으로 앉아 있고 일어나고 있는 일을 관찰한다. 그림의 배경에는 교수대가 있고 멀리에는 불타는 듯한 빛, 연기 구름 등이 수평선에 도달하면서 그것들을 감싸고 있다.
바실리 페로프의 그림은 역사적인 사건의 영향을 받아 명백하게 기록되었다. 저자가 보여주고 자했던 모든 역사적 중요성을 가장 잘 반영하기 위해
페로프는 풍부한 색상을 사용했다. 광장에 있는 사람들의 얼굴도 그 어려운 시기에 군림했던 감정과 경험을 분명히 보여준다.
First Christians in Kiev, 1880. by Vasily G. Perov. oil on canvas. 156 x 243 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 23, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
키예프에서 최초의 기독교인의 삶에 대한 정보는 거의 보존되지 않았다. 866년 콘스탄티노플에 대항한 캠페인 이후 전사인 애스콜드(Askold)와 디르(Dir)가 기독교를 채택했다는 연대기의 언급은 그러한 사례가
고립되어 있지 않다고 믿는 이유를 제공한다. 945년 그리스인과의 조약에서 키예프 바랑기아인(Varangians) 사이에
많은 기독교인이 있었고 키예프에는 성 엘리야 교회가 있는 것으로 알려져 있다. 또한 올가 공주는 957년에 침례를 받았다. 그러나 983년에 블라디미르 왕자에 의해 이교도 신들에게 희생된 것으로 알려진 사례가 있다. 블라디미르 왕자는 나중에 러시아 두 명의 바랑기아 기독교인, 존(John)과 그의 아버지 테오도르(Theodore)를 세례받도록 했다.
Orphans in the cemetery, 1864. by Vasily G. Perov. oil on canvas. 156 x 243 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 23, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
소외 계층 아동의 존재라는 어려운 주제는 19세기 중반 러시아 미술에서 널리 퍼졌다. 바실리 페로프의 그림 '묘지의 고아(Orphans in the Cemetery)'에서 이 의미는 깊은 사회적 일반화로 발전한다. 파리 이후 시대에 속한 것으로 보이는 이 작품에는 비난의 애정이 있으며 동시에 페로프 작품의 성격에 대한 공감이 스며든다.
Bob guitarist, 1865. by Vasily G. Perov. oil on canvas. 31.2 x 22 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 23, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
페로프의 창의적인 태도와 열망은 젊었을 때 형성되었다. 나중에 그는 파리 예술 아카데미의 연금 수급자로서 사람들의
일상 생활에서 얻은 주제와 이미지에 대한 헌신을 바꾸지 않았다. 페로프의 일상적인 그림의 유형 윤곽선이 그려졌다. 크기가 작고, 한 사람에 대한 일종의 예술적 단편 소설 또는 그의 삶의 방식, 태도, 운명을 가진 사람에 관한 것이다.
이 캔버스에서 세속적, 정신적으로 "불안정한"사람들에 대한 참여가 특히 드러났다. 러시아로 돌아온 후 그의 작품 '밥 기타리스트(Bob guitarist)'는
페로프의 가장 진심어린 작품이다. 사랑스럽고 신중한 글쓰기, 조화로운 회색 황토색 톤의 고상한 스케일은 이미지에 섬세한 서정적 성격을 부여한다. 따뜻함이 돋보이는 이 방의 작품은 높은 인본주의로 가득 차 있다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 23, Vasily G. Perov. The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
Monastic Refectory, 1865~76. by Vasily G. Perov. oil on canvas. 31.2 x 22 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 23, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
페로프의 이 작품은 1870년대 러시아 미술에서 비판적 사실주의 작품의 가장 놀라운 예라고 할 수 있다. 식사 - 음식과 일반적인 수도원 잔치. 걸출한 장르 회화 대가의 이 작품은 동시대 사람들에게 일종의 유죄 문서로 인식되었다. 식사를 묘사한 줄거리는 수도원의 위선에 대해 이야기했다. 폭식, 이기심, 자부심, 부러움과 같은 다양한 인간의 악은 자선을 구걸하는 거지의 이미지와 십자가에 못 박히신 그리스도의 이미지 사이에 상징적으로 위치한 테이블에 앉아 있는 교회 목사의 이미지에 담겨 있다. 밝은 햇빛이 창문에 쏟아져 영적 정화의 가능성에 대한 희망을 준다.
Hunters at Rest, 1877. by Vasily G. Perov. oil on canvas. 58 x 89 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 23, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
바실리 페로프는 열정적인 사냥꾼이었으며 사냥이라는 주제는
그의 창작 활동 전체에 걸쳐 그를 매료시켰다. 페로프는 1877년에 '휴식 중인 사냥꾼 (Hunters at Rest)' 그림을 그렸다. 1871년에 그린 같은 이름의 그림은 트레티야코프 미술관(State Tretyakov Gallery)에 보관되어 있다.
이 작품은 휴가를 보내는 세 명의 사냥꾼을 묘사한다. 왼쪽에는 아마도 가난한 귀족 출신의 숙련된 사냥꾼이 그의 "착취"에 대해 열정적으로 이야기하고 있다. 이 사람은 모스크바의 유명한 의사이자 총 사냥 애호가인 쿠브시니코브(D. P. Kuvshinnikov)였다. 그림을 전시한 후 그의 이름은 문학, 예술 및 연극계에서 인기를 얻었다.
배경에는 러시아 농민 옷을 입은 중년 남성이 야릇한 웃음을 머금고 사냥 이야기를 듣는다. 의사이자 아마추어 예술가인 베소노프(V. V. Bessonov)도 그를 위한 모델로 활동했다. 오른쪽에는 노련한 사냥꾼의 이야기를 들으며 믿을 수 있는 젊은 신참이 있다. 이 이미지를 위해 쿠브시니코브와 베소노프의 친구이자 동료인 26세의 나고르노브(N. M. Nagornov)가 아티스트를 위해 포즈를 취했다. 그림을 그린 직후, 그는 위대한 작가 V. V. 톨스토이의 조카와 결혼했고 1890년대 초 모스크바 시의회 회원이 되었다. 이 작품은 1869년 파리에서 열린 세계 전시회에서 전시되었다.
Head of a Kyrgyz Convict, 1873. by Vasily G. Perov. oil on canvas. 64.5 x 58.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 23, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
키르기즈(Kirghiz) 죄수의 초상화는 러시아 미술에서 비판적 사실주의의 가장 유명하고 대표적 화가 중 한 명인 바실리 페로프의 작품 전성기에 속한다. 유명한 사회 장르 작품 시리즈와 동시대 사람들의 화려한 초상화 갤러리를 만든 후, 바실리 페로프는 푸가체프(Emelyan Ivanovich Pugachev)가 이끄는 대중 봉기에 헌정된 미술 자료를 수집하기 시작했다.
미래의 역사적인 캔버스의 특징적인 유형을 찾기 위해 1873년 페로프는 우랄(Urals)과 오렌버그(Orenburg) 지방으로 여행했다. 그 당시 만들어진 많은 삶의 연구 중 러시아 박물관 컬렉션의 키르기스스탄 초상화는 이미지의 특별한 깊이를 나타낸다. 이 작품에서 주인은 죄수의 외모와 운명의 사람의 내면 상태의
심리적 특성 사이의 완벽한 균형을 찾는다.
Girl with a Jug. 1869. by Vasily G. Perov. oil on canvas. 72 x 53 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 23, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
러시아 회화사에서 빠트릴 수 없는 자리를 차지하고 있는 바실리 페로프지만, 그의 작품 중 상당수는 이발소 그림을 닮은 데가 있다. 그의 독특한 카키와 우울한 화면 분위기는 세련된 도회인들의 입맛과는 거리가 멀다. 그러므로 처음 러시아 회화들에 매혹되었을 때도 그 대상은 주로 레핀이나 크람스코이, 세로프처럼 기존의 취향으로도 충분히 전율할 수 있는 화가들의 작품이었던 것이다.
하지만 페로프 미학의 핵심은 시대정신과 휴머니티이다. 우리는 그때나 지금이나 항상 변함 없이 피어나는 모네의 수련이나 고흐의 해바라기와는 다른 관점에서 그의 그림에 접근해야 한다. 페로프가 살았던 19세기 러시아 사회의 현실에 발을 딛고 하나하나 뜯어보면, 그의 그림은 어떤 예술 작품들보다도 깊은 감동을 가져다준다. 그런 점에서 페로프의 그림들은, 투박하지만 씹을수록 깊은 맛이 나는 러시아의 흑빵을 닮았다.
그의 장르화들을 특징에 따라 구분해보면 사회비판, 해학, 그 외 인물과 역사쯤으로 분류될 수 있을 것 같다. 먼저 현실 비판적 시각의 그림들을 살펴보자. 그가 비판한 ‘현실’, 즉 19세기 러시아 사회를 요약하자면 이렇다. 당시 러시아 국민의 대다수는 농노이거나 가난한 농민들이었다. 농노는 지주의 토지를 경작하고 지대를 납부할 뿐 아니라 주 3일 이상 지주의 직영지에서 부역으로 노동을 제공해야 했다.
국가는 그들로부터 인두세를 걷고 병역의무를 부과하였지만
그 대가로 어떤 보호도 제공하지 않았다. 지주는 재판 없이 그들에게 체형을 가할 수 있었으며 매매할 수도 있었다. 농민들은 농노에 비해 다소 덜 예속적이었지만, 그 궁핍한 삶은 농노와 크게 다를 바 없었다. 이것은 상상 속의 지옥 풍경이 아니고 노예가 콜로세움에서 사자와 싸우던 글래디에이터 시대의 이야기도 아니다. 불과 150년 전의 러시아 사회는 그런 곳이었다.
그뿐이랴.
갓 불붙은 산업혁명으로 노동자계급이 탄생하면서 지옥은 농촌에서 도시로 확산된다. 초기자본주의 시절, 서로 먹고 먹히는 자본 간의 처절한 전쟁이
일상적으로 벌어지던 그때는, 경쟁에서 살아남기 위해 자본이 노동자의 육신과 영혼을
깡그리 망가뜨리는 데에 아무런 제약이 없던 시절이었다.
그리고 그런 러시아 사회의 정점에는 무능하며 폭압적인 로마노프 황실과 한줌도 안 되는 귀족들의 화려한 삶이 놓여 있었다. 이런 세상을 점진적으로 바꾸어 보고자 했던, '브나로드 운동'처럼 평화적이고 낭만적인 시도는 무참히 좌절되었다. 당신이 그런 상황에 놓인다면 이제 달리 무얼 할 수 있겠는가. 우리는 그들의 혁명에 공감할 수밖에 없다.
[영상] Vasily G. Perov, Hall 23, The State Russian Museum
The Mikhailovsky Palace, Hall 21, by Henryk H. Siemiradzki. The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
Phryne at the Poseidon Festival in Eleusis, 1889. by Henryk H. Siemiradzki. oil on canvas. 390 x 763.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 21, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
헨리크 지미라즈키 (Henryk Hektor Siemiradzki 1843~1902)는 로마에 거주하는 폴란드 화가였으며 그의 기념비적인 학술 예술로 가장 잘 기억된다. 그는 특히 유럽의 많은 국립 미술관이 소유한 고대 그리스-로마 세계와 신약성경의 장면을 묘사한 것으로 유명하다.
지미라즈키의 그림 중 많은 부분은 고대의 장면을 묘사하며, 종종 햇볕에 쬐인 목가적 장면이나 초기 기독교인의 삶을 보여주는 장면을 묘사한다. 그는 또한 성경적이고 역사적인 장면, 풍경 및 초상화를 그렸다.
1864년 그는 상트 페테르부르크로 이주하여 제국 예술아카데미에서 회화를 공부하고 졸업 후 금메달을 받았다. 1873년에 그는 알렉세이 톨스토이(Aleksey Tolstoy)가 쓴 신너(Sinner) 구절을 바탕으로 한 작품 "Christ and a Sinner"로 제국 예술 아카데미의 학자 칭호를 받았다. 1878년 그는 프랑스 군단 명예 훈장을 받았으며
파리 세계박람회에서 화병 그림으로 금메달을 받았다. 1876 ~1879년에 지미라즈키는 다른 대규모 프로젝트 중에서 모스크바에 있는 구세주 그리스도 대성당의 프레스코화 작업을 했다.
지미라즈키는 고대의 영감을 받은 화가로서 러시아와 유럽 예술의 역사에 남았다. 작가의 비범한 화보 기술, 고대 고고학에 대한 그의 깊은 지식, 작품에서 눈에 띄는 화려함과 재미있는 주제를 결합하는 능력은 언제나 그의 캔버스로 관객을 매료시켰다.
이 작품의 줄거리는 고대 그리스 역사에서 빌려온 것이다. 묘사된 사건은 우리를 기원전 364년으로 인도한다. 아름다움으로 유명한 헤테라 프린(Hetera Phryne)은 일레우시니안(Eleusinian) 축제에서 사랑과 아름다움의 여신 아프로디테를 묘사한다. 청중의 감탄하는 시선 아래 프린은 옷을 벗고 계단을 내려가 바다의 파도 속으로 뛰어 들었다. 왼쪽에는 그녀의 아름다움을 찬양하는 시인, 오른쪽에는 소녀의 발에 꽃을 던지는 사람들이 있다.
극장처럼 지어진 무대는 태양이 가득한 무성한 남부 자연을 배경으로 펼쳐진다. 다양하고 밝은 군중, 수많은 "골동품 럭셔리" 개체가 캔버스에서 거대한 정물로 합쳐져 각 개체가 엄격하게 정의된 장소를 차지한다. 구성을 구축하면서 지미라즈키는 사건의 현실을 표현하려고 노력했다. 그럼에도 불구하고 그림은 후기 학업의 그림 체계의 모든 전형적인 특징을 담고 있다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 21, Konstantin Flavitsky, The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
Christian Martyrs at the Colosseum, 1862, by Konstantin Flavitsky. oil on canvas, 385 x 539 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 21, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
화가 콘스탄틴 플라비츠키 (Konstantin Flavitsky 1830~1866)는 1830년 9월 모스크바에서 관리 집안의 아들로 태어났으나, 곧 고아가 되었고 7년간을 꼬박 보육원에서 지냈다. 그림에 대한 재능은 일찍부터 있었으나 알려지지 않았다가, 미술 단체의 후원으로
페테르부르크 미술 아카데미에서 공부하였고, 회화에 두각을 나타내었다. 1855년 황금메달을 받으면서 졸업을 했고, 그 덕택으로 이탈리아에서 6년간 유학했다.
콘스탄틴 플라비츠키는 비극적인 운명을 지닌 <타라카노바 황녀>를 그려 단 한 장의 작품으로 19세기 러시아 최고의 화가가 된 사람이다. 현재 트레치야코프 미술관에 전시되어 있는 <타라카노바 황녀>가 1864년 공개되면서, 미술계 내에서뿐 아니라 외적으로도 세간의 주목을 한 몸에 받았다. 모두들 앞으로의 그의 미술활동에 큰 관심을 나타내었고, 그가 훌륭한 그림을 많이 그려내 줄 것이라고 생각했다. 하지만 <타라카노바 황녀>를 그리고 있을 당시부터 그는 이미 폐결핵으로 고생하고 있었다. 이탈리아에 있을 당시 병을 얻어서, 페테르부르크로 돌아온 후 더욱 심해졌다. 그는 병을 고치기 위해 유럽으로 갈 생각이었으나, 안타깝게도 36세의 나이로 1866년 9월 짧은 생을 마감했다.
이 작품 “콜로세움의 기독교 순교자(Christian Martyrs at the Colosseum)"에서 플라비츠키는 서기 1세기 말 로마 제국의 역사에 나온 에피소드를 묘사했다. 사나운 맹수들을 풀어서 그리스도인들을 처음으로 공개 처형한 역사상 가장 고통스러운 종교적 박해의 예를 묘사한 것이다. 플라비츠키는 경비원이 경기장의 문을 열고 그리스도인들이
감옥에서 나가서 죽어야 할 순간을 선택했다.
고대 형태의 고문은 잔인하고 극심한 고통을 주는 독특한 방법으로 유명하다. 순교한다는 것은 죽음의 위협을 받고 있음에도 불구하고 당신이 믿는 것에 충실함을 의미한다. 수년 동안 흔들리지 않는 신앙을 표명한 사람들은 상상할 수 없는 여러 종류의 고문을 겪었다. 믿음으로 고통을 받은 사람들은 영감의 상징으로 여겨져 왔다. 기독교에서는 가장 끔찍한 죽음을 견뎌낸 가장 충실한 사람들이
시성화되어 이제는 성인으로 추앙되었다.
이것은 초기 기독교인들이 종교와 하나님의 말씀을
전파하기 위해 치른 희생 중 일부에 불과하다. 오늘날까지도 기독교 신자들에 대한 박해가 만연해 있다. 전 세계 수백만 명의 신자들이 신앙 때문에 고통 받고 있다. 종교가 억압의 기초가 되어서는 안 된다. 사회가 발전하기 위해서는 누구에게도 순응하지 않고
자신이 믿고 싶은 신앙을 실천할 수 있어야 한다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 21, Vasily S. Smirnov, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
Death of Nero, 1888. by Vasily S. Smirnov. oil on canvas. 177.5 x 400 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 21, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
바실리 세르게예비치 스미르노프 (Vasily Sergeyevich Smirnov 1858~1890)는 고대 역사의 장면을 전문으로 하는 아카데믹 스타일의 러시아 화가였다. 그는 러시아 귀족의 가정에서 태어났다.
바실리 스미르노프는 가족의 친구인 바실리 페로프(Vasily Perov)의 영향을 받아 예술을 직업으로 결정한 것으로 보인다. 1875년에 그는 모스크바 회화, 조각 및 건축학교에 등록했다. 바실리 스미르노프는 1878년 그곳에서 전시회에 참가하여 은메달을 획득했다.
같은 해에 그는 상트 페테르부르크의 제국 예술 아카데미로 편입하여 표트르 샴신(Pyotr Shamshin)과 파벨 치스티야코프 (Pavel Chistyakov)와 함께 공부했다. 1882년에 바실리 스미르노프는 폐의 "만성 카타르"로 인해 아카데미에서 휴가를 받았다. 이듬해 그는 "예술가"라는 칭호와 유학을 위한 수당을 받았다.
바실리 스미르노프는 비엔나를 거쳐 이탈리아로 갔고 결국 로마에 정착했다. 여름 더위가 너무 심해서 그는 토리노로 이사를 갔고
파리에서 시간을 보내며 살롱에서 전시했다. 북서부 유럽을 여행한 후 바실리 스미르노프는 이탈리아로 돌아와 그곳에서 일종의 멘토가 된 바실리 사빈스키(Vasily Savinsky)와 함께 살았다.
1885년에 바실리 스미르노프는 고전 주제에 대한
관심의 시작이었던 폼페이에서 스케치를 그렸다. 이듬해 그는 이 작품 "네로의 죽음(Death of Nero)" 작업을
시작했으며, 완성하는 데 2년이 걸렸다. 이 작품은 상트 페테르부르크로 보내졌고 여러번의 전시 후에 알렉산더 3세(Tsar Alexander III)가 구입하게 되었다.
1889년 바실리 스미르노프는 아카데미의 부교수가 되었지만
폐 질환이 계속 악화되면서 잠깐 머물렀다. 그는 기차에서 이동 중에 사망했고 그의 형은 1891년에 여러 미완성 그림을 포함하는 주요 전시회를 조직했다.
이 작품 "네로의 죽음"은 바실리 스미르노프의 최고이자 가장 유명한 작품으로, 그의 재능은 그의 초기 죽음으로 인해 완전히 드러날 시간이 없었다. 1887년에 바실리 스미르노프는 상트 페테르부르크 예술 아카데미의 연금 수령자로 로마에 있는 동안 고대 로마 역사의 극적인 사건에 헌정된 그림을 처음으로 스케치했다.
로마 황제 네로 (Nero 37~68 AD)는 무고한 사람의 처형, 어머니의 살해, 로마의 불태움 등등 수많은 역사적 범죄를 저질렀다. 군대와 시민들이 황제에게 반란을 일으켰고 네로는 전복되었다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 22, Solomatkin. The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
Watchmen Singing Praises, 1870. by Leonid I. Solomatkin. oil on canvas, 42.5 x 59 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 22, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
레오니드 솔로마트킨 (Leonid Ivanovich Solomatkin 1837~1883)은 사실적 스타일의 러시아 장르 화가였다. 그는 가난한 가정에서 태어나 어렸을 때 고아가 되었다. 처음에는 목자로 일한 다음 아이콘 판매자로 일했다. 몇 년 동안 그는 추막으로 일하면서 마을에서 마을로 여행하면서 도중에 본 흥미로운 사람들을 스케치했다.
그 스케치들을 손에 들고 모스크바로 가서 조각가이자 교사이자 미술 평론가인 니콜라이 라마자노프 (Nikolai Ramazanov)에게 선물했다. 그의 그림은 대부분 평범한 사람들의 삶을 다루었다. 아마도 그의 가장 인기있는 그림은 크리스마스 때 상인의 집에 가서 "그리스도에게 영광을 돌리고" 팁을 얻기 위해 과시할 정도로 경건한 경찰 중 한 명일 것이다. 원본은 손실되었지만 자신과 다른 사람들이 여러번 복사하고 복제했다. 사실, 그는 자신의 그림 (변형 포함)을 여러장 복사하는 경우가 많았으며 대부분이 작기 때문에 쉽게 만들었다.
그는 아카데미를 떠난 후 공식 전시회를 열지 않았다. 약간의 성공에도 불구하고 그는 알코올 중독자가 되어
가난하게 살았으며 종종 노숙자 생활을 했다. 그는 46세에 가난한 사람들을 위한 병원에서 결핵으로 사망했다.
이 작품은 어느 정도 그로테스크한 형태로 잘하는 관리의 가족에 머머의 도착을 묘사한다. 크리스마스 이후 2주 동안은 다양한 의식과 오락으로 표시되는 자유로운 즐거움의 시간이었다. 가면과 변장을 하는 것은 러시아에서 널리 퍼진 관습이었다. 이것은 크리스마스 이후 8일 동안 지구를 방황하는 악마가 악마적인 모습으로 옷을 입혀 속지 않으면 사람을 고문하거나 사로 잡을 수 있다는 믿음 때문이었다. 악령들에게 겁 먹은 머머들은 집집으로 이사했고, 주인은 음식과 음료로 그들을 대해야 했다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 22, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
Watchmen Singing Praises, 1882. by Leonid I. Solomatkin. oil on canvas, 36 x 62 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 22, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
레오니드 솔로마트킨 (Leonid I. Solomatkin)은 현대 거리와 작은 도시 사람들의 삶을 날카롭고 종종 그로테스크하게 인식했다. 자연의 철저한 이전을 위해 노력하지 않고, 그는 때때로 그의 캐릭터를 거칠게 만들어 청중의 관심을 삶의 추악한 측면으로 끌어들였다.
솔로마트킨은 이 작품에서 자모스크보레치예(Zamoskvorechye) 삶의 다채로운 장면을 재현한다. 경찰은 주인의 감사를 바라며 “그리스도를 찬양”하기 위해 상인의 집에 왔다. 방, 얼굴, 포즈의 모든 세부 사항에는 너무 많은 코믹하고 다양한 진실이 담겨 있다. 1864년 원본 버전으로 솔로마트킨은 첫 번째 은메달을 받았다. 이 그림은 솔로마트킨에 의해 여러번 반복되고 변경되었다.
[영상] Siemiradzki, Flavitsky, Smirnov, Solomatkin. Hall 21~22, The State Russian Museum
The Mikhailovsky Palace, Hall 20, Fyodor A. Vasilyev. The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
Thaw, 1871. by Fyodor A. Vasilyev. oil on canvas. 55.5 x 108.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 20, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
표도르 바실리예프(Fyodor Alexandrovich Vasilyev 1850~1873)는 가난한 페테르부르크 우편 관리의 가족으로 태어났다. 그의 출생 4년 후 부모가 결혼했지만 그는 항상 사생아로 여겨졌다 한다. 바실리예프는 12살부터 우편배달, 사본 필사, 미술품 재생의 일로 돈을 벌었고, 부친의 사후에는 가족을 부양했다. 돈이 부족하여 12세의 청년이 우체국에서 일을 했지만
그럼에도 불구하고 취미를 포기하지 않았다.
1863년 13세 때 바실리예프는 미술학교의 야간학생으로 다니며,
그를 돌봐준 여러 화가를 만났다. 15살 때 예술진흥협회의 드로잉 스쿨에 입학하여 크람스코이(Ivan Kramskoy) 등 저명한 예술가들을 만났다. 크람스코이는 표도르 바실리예프보다 나이가 13살이 더 많았지만 나이의 차이에도 불구하고 이들은 매우 가까워졌다.
1866년 유명한 풍경화가 이반 쉬스킨(Ivan Shishkin)이 그의 누나와
사랑에 빠졌고, 틈틈이 바실리예프에게 풍경화를 가르쳤고,
후에는 크람스코이, 트레치아코프 등에게 소개도 해 주었다. 그러나 바실리예프가 자신의 그림과 강한 경쟁 상대가 되자 쉬스킨은
집행부의 영향력을 이용해 자신이 상을 받도록 했다는 비난도 받았다고.
아티스트로서 바실리예프를 형성하는 데 중요한 역할은 이반 쉬스킨(Ivan Shishkin)이 했다. 시간이 지남에 따라 그들은 친척이 되었다. 쉬스킨은 바실리예프의 여동생 예브게니(Yevgeny Vasilyeva)와 결혼했다. 쉬스킨은 처남에게 최대한 정확하게 전달하도록 가르치고 그림의 기술에 대해 이야기했다. 젊은 예술가 바실리예프가 쉬스킨 부부에게 보낸 편지가 여러 통 남아 있다.
1872년 8월 11자 그들 중 한 명은 얄타(Yalta)에서 쓰여졌으며 그곳에서 바실리예프는 폐질환 때문에 움직였다. “저는 항상 그렇듯이 돈 때문에 일을 해야 하는데 이것이 항상 저를 화나게 합니다. 이미 내 그림 중 하나를 받은 대공 블라디미르 알렉산드로비치 (Brand Duke Vladimir Alexandrovich)는 4점을 더 주문했습니다. 그러나 슬픔을 극복하기 위해 이 그림들은 12월 24일 마감일까지 완료되어야 합니다. 그렇기 때문에 시작된 그림은 낭비되고 올해 내년 1월과 2월에만 시간이 남았기 때문에 대회에 글을 쓰지 않았습니다." 그는 2개월 후 1873년 10월 6일에 일을 끝내지 못했다.
이 작품 "해동(Thaw)"은 특별한 유형의 풍경이다. 추위에 휩싸인 음울하고 탐욕스럽지 않은 바람에 휩쓸리는 공간을 묘사한 것이다. 작가는 시야를 넓게 확대하여 거의 파노라마처럼 보이도록 하여 어렵고 목적없는 여정, “고통으로 가득 찬 길”의 느낌을 육체적으로 볼 수 있게 한다. 절망감은 배경의 세부 사항에서 강조된다. 얼음으로 덮인 나무와 버려진 것처럼 보이는 농민 오두막. 삶의 순환을 상징할 수 있는 여행자와 어린이는 길과 약간 녹은 개울로 형성된 교차로의 중심에 있다. 우리가 보는 것은 단어의 직접적인 의미에서 “충돌”이다.
바실리예프의 "해빙"은 발표되자마자 그를 유명하게 했다. 알렉산더 왕자 즉 미래의 알렉산더 3세가 카피 한 점을 주문했고, 예술가 진흥회 (Society for Promotion of Artists)는 그에게 일등상을 수여했다. 이 그림은 1872년 런던 박람회에서 메달을 받았다. 바실리예프는 황립예술학교의 인턴이 되었고, 군대 징집을 면제받았다.
그러나 바실리예프가 러시아 예술가들 사이에 불렸던 "천재소년"에겐 그 인기를 즐길 여유가 주어지지 않았다. 폐결핵 진단을 받아 상트 페테르부르크를 영원히 떠나게 되었기 때문이다. 크리미아로 이주했던 바실리예프를 예술가 진흥회가 계속 후원했으나, 그는 그림으로 치료 비용을 갚아야 했다.
Marsh in a Forest. Autumn, 1872. by Fyodor A. Vasilyev. oil on canvas. 81 x 115.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 20, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
1871년에 막 성숙기에 이르렀고 인생의 30년에 겨우 들어간 바실리에프는 결핵에 걸렸다. 그는 상트 페테르부르크를 떠나 우크라이나 코텐(Khoten) 마을로 간 다음 돌아올 운명이 아닌 크림 반도로 가야 했다. 얄타에 살면서 그는 인생에서 큰 어려움을 겪었다.
예술가 장려협회의 소액 대출은 가족과 그림 작업에 필요한
비용을 지원하기에 충분하지 않았다. 그와 비교할 수 없는 신선함과 넓음, 친척 및 친구들과 함께 그에게 소중한 북부 숲과 늪에 대한 그의 갈망은 위대했다. 그리고 주인은 살아남은 스케치와 그의 비정상적으로 끈질긴 기억을 사용하여 중앙 러시아 자연의 그림 작업을 계속했다.
마지막 작품 중 하나는 “숲의 늪. 가을(Marsh in a Forest. Autumn)"이다. 1872년에 시작되었고 1870년대의 가장 주목할만한 러시아 풍경에 속한다. 그림의 색 구성표, 넓은 동적 붓놀림을 사용하는 그림 시스템에서
바실리예프는 1890년대 러시아 그림의 업적을 기대하면서
당시 예술의 일반적인 수준과 가능성을 크게 능가했다.
죽기 직전에 그는 크람스코이(I. Kramskoy)에게 편지를 보냈다. “오, 늪, 늪! 무거운 예감으로 인해 심장이 얼마나 고통스럽게 수축합니까! 글쎄요, 이 자유를 다시 숨 쉴 수 없을까요? 아침의 이 생명을 주는 힘은 김이 나는 물 위에서 깨어나지요? "
짙은 회색 구름을 배경으로 가을 나무를 묘사함으로써 작가는 무성한 잎이 달린 참나무의 구리-황금 왕관을 특별한 힘으로 타게하여 자작 나무에 노란색과 빨간색 음영의 복잡한 색상 악센트를 지원했다. 바실리예프는 러시아 숲의 아름다운 가을 장식에 대한
기억을 크림 산에서 관찰한 것과 결합했다.
그는 가을에 비정상적으로 밝고 신선한 색의 반점으로 채색되었다. 저녁의 고요함 속에 얼어 붙은 가을 참나무는 저녁 햇살의 따뜻한 햇살에 빛을 발한다. 흔들림, 초록색과 녹슨 붉은색 초목 사이에 섭식하는 새의 신비한 실루엣은 바실리예프의 마지막 그림에서 매우 전형적인 일반적인 분위기에 수수께끼, 사려 깊음 및 슬픔을 더한다.
이 작품은 모든 스트로크에서 자유롭고 표현력이 뛰어나며 매우 정확하고 사려깊다. 이 그림에 대한 그의 인상에 대해 크람스코이(I. Kramskoy)는 바실리예프에게 다음과 같이 썼다. "진짜 그림은 어떤 것과도 다르고, 누구를 모방하지도 않으며, 어떤 예술가나 학교와도 아주 조금도 닮지 않았습니다. 그런 정도의 독창적이고 모든 영향으로부터 분리되어 현재의 전체 예술 운동의 외부에 서서 한 가지만 말할 수 있습니다. 이것은 여전히 ... 그다지 좋지 않지만 ...하지만 훌륭합니다."
Clouds, 1873. by Fyodor Vasilyev. oil on canvas. 32 x 37 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 20, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
1870년, 20세의 표도르 바실리예프는 러시아 국민화가 일리야 레핀(Ilya Repin) 및 예브게니 마카로프(Evgeny Makarov)와 함께 볼가 강을 따라 여행을 갔다. 몇 년 후, 일리아 에피모비치 (Ilya Efimovich)는 그의 저서 “먼 거리”에서 그 젊은이가 일하는 방식에 대해 동료들에게 감동을 주었고
그의 오랜 동지들에게 “훌륭한 교사”가 되었다고 썼다.
그는 우리 모두에게 훌륭한 교사였다. ”그에 따르면“ 머그컵 앨범의 작은 잎을 따라 재봉틀 바늘의 속도를 가진 얇은 연필은 가파른 곳으로 구부러진 집들이 있는 가파른 은행의 사실적이고 인상적인 전체 그림을 그렸다. 먼 거리에서 뾰족한 곤경과 뾰족한 스파이크 ... " 여행 중에 만들어진 연구는 나중에 볼가 라군을 포함한 여러 그림의 기초로 사용되었다. 앞으로 캔버스는 파벨 트레치야코프(Pavel Tretyakov) 컬렉션에서 소장하게 되었다. 파벨 트레치야코는 바실리에프가 병과 사망으로 인해 후원자에게 지불할 수 없는 부채 때문에 1874년 작가의 그림을 사후에 전시한 후에 그것을 소장했다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 20, F. A. Vaslliev. The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
In the church fence. Balaam, 1867. by Fyodor A. Vasilyev. oil on canvas. 43 x 67 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 20, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
쉬스킨(Shishkin)의 초청으로 바실리예프는 1867년에 발라암(Valaam)으로 갔다. 바실리예프의 발라암 풍경화는 진심어리게 서정적이다. 이러한 기능은 바실리예프의 작품 전체에 내재되어 있으며 그의 초기 작품에서 이미 볼 수 있다. 발라암에 대한 작업은 뛰어난 예술가의 짧은 수명을 고려할 때 "초기" 기간이라 할 수 있다.
이 작품 "발라암의 교회 울타리에서(In the Church Fence, Balaam)"는 고요하고 평온한 분위기가 고스란히 드러나 있다. 큰 나무의 힘은 교회 울타리 안에 있는 모든 것의 힘을 나타낸다. "교회 울타리"가 명확하게 표시되어 있음에도 불구하고 그림에서 "여기"와 "거기" 사이에 명확한 구분은 없다. 바실리예프의 경우 주변 세계가 조화를 이루고 울타리 안에서만 영적 긴장이 더 강하기 때문이다
Countryside, 1869. by Fyodor A. Vasilyev. oil on canvas. 61 x 82.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 20, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
1869년 이 작품이 만들어졌을 때 바실리예프에 대한 관심이 매우 높아졌다. 바실리예프는 민속 생활의 장면과 자연의 그림에 똑같이 관심이 있었다. 동시에 자연에 대한 새로운 이해와 그 표현의 회화적 수단이 그에게 무르익고 있었는데, 이는 명암 계획의 배열에 반영된 학문적 기준을 극복하는 방향으로 나아가고 있었다.
러시아 마을은 낡은 오두막, 마른 소, 지나갈 수 없는 흙과 같은 풍경이
꾸밈없이 실제 형태로 묘사된다. 이것은 최근 개혁 이후 마을이 어떻게 살아 남았는지와 관련이 되어 있다. 그러나 비판적 사실주의의 다른 풍경화가와 마찬가지로 작가는 조국에 대한 아이디어와 함께 사람들의 정신의 아름다움과 관련된 러시아 자연의 아름다움을 마음으로 보고 인식했다.
After Rain. Country Track, Late l860s. by Fyodor A. Vasilyev. oil on canvas. 57.5 x 82 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 20, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
바실리예프는 여름 비가 내린 후 시골 풍경을 묘사하는 데 자주 눈을 돌렸다. 그 구성은 거리로 멀어지는 길을 주제로 한다. 이 유형의 풍경에 없어서는 안될 요소인 소를 이끄는 외로운 농부 인물은 그림의 정서적 구조에 흥분을 더한다. 이 풍경 속에서 길의 동기는 철학적 의미를 갖게 된다. 부서진 검은 울타리, 비에 의해 씻겨진 바위 길의 이미지에서, 사람은 마을 생활의 어려움에 대한 반성뿐만 아니라 애수를 띈 분위기도 들을 수 있다. 도로 웅덩이의 밝은 반점, 햇빛에 의해 비춰지는 곡물 밭,
서로 반향하는 것은 비오는 날의 우울한 색 구성표에 반대하며
풍경의 전체적인 예술적 솔루션에 낙관적인 메모를 가져온다.
"자연 속의 소음과 음악"을 들을 수 있는 가장 훌륭한 "정신적 신경"은 풍경화가 바실리예프가 부여했다. 이것은 바실리예프의 최고의 작품 중 하나이다. 겸손한 풍경은 날씨와 조명의 가장 어려운 조건에서 묘사된다. 묘사된 삶의 생동감은 사물의 정확한 묘사와
세부 묘사 없이 자유로운 글쓰기 방식으로 대답된다. 작가가 작은 그림으로 재창조한 소박한 모습은 자연 속에서 끊임없이 순환하는 큰 법칙에 따라 살아가며 생명의 힘과 에너지를 보여준다.
View of the Volga. Barques, 1870. by Fyodor A. Vasilyev. oil on canvas. 67 x 105 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 20, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
바실리예프는 러시아 미술에서 풍경 장르의 발전보다 훨씬 앞서 있었다. 그는 특정한 자연적 동기나 눈에 띄는 외모를 그다지 많이 전달하는 것이 아니라 자연의 삶, 상태를 표현하기 위해 노력했다. 종종 그는 비가 내린 후 뇌우나 깨달음이 있기 전에 자연의 힘의 긴장에 매료되었다. 바실리예프는 누구누구처럼 성공하지는 못했지만 예술의 높은 사회적 목적을 확신하고 그 강력하고 고상한 힘을 끝없이 믿었다.
일리야 레핀(I. E. Repin) 및 마카로프(E.K. Makarov)와 함께 볼가를 여행하는 동안 만들어진 이 풍경은 바실리예프의 낭만적으로 열정적인 세계 인식을 증명한다. 1860년대에서 1870년대까지 이 작품은 국가 경관을 묘사한 그림의 정점으로 판명되다.
“푸른 하늘은 수평선 근처에서 소용돌이 치는 구름으로 덮여 있습니다. 고요하고 거울같은 물에 반사되는 뜨거운 저녁 빛이, 갈색의 새끼 사슴 빛을 띠는 바지선의 반쯤 내려 앉은 돛, 뜨거운 해안 모래 위에 스며 들었습니다. 진심 어린 느낌의 ... 그림은 긴장, 심지어 불안까지도 감추고 있습니다 ... 그리고 들어온 뇌운에서 뿐만 아니라 그림의 전체 구조에서 느껴집니다"
1870년 겨울 바실리예프는 심한 감기에 걸렸고 소비 진단을 받았다. 스트로가노프 백작의 초청으로 1871년 여름을 지방에 있는 자신의 영지에서 보냈지만 바실리예프는 건강을 개선하지 못했다. 예술가 장려협회는 바실리예프에게 크리미아로 여행할 수 있는 편의를 제공했다. 떠나기 전에 바실리예프는 예술 아카데미에서 1급 예술가 칭호를 받았다. 바실리예프는 크리미아에서 2년을 보냈고 많은 그림 외에도 "Swamp"와 "Crimean View"라는 두 개의 그림을 그렸으며, 이로 인해 1872년 예술가 장려협회에서 상을 받았다.
[영상] Hall 20, Fyodor Vasilyev. The State Russian Museum
The Mikhailovsky Palace, Hall 19, Ivan N. Kramskoy. The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이반 크람스코이(Ivan Nikolaevich Kramskoy 1837~1887)는 러시아의 화가이자 미술 비평가이며 19세기 후반 러시아의 대표적인 미술그룹인 '이동파'의 창시자이다. 그는 또한 예술아카데미의 교수로 일리야 레핀과 니콜라이 야로셴코 같은 훌륭한 제자들을 키워낸 스승이기도 하다.
이반 크람스코이는 1837년 러시아 오스트로고쥬스크 시의회 서기의 아들로 태어났다. 1857년 상트페테르부르크 미술 아카데미에 입학해 미술 공부를 시작했다. 1863년 아카데미 졸업 작품 주제에 반발해 다른 13명의 학생들과 함께
작품 주제 선정의 자유를 요구했다. 그러나 그 요구가 받아 들여지지 않자 졸업 직전 아카데미에서 나왔다. 스스로를 '14인의 반란자'라 칭하며 '페테르부르크 예술가 조직'을 결성한 이들은 작업실과 주거지를 공유하는 공동체 생활에 들어갔다.
1870년 이반 크람스코이는 비평가 스타소프(V.V. Stasov)와 전격적인 합의로 '러시아 이동 전시 협회'를 창립하였다. 여기에는 일리야 레핀(Ilya Repine), 바실리 수리코프(Vasily Surikov),
바실리 페로프(Vasily Perov), 이사크 레비탄(Isaak Levitan) 등
19세기 후반의 대표적인 러시아 화가들이 참여했다. 이 그룹은 여러 도시를 이동하면서 전시회를 개최한다는 의미에서
스스로 '이동파'라는 이름을 붙였다. 몇몇 특수한 사람만을 위한 미술 전시회가 아닌 모든 사람이 함께
미술품을 감상하고 즐기자는 취지로 거의 해마다 개최된 이 전시는
매우 성공적이었으며 이후 러시아 미술의 성격을 결정적으로 규정지었다.
이반 크람스코이는 시대에 대한 의무와 정의감에 넘치는 인물들을 주로 그렸다. 1873년에 발표한 대문호 레프 톨스토이의 초상화는 위대한 사상가의 결단과 강인한 정신이 크람스코이 특유의 한색 계열의 색감으로 표현되었다. 이 초상화가 그려질 당시 톨스토이는 《안나 카레니나》를 쓰고 있었고 크람스코이를 모델로 미할코프라는 인물을 창조하였다. 한편 크람스코이는 1883년 《미지의 여인》을 발표하는데, 이 작품의 모델이 바로 톨스토이 소설의 주인공 안나 카레니나라는 설이 유력하다.
Portrait of Ivan I. Shishkin, 1880. by Ivan N. Kramskoy. oil on canvas. 115.5 x 83.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 19, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
초상화의 모델 이반 쉬스킨 (Ivan Ivanovich Shishkin 1832~1898)은 러시아의 풍경화가이다. 이반 쉬스킨은 1832년 러시아의 엘라부가에서 태어났다. 1852년부터 1856년까지 모스크바 예술학교에서 미술을 공부했고, 이어 상트 페테르부르크 제국 예술아카데미 (Imperial Academy of Arts)에 입학해 1860년 최고 영예의 금메달을 수상하며 학업을 마쳤다.
이 때 그는 최고 성적을 받은 학생에게 주어지는 정부 장학금으로 유럽에서 공부할 수 있는 기회를 얻었다. 1862년부터 1866년까지 스위스의 취리히와 독일의 뮌헨, 뒤셀도르프, 체코의 프라하 등지에서 공부했다.
이반 쉬스킨은 귀국 후 모스크바의 예술가 모임에 참여했다. 보수적인 아카데미 미술교육에 반대하는 젊은 화가들을 주축으로 결성된 이 모임은 1870년 이동파로 발전했다. 이동파는 러시아 전역을 돌며 순회 전시회를 갖는 미술계의 브나로드 운동으로, 쉬스킨은 화가인 크람스코이와 비평가 스타소프 등과 함께 이 운동의 창립 멤버이자 주요 인물이 되었다.
쉬스킨은 러시아 미술에 '숲의 풍경'이라는 새로운 장르를 탄생시켰다. 당시 사람들은 그를 '숲의 황제', '고독한 참나무', '늙은 소나무' 등으로 불렀으며, 쉬스킨이 그린 숲은 자연 그 자체이며, 삶의 원천으로서 러시아 사람들에게 그들의 대지와 숲이 얼마나 장엄하고 위대하며 아름다운지를 새롭게 일깨워 주었다. 특히 그는 북러시아 곳곳을 돌아다니며 각 지역의 토속 식물들을 세심히 관찰하고, 다양한 숲의 형태를 정확하게 표현하기 위해 애썼다.
쉬스킨은 1873년 상트 페테르부르크 왕립 아카데미의 교수로 취임해 그가 세상을 떠나기까지 후학을 가르쳤다. 하지만 개인적인 삶은 별로 행복하지 않았다. 그는 두 번 결혼을 했는데, 두 아내 모두 먼저 세상을 떠났다. 첫 번째 부인은 그의 제자였던 화가 F. 바실리예프의 누이 엘레나로 1874년에 죽었고, 두 번째 아내는 화가 올가 라고다였는데 역시 1881년 병으로 죽었다. 1870년대 중반에 쉬스킨은 두 명의 아들을 먼저 떠나보내야 하는 아픔을 겪었지만 작품에서 만큼은 슬픔을 드러내지 않았다.
창작활동 초기에 열정적이었던 그는 그러한 아픔을 겪고 난 한 동안 그림을 그리지 못하고 기도만 했다고 전해진다. 그러나 다시 그림을 그리기 시작하여 말년의 20여 년은 창작에만 몰두, 결국 자신의 화실에서 ‘숲 속의 왕국 (Forest kingdom)’이라는 작품을 그리다가 66세의 나이로 세상을 떠났다. 그의 작품 속에는 찬란한 햇빛과 생명의 기운이 넘쳐 나며, 젊고 강인한 러시아의 기질이 숨을 쉬는 듯하다. 쉬스킨은 1898년 66세를 일기로 상트 페테르부르크에서 생을 마감했다.
이 초상화를 그린 이반 크람스코이(Ivan N. Kramskoy)는 러시아 본성의 이미지를 만드는 데 평생을 바친 현실적인 풍경화의 가장 위대한 대가인 이반 쉬스킨의 초상화를 여러번 그렸다. 크람스코이는 쉬스킨을 '러시아 풍경화의 길을 연 위대한 교사'라고 그를 칭송했다.
Mina Moiseyev, 1882. by Ivan N. Kramskoy. oil on canvas. 56.5 x 45 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 19, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이 초상화의 모델은 평범한 마을 주민 미나 모이세프(Mina Moiseev)였다. 미나 모이세프의 이 초상화에서 가장 본질적인 것에 집중하는 이반 크람스코이(Ivan Nikolaevich Kramskoy)의 능력이 분명하게 드러나 있다. 농부의 모습에서 자유롭고 구속되지 않은 자세에서 내면의 평온함과 독립성이 느껴진다. 주름진 노인의 얼굴은 인간의 따뜻함과 친절을 발산하며 지혜와 삶의 경험을 증언한다.
Portrait of Alexei Suvorin, 1881. by Ivan N. Kramskoy. oil on canvas. 108.5 x 88 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 19, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
초상화의 모델 알렉세이 수보린 (Alexei Sergeevich Suvorin 1834~1912)은 러시아 신문과 서적 출판사이자 언론인으로, 작가, 연극 평론가 및 극작가로 러시아에서 상당한 영향력을 행사했다.
19세기 후반 러시아 미술은 세계 미술사에 그 유래를
찾을 수 없는 독특한 자기만의 색을 드러낸다. 러시아 미술 발전에 있어서 중요한 역할을 담당하는 '이동파'가 등장한 것이다. 이동파는 정치적 경제적으로는 후진국이면서도 정신적으로 이것을 극복하려고 했던 지식인들 중심의 민주적인 미술 유파였다.
세계 미술사 곳곳에서 미술이 정치와 갈등을 일으킨 적은 있지만 이처럼 철두철미하게 반체제적 성격을 유지한 미술운동은 존재하지 않는다. 이동파는 '삶의 진실'의 추구라는 러시아 미술의 전통을 극대화시켰다.
이동파의 가장 핵심적인 인물이 바로 이반 크람스코(Ivan N. Kramskoy)였다. 크람스코이는 뛰어난 화가이자 탁월한 미술 비평가였으며, 레핀과 야로센코와 같은 훌륭한 제자들을 키워 낸
스승이자 이동파를 결성한 탁월한 조직가였다.
그는 19세기 후반기 러시아 문화계의 대표적인 민주 인사였다. 지방 하급 관리의 아들로 태어난 크람스코이는 귀족과 농민 사이에 존재하는 다양한 직종의 중간 계급을 뜻하는 소위 잡계급 출신의 전형적인 러시아 인텔리겐챠였다.
그의 활동과 작품은 당시의 '양심적 지식인'의 전형을 보여 준다. 젊은 시절의 자신을 그린 자화상은 이런 사회적 책임 의식에 가득찬 지식인 크람스코이의 모습을 여지없이 보여 준다.
인텔리겐치아는 지식인으로서 사회적 책무에 충실하기 위해서
자신의 기득권을 버리고 헌신적으로 만연한 사회악과의 고독한 싸움을 수행해 나갔다. 크람스코이가 남긴 여러 그림에는 이런 지식인적 책무에 충실한 인물들이 등장한다. 크람스코이가 지식인으로서, 또 화가로서 러시아 미술계에 미친 영향은 막대하다.
사건은 1863년 크람스코이가 상트 페테르부르크 미술 아카데미를 졸업하기 직전에 시작된다. 아카데미 졸업 작품 주제로 얼마 전 일어났던 농노 해방이 선정되었다. 그러나 이 불완전한 농노 해방은 더 큰 불안 요인이 되어 사회를 들썩거리게 만들었다.
그런데 정부에서 이 주제를 학생들에게 그리라고 하는 것은
차르의 치적을 찬양하라는 의도였다. 크람스코이를 포함한 열 네 명의 학생들은 이에 반발해 졸업 작품 주제 선정의 자유를 요구하며, 졸업 직전 집단 자퇴를 한다. 화가로서의 안정적인 길을 포기한 이 겁 없는 젊은이들은
스스로를 '14인의 반란자'라고 불렀다.
아카데미의 권위는 땅에 떨어졌다. 예술 아카데미의 교수이며 레핀의 스승이었던 크람스코이는 러시아 미술계의 방향을 틀은 ‘14인의 반란'을 주도한 인물이다. 그는 예술아카데미의 정형화된 교육에 반대하여 몇몇의
뜻있는 화가들과 결합하여 자신들만의 전시회를 열고 이로부터 이동파,
방랑자파 등의 러시아의 새로운 화파가 등장하게 된다.
14인의 반란자들은 작업실과 주거지를 공유하는 생활 공동체
'페테르부르크 예술가 조직'을 결성한다. 이것은 1863년에 발표되어 지식인들에게 많은 영향을 끼친 체르니세프스키의 <무엇을 할 것인가?>에서 제시한 이상적인 생활 공동체를 모델로 한 것이었다. 또 이런 생활 공동체에 관한 생각은 러시아 전역을 포괄하는 전시 공동체인 이동파의 탄생을 예감하게 하는 것이었다.
1860년대 러시아 화가들은 광범위한 활동을 통해 보다 조직적인 단체를 결성할 수 있을 만큼 세력을 키워 갔다. 모스크바에서 활동하던 바실리 페로프를 중심으로 한 여섯 명의 화가들과 상트페테르부르크의 화가들 사이에 공동체에 관한 논의가 진행되었다. 1870년 크람스코이와 비평가 스타소프의(V. V. Stasov) 전격적인 합의로 '이동 전시협회'를 결성함으로서 마침내 미술사에 '이동파'라는 이름이 등장하게 된다.
이동파의 목표는 첫째, 러시아의 모든 사람들에게 동시대 예술 작품의 감상 기회를 주는 것, 둘째, 러시아 사회에 대한 애정을 함양하는 것, 셋째, 작품 판매를 보다 용이하게 만드는 것이었다.
즉 한편으로는 미술계의 민주화를 추구하는 것이며,
다른 한편으로는 관과 중앙 귀족들에게 국한되어 있던
컬렉터 층을 확보해 작가들의 생존권을 보장하려는 의도였다. 여러 도시로 이동해 가며 전시회를 개최한다는 의미에서 '이동파'라는 이름을 붙였다.
특수한 몇몇 사람이 아니라 되도록 많은 사람들이 전시회를 볼 수 있도록 한다는 점에서 일종의 미술계 브나르도 ('민중 속으로'라는 뜻의 러시아 말) 운동이었다. 거의 해마다 개최된 이 전시들은 매우 성공적이었으며
이후 러시아 미술의 성격을 결정적으로 규정지었다.
반면 아카데미 미술은 급격히 쇠퇴해 갔다. 위기감을 느낀 아카데미가 1893년 거장 레핀을 교수로 영입하기도 했다. 그 와중에 이동파는 재야 조직으로서의 의미가 다소 퇴색하기는 했지만, 1923년 마지막 전시를 갖고 혁명 정부 하에서 조직 개편을 위해 해체되기까지 무려 52년간 존속했던, 세계 미술사상 유래 없이 장수한 화가 그룹이었다.
Portrait of the Sculptor Mark Matveevich Antokolsky, 1876. by Ivan N. Kramskoy. oil on canvas. 108.5 x 88 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 19, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
초상화의 모델 마크 안토콜스키 (Mark Matveyevich Antokolsky 1842~1902)는 리투아니아 유대인 혈통의 러시아 제국 조각가였다. 그는 상트 페테르부르크의 제국 예술아카데미(Imperial Academy of Arts)에서 공부했다. 마크 안토콜스키는 처음에 "유대인 재단사", "현명한 나단", "유대인에 대한 종교 재판소의 공격", "탈무드 토론"과 같은 유대인 주제, 조각상으로 시작했다. 젊은 조각가의 작품은 상트 페테르부르크의 아카데미에서 논쟁을 불러 일으켰다.
1868년부터 1870년까지 마크 안토콜스키는 베를린에 살았다. 1871년 안토콜스키는 그의 첫 번째 '러시아' 조각작품인 "이반 4세(Ivan the Terrible)"로 모든 평가자와 예술 감정가들에게 엄청난 인상을 남겼다. 알렉산더 2세 황제가 이 조각품을 보았을 때 그는 청동 사본을 만들어달라고 요청했고 안토콜스키에게 4,000루블의 선불금을 할당했다. 파벨 트레치야코프(Pavel Tretyakov) 또한 자신의 갤러리를 위해 대리석 사본을 주문했다. 이렇게 해서 받은 자금으로 안토콜스키는 개인적인 문제를 해결할 수 있었다. 1871년 안토콜스키는 부유한 빌니우스(Vilnius) 상인의 딸인 옐레나(Jelena Gene)를 만나 1872년 9월 6일에 결혼했다.
안토콜스키는 조각이 사회적이고 인간적인 이상이라고 믿었다. 그는 쇠약해진 건강을 개선하기 위해 1871년 이탈리아
휴양지로 이주하여 6년 후 파리에 정착했다. 만성 위병이 심해지면서 안토콜스키는 독일 프랑크푸르트에서 갑자기 사망했다. 안토콜스키는 특별한 마차가 달린 기차로 빌니우스를 경유하여 상트 페테르부르크에 있는 프레오브레젠스코이(Preobrazhenskoye) 묘지의 유대인 지역에 묻혔다. 그의 무덤과 묘비는 입구 문에서 멀지 않은 곳에서 여전히 찾을 수 있다.
Portrait of Vladimir Solovyov, 1885. by Ivan N. Kramskoy. oil on canvas. 113 x 94 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 19, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
초상화의 모델 블라디미르 솔로비요프 (Vladimir Sergeevich Soloviev 1853~1900)는 러시아의 철학자, 신학자, 시인, 팸플릿 및 문학 비평가로 19세기 말 러시아의 철학과 시의 발전과 20세기 초의 영적 르네상스에서 중요한 역할을 했다.
그는 역사가 세르게이 미카일로비치 솔로비요프 (Sergey Mikhaylovich Solovyov 1820~1879)의 아들이자 역사 소설가 브세볼로드 솔로비요프 (Vsevolod Solovyov 1849~1903)와 시인 폴리세나 솔로비요바 (Polyxena Solovyova 1867~1924)의 형제로 모스크바에서 태어났다. 그의 어머니 폴리세나 블라디미로브나(Polyxena Vladimirovna)는 폴란드계 가족에 속했으며 그녀의 조상 중에는 사상가인 그레고리 스코보로다(Gregory Skovoroda 1722~1794)가 있었다.
Inconsolable grief. 위로할 수 없는 슬픔. by Ivan N. Kramskoy. oil on canvas. The Mikhailovsky Palace, Hall 19, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
여인은 누구를 떠나보낸 것일까. 그림을 처음 보았을 때, 저만큼 깊은 상처를 준 것이라면 아무래도 남편이나 부모 보다는 자식이 아닐까 하는 생각을 했었다. 아이를 길러본 사람은 그 의미를 안다. 게다가 당시 러시아 귀족사회에 만연해있던 외도와 스캔들들을 생각하면 더욱 그러하다. 뒤에 찾아본 자료에 따르면 역시 이 작품은 자식을 잃은 크람스코이의 아내를 그린 것이었다.
모스크바의 트레차코프 갤러리에도 <위로할 수 없는 슬픔>의 다른 버전이 전시되어 있다. 이만한 그림이라면 아마도 더 많은 에튀드(습작)들이 남아 있을 것이다. 걸작의 에튀드들을 보노라면, 우리가 찬탄하는 최종작품이 나오기까지 작가가 어떤 고심을 했는지를 엿볼 수 있어 흥미롭다. 그러나 다른 한편으로는 작품에 대해 가졌던 신비감이 어째 덜해지는 부작용도 있는 것 같다. 세상의 좋고 싫은 것들은 그처럼 양날의 칼인 경우가 많다.
Portrait of Ekaterina Kornilova. 1880. by Ivan N. Kramskoy. oil on canvas. The Mikhailovsky Palace, Hall 19, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
러시아의 국민화가 일리야 레핀 평생의 스승인 이반 크람스코이는 러시아 사실주의 발전의 공로자이고 이동파 결성의 주역이다. 19세기 러시아 리얼리즘은 문학과 음악 분야뿐만 아니라 회화에도 많은 영향을 미쳤다.
대부분이 수도사인 정교회의 이콘 화가들을 제외하고, 서구 화풍의 영향을 받은 러시아의 근대 화가들은 주로 황실에 소속되어 황제 일가나 귀족들의 초상화를 그렸다. 그러나 19세기에 들어서면서 사실주의적인 세계관의 영향을 받아 민중들의 일상적 삶의 풍경이나 러시아 역사를 주제로 한 그림들을 그리기 시작한 것이다.
1860년대에 들어와 인텔리겐치야들의 영향을 받은 바실리 페로프와 같은 화가들은 술을 마신 성직자나 마을의 어린이, 장례식 등과 같은 러시아 민중들의 일상적인 삶의 모습들을 화폭에 담기 시작했다 . 러시아 민중들의 정서를 반영하는 사실주의 화풍은 1870년대에 들어와 새로운 전기를 맞이하게 되는데 이반 크람스코이의 주도로 결성된 이동파가 그것이다.
이동파 화가들 사이에서 중추적인 역할을 맡고 있던 크람스코이는 인물의 외면적인 모습만을 재현하는 초상화 기법과 아카데미즘 화풍의 구태의연한 기법에서 벗어나 러시아 민중들에게 역사적이고 종교적인 주제들을 선보였다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 19, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
Portrait of Sophia Kramskaya, the Artist's Daughter. 1882. by Ivan N. Kramskoy. oil on canvas. 118 X 70.1 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 19, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
초상화의 모델 소피아 이바노브나 크람스카야(Sophia Ivanovna Kramskaya 1866~1933)는 이반 크람스코이의 딸이자 러시아 화가였다. 그녀는 1916년에 사망한 상트 페테르부르크의 변호사 게오르그 준케르(George Junker)와 결혼했다. 그녀는 일리노이주 시카고에서 열린 1893년 세계 컬럼비아 박람회에서 작품을 전시했다. 소피아 크람스카야는 반혁명적 선전을 위해 시베리아에서 수년간 망명 생활을 했다. 크람스카야는 1933년에 사망했다.
Insulted Jewish Boy. 유대인 소년. 1874. by Ivan N. Kramskoy. oil on canvas. The Mikhailovsky Palace, Hall 19, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
크람스코이는 특이하게도 누군가 유대인 소년을 모욕한 장면을 그리고 있다. 소년은 상대방에게 뭔가 대꾸를 하지 않지만 그의 눈빛에 모든 것을 표현하고 있다. 사뭇 심각한 표정으로 상대방을 응시하는 눈빛 속에서
소년은 자신의 세계관을 만들어갈 것이다.
소년은 어쩌면 자신만의 세계에 침잠할지도 모른다. 소년은 말이 없고 자존심이 강할 것이다. 소년은 오랫동안 눈물을 참을 것이다. 나중에 한꺼번에 폭발할지도 모른다. 사람들의 편견이 소년의 인격의 상당 부분을 만들어간다. 그것을 어떻게 소화할지는 오로지 소년의 몫으로 남겨진다. 누군가를 모욕하고 모멸감을 안겨준다는 것은 그렇게 단순한 문제가 아니다. 멸시당한 소년은 벌써 그 나이에 인생의 쓰라림과 진실을 알아가고 있을 것이다.
Portrait of the Photographer Andrey Denier. 1883. by Ivan N. Kramskoy. oil on canvas. The Mikhailovsky Palace, Hall 19, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
초상화 모델 안드레이 이바노비치 데니어 (Andrey Ivanovich Denyer 1820~1892)는 러시아 인물 사진가이자 예술가였다. 그는 스위스에서 온 이민자 가정에서 태어났다. 안드레이 데니어는 제국 예술아카데미(Imperial Academy of Fine Arts)에 입학하여 칼 브률로프(Karl Bryullov)의 지도 아래 역사 회화를 공부했다. 그동안 그는 또한 새로운 사진 예술에 대한 관심을 키웠다.
1849년 그는 아카데미를 졸업했다. 2년 후 그는 이미 유리판을 사용하고 있었지만
자신의 작은 은판 사진(daguerreotype) 스튜디오를 열었다. 1854년에 안드레이 데니어는 넵스키 대로에 더 큰 스튜디오로 옮길 수 있었다. 그는 수채화 강화 사진을 실험하면서 경쟁에서 눈에 띄기 위해 "아티스트 스튜디오"라고 광고했으며 러시아에서 콜로디온 프로세스를 사용한 최초의 사진 작가 중 한 명이었다.
1860년에 안드레이 데니어는 "황제의 폐하 사진 작가"라는 칭호를 받았으며, 이를 통해 간판에 국가 상징을 붙일 수 있었다. 3년 후, 그는 더 큰 스튜디오로 옮겨 죽을 때까지 운영했다. 이 기간 동안 그는 수많은 국내 및 국제 전시회에 참여하기 시작했다. 1865년에는 사진 작가 소시에테 프랑세즈(Société française)의 회원으로 선출되었다. 이반 크람스코이(Ivan Kramskoi)와 미하일 툴리노프(Mikhail Tulinov)를 포함하여 나중에 유명해 질 몇몇 예술가와 사진가들이 그의 스튜디오에서 교정일을 했다.
안드레이 데니어는 1872년 폴리테크닉 전시회(Polytechnic Exhibition)에서 사진관을 조직하는 데 도움을 준 공로로 큰 금메달을 수상했다. 그는 1890년에 은퇴하고 같은 해 러시아 시민이 되었다. 그는 2년 후 72세의 나이로 사망하고 볼코보 공동 묘지에 안장되었다.
[영상] The Mikhailovsky Palace, Hall 19, Kramskoy. The State Russian Museum
The Mikhailovsky Palace, Hall 17, Orest A. Kiprensky. The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
오레스트 키프렌스키 (Orest Adamovich Kiprensky 1782~1836)는 낭만주의 시대 러시아의 주요 초상화가였다. 그의 가장 친숙한 작품은 아마도 알렉산더 푸쉬킨 (1827)의 초상화로 푸쉬킨은 "거울이 나를 아첨한다"고 언급하게 만들었다.
오레스트 키프렌스키는 아담 슈발베(Adam Shvalbe)의 농노로 태어났지만 출생하자마자 농노에서 풀려났고 양아들이 되었다. 나중에 그의 양아버지는 1788년 오레스트가 겨우 6살이었을 때 상트 페테르부르크에 있는 제국 예술아카데미(Imperial Academy of Arts)의 기숙학교에 입학하는 것을 도왔다.
키프렌스키는 1803년까지 기숙학교와 아카데미에서 공부했다. 그는 메이저 금메달을 획득하는 데 필요한 요건을 충족하기 위해 연금 수급자로 3년 더 아카데미에서 공부했다. 키프렌스키는 유럽에서 미술을 공부하기 위해 해외로 나갈 수 있었다.
졸업 1년 전인 1804년에 그는 그의 양아버지인 아담 슈발베의 초상화를 그렸고 이 작품으로 큰 성공을 거두었다. 그 초상화는 동시대 사람들에게 큰 감명을 주었다.
그 후 키프렌스키는 1809년 모스크바, 1811년 트베리(Tver),
1812년 상트 페테르부르그에서 살았다. 1816~1822년에는 로마와 나폴리에 살았다. 그는 이탈리아 지방의 어려운 가정의 소녀 안나 마리아를 데려와서 고용했다. 이탈리아를 떠날 때 그는 그녀를 로마 가톨릭 수녀원으로 보냈다.
그 후 이탈리아로 다시 돌아왔을 때 키프렌스키는 안나 마리아가 다른 수녀원으로 옮겨진 것을 알고 그녀를 찾아 1836년에 결국 그녀와 결혼했다. 그는 이 결혼을 위해 러시아 정교회에서 로마 가톨릭교로 개종해야 했다. 키프렌스키는 그해 말 로마에서 폐렴으로 사망했다. 그는 센트안드레아 델 프래트(Sant'Andrea delle Fratte) 교회에 묻혔다.
Portrait of Life Guard Colonel Evgraf Davydov, 1809. by Orest A. Kiprensky. oil on canvas. 162 x 116 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 17, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
작품의 모델 에브그라프 블라디미로비치 다비도프 (Evgraf Vladimirovich Davydov 1775~1823)는 모스크바 남쪽에 위치한 툴라 고버노레이트(Tula Governorate)의 러시아 귀족 가정에서 태어났다. 다비도프는 1791년 16세의 나이로 표트르 대제 통치 때 설립된 라이프 가드 기병연대 (Life Guard Horse Regiment)의 워치 마스터 (Wachtmeister)가 되었다.
1803년 4월 12일, 다비도프는 대령( polkovnik )으로 승진했으며 1805년 아우스터리츠(Austerlitz) 전투에 참여해 싸웠다. 2년 후, 나폴레옹의 러시아 침공으로 4차 연합전쟁 중,
다비도프는 거트시타트 데펜(Guttstadt-Deppen) 전투, 하일버그(Heislberg) 전투 및 프리드랜드(Friedland)의 전투에서 싸웠다. 훗날 라이프치히 전투에서 에브그라프 다비도프는 심한 부상을 입고 오른쪽 팔과 왼쪽 다리를 잃었다.
오레스트 키프렌스키(Orest A. Kiprensky)의 이 작품에서 다비도프는 세이버의 칼자루에 손을 대고 자랑스럽게 자유로운 자세로 서 있는 것으로 묘사된다. 용감하고 동시에 꿈꾸는 전사의 영성은 반 어둠의 낭만적인 분위기에 의해 강화되고 빛의 활공 지점이 스며든다. 밝고 우아한 색상 조합은 초상화를 화려하게 만든다. 이 모든 것이 에너지와 내면의 존엄성으로 가득 찬 이미지를 만든다.
Portrait of Ekaterina Avdulina, 1822~1823. by Orest A. Kiprensky. oil on canvas. 81 x 64.3 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 17, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이 초상화의 모델 예카테리나 세르게브나 아브둘리나 (Ekaterina Sergeevna Avdulina 1788~1832)는 전체 주의원의 딸이자 여러 명령을 보유한 라이프 가드 기병연대(Life Guards Cavalry Regiment) 야코블레바(Yakovleva) 소장의 아내였다.
이 초상화는 오레스트 키프렌스키(Orest A. Kiprensky)의 첫 번째 해외 유학 중 완성된 작품이다. 이 작품은 파리에서 만들어졌는데 루브르 박물관 모나리자의 영향을 받은 것으로 보이고
19세기 상반기 러시아 미술에서 가장 뛰어난 이미지 중 하나로 평가된다. 하지만 동시대 사람들은 세부 사항을 마무리하는 탁월한 기술에 주목했다.
얼굴, 목, 손의 아름답게 옮겨진 얇은 피부, 어깨에 걸친 목도리 패턴, 손의 목걸이와 팔찌, 그리고 손에 정맥이 보이는 등 표현력이 매우 풍부한 모습은 이 작품에서 무의식적으로 주의를 분산시킨다.
모델의 영혼이 가득한 외모, 섬세한 특징을 지닌 병든 얼굴, 창에 희미해지는 깨지기 쉬운 히아신스, 캔버스의 전체 예술적 구조의 정교함으로 인해 동시대 사람들은 그를 레오나드로 다 빈치(Leonardo da Vinci)의 작품과 비교할 수밖에 없었다. 몽환적인 슬픔이 가득한 이 초상화는 작가의 전성기를 상징한다. 이 초상화는 푸쉬킨(A.S. Pushkin)의 유명한 초상화와 함께 오레스트 키프렌스키의 예술을 대표하는 작품에 속한다.
Vorozheya with a candle, 1830. by Orest A. Kiprensky. oil on canvas. 64 x 51 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 17, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
오레스트 키프렌스키는 같은 해 "시빌 티부르틴(Sibyl Tiburtina)"의 그림을 위한 일종의 준비 스케치로 나폴리에서 이 그림을 그렸다. 키프렌스키는 그의 편지 중 하나에서 "불로 페인트와 조명을 잘 배우기 위해 에튜드 대신 촛불을 미리 사용했습니다." 라고 썼다. 또 다른 편지에서 그는 이 그림을 "촛불을 든 젊은 집시 여인"이라고 불렀다.
Young Gardener, 1817. by Orest A. Kiprensky. oil on canvas. 62 x 49.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 17, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이 초상화는 로마에서 그려져 상트 페테르부르크 엘리자베스 알렉세예브나(Elizabeth Alexeevna) 황후에게 보내졌다. "젊은 정원사(Young Gardener)"는 의심할 여지없이 옛 거장들의 작품의 영향을 받아 예술가의 태도 변화를 증언한다. 오레스트 키프렌스키 자신은 그가 첫 번째 영감을 받은 인물로 라파엘(Raphael)을 꼽았다. 그러나 이 그림에는 유럽의 낭만주의 작품에서 흔히 볼 수 있는 비밀스러운 개인적 경험과 감성에 접한 로맨틱한 분위기가 있다.
Portrait of Aleksey I. Korsakov, 1808. by Orest A. Kiprensky. oil on canvas. 64 x 55 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 17, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
초상화의 모델 알렉세이 이바노비치 코르사코프 (Aleksey Ivanovich Korsakov 1751~1821)는 러시아 군 포병의 관리자, 상원 의원을 역임했다. 그는 14세기부터 노브고로드(Novgorod)의 명문 귀족 출신이다.
코르사코프는 1780년대에 그림과 조각을 수집하기 시작했다. 대표적으로 레오나르도 다빈치의 그림 "꽃이 있는 마돈나"와 "영원한 아이를 가진 신의 어머니" 등은 그가 수집한 작품들이었고 상트 페테르부르크의 러시아 박물관, 에르미타주, 모스크바의 푸쉬킨 미술관 등등에 그의 컬렉션 그림이 전시되어 있다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 17, Orest A. Kiprensky. The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
Portrait of B. Thorvaldsen, 1833. by Orest A. Kiprensky. oil on canvas. 79.5 x 65 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 17, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
초상화의 모델 베르텔 토르발센 (Bertel Albert Thorvaldsen 1770~1844)은
덴마크의 조각가이자 국제적인 명성을 얻은 메달리스트로,
그의 생애 대부분을 이탈리아에서 보냈다. 토르발센은 코펜하겐에서 덴마크와 아이슬란드 노동계급 가정에서 태어났으며 11세에 덴마크 왕립 예술 아카데미에 합격했다. 나무 조각가였던 아버지와 시간제로 일하면서 토르발센은
아카데미에서 많은 영예와 메달을 받았다. 그는 로마를 여행하고 교육을 계속할 수 있는 급여를 받았다.
로마에서 토르발센은 조각가라는 이름을 부여 받았다. 도시에서 대규모 작업장을 유지하면서 그는 신고전주의 스타일로 일했다. 그의 후원자는 유럽 전역에 거주했다. 1838년 덴마크로 돌아온 토르발센은 국민적 영웅으로 대접받았다.
1820년대 초, 알렉산더 1세 황제의 흉상을 만든 조각가
토르발센은 러시아에서 큰 인기를 얻었다. 1830년대 초, 오레스트 키프렌스키 (Orest Adamovich Kiprensky)가 그의 초상화를 작업할 때 토르발센은 이미 유명한 학문적 고전주의 책임자이자 로마와 코펜하겐 아카데미 (Roman and Copenhagen Academy)의 회장이었다.
초상화는 이미 경험이 풍부한 화가의 손에 의해 실행되었다. 베르텔 토르발센의 얼굴은 아름답게 조각되고 날카로운 회전은
자연의 에너지를 강조하며 망토의 넓은 주름은 토르발센의 모습에 기념비적이다.
Portrait of Count Grigory G. Kushelev, 1827. by Orest A. Kiprensky. oil on canvas. 126 x 98 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 17, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
초상화의 모델 그리고리 쿠셀레브 (Grigory Grigorievich Kushelev 1754~1833) 백작은 러시아 정치 및 군사 지도자, 제독으로 폴 1세 (Paul I) 통치 기간 동안 그는 러시아 함대의 실제 지도력을 수행했다.
1799년에 그리고리 쿠셀레브는 백작으로 승격되었으며 폴 1세로부터 광범위한 토지를 하사 받았다. 45세 홀아비였던 쿠셀레브는 당시 러시아에서 가장 부유한 신부였던 16세의 류보프 일리니히나 베즈보로드코 (Ilyinichna Kusheleva Bezborodko 1783~1809) 백작과 1799년 두 번째 결혼 이후 재산이 급격히 증가했다.
1799년에 사망한 그녀의 삼촌인 베즈보로드코(A. A. Bezborodko) 왕자로부터 상속받은 몫의 동산 및 부동산은 자본을 제외하고 천만 루블 이상으로 추정되었다. 이 불평등한 결혼은 백작 자바도프스키(Zavadovsky)에 의해
마련되었고 신부는 기꺼이 결혼에 응했다고 한다.
폴 1세(Paul I)는 쿠셀레브의 결혼에 대해 극도로 불만족스러워서 그를 탐욕으로 의심했다. 황제에 대한 이러한 불만에도 불구하고 1800년 쿠셀레브는 물 통신 및 도로 부서의 수석 이사로 임명되었다. 쿠셀레프는 알렉산더 1세가 왕좌에 오른 직후 업무에서 제거된 몇 안 되는 사람 중 한 명이었다. 은퇴 후 그는 그의 아내가 아이들과 함께 살았던 상트 페테르부르크 에서 농업에 종사하던 프스코프 영지에서 살았지만 거의 방문하지 않았다.
Portrait of Alexei R. Tomilov, 1808. by Orest A. Kiprensky. oil on canvas. 68 x 55.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 17, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
수집가이자 예술 애호가인 알렉세이 토밀로프 (Alexei Romanovich Tomilov 1779~1848)의 진지한 26세 청년의 초상화는 세련되고 절제된 우아함으로 밝은 얼굴에 초점을 맞춘다. 포병 장교 출신인 알렉세이 토밀로프는 러시아와 서유럽의
회화 및 그래픽 작품을 대규모로 수집했다. 그는 장군이자 상원의원이었던 로만 토밀로프
(Roman Nikiforovich Tomilov 1741~1796 )의 아들로 태어났다.
1791년에 알렉세이 토밀로프는 아버지의 부관으로서 엔지니어 대장의 지위로 복무했다. 1799년에 그는 크론슈타트에서 농노 작업을 지휘했다. 그는 1808년에 병역을 떠났지만 1812년에는 대령으로 상트 페테르부르크 민병대에 합류했고 폴로츠크를 점령하는 동안 심각한 부상을 입었다. 전쟁이 끝날 무렵 그는 미술에 전념했고 그의 집은
예술가, 문학가 및 음악가들이 모이는 장소가 되었다. 그는 예술가 장려협회의 창립자이자 위원회의 영구 회원이 되었다.
알렉세이 토밀로프와 오레스트 키프렌스키의 오랜 우정은
작가가 수행한 초상화에서도 엿볼 수 있다. 처음에는 예술 애호가이자 수집가인 알렉세이 토밀로프, 나중에는 그의 딸 알렉산드라 토밀로바 (Alexandra Alekseevna Tomilova 1815~1878)의 초상화를 그렸다. 그런 다음 컬렉션은 20세기 초 러시아 박물관에 많은 전시회를 기증한 예브게니 쉬와르츠(Evgeny Grigorievich Schwartz)에 의해 상속되었다.
Dmitry Donskoy on the Kulikovo field, 1805. by Orest A. Kiprensky. oil on canvas. 118 x 167 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 17, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
1359년 이후 모스크바를 통치했다. 그는 칸 마마이(Khan Mamai)의 타타르(Tatar) 무리와 싸우기 위해 러시아 병사들을 연합했다. 1380년 9월 8일, 타타르 족은 쿨리코보(Kulikovo) 필드 전투에서 압도적인 패배를 겪었으며 드미트리 이바노비치는 '돈스코이(Donskoy)'라는 명예 별명을 받았다.
디미트리 왕자가 이끄는 10만 명의 병사들이 적을 만나기 위해 크렘린 성문을 떠났다. 그들은 쿨리코보(Kulikovo) 필드에서 영웅적으로 싸웠다. 왕자는 단순한 전사처럼 전투에 뛰어 들어 군대의 사기를 올렸다. 손실은 엄청났지만 전투에서 승리했다. 드미트리 돈스코이(Dmitry Donskoy)는 심각한 부상을 입었다.
이 작품은 "마마이(Mamai)를 제압한 후 남은 러시아 왕자와 다른 병사들이 마침내 숨을 거둘 뻔한 상황에서 그를 발견할 때 대공 드미트리 돈스코이를 소개하는 작업"을 위한 프로그램으로 실행되었다. 1805년 이 이 작품으로 오레스트 키프렌스키는 첫 번째 가치의 금메달을 받았다.
[영상] The Mikhailovsky Palace, Hall 17, Orest Kiprensky, The State Russian Museum
The Mikhailovsky Palace, Hall 18, Schwartz, Chistyakov, Jacobi. The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia
Grand Duchess Sophia Vitovtovna at the wedding of Grand Duke Vasily the Dark in 1433 tears off the belt from Prince Vasily the Slanting, 1861. by Pavel P. Chistyakov. oil on canvas . 147.5 x 201.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 18, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이 작품의 제목은 "1433년 장님 바실리의 결혼식에서 리투아니아의 소피아가 바실리 코소이의 눈물을 닦아준 허리띠는 바실리의 조부 드미트리 돈스코이 바실리의 조부의 것이었다." 이다.
소피아(Sophia Vitovtovna 1371~1453)는 리투아니아의 대왕 비타우타스(Vytautas)의 무남독녀로 러시아 드미트리 돈스코이(Dmitry Donskoy 1350~1389)의 아들 바실리 1세 (Vasily I Dmitrievich 1371~1425)와 결혼하였고 바실리 1세가 죽자 10세인 어린 아들 바실리 2세 (Vasily II Vasilievich 1415~1462)의
섭정으로 가장 오랫동안 봉사한 배우자였다. 바실리 2세는 전투 도중에 시력을 잃어 장님 바실리 2세라는 별칭으로 불리기도 했다.
이 작품은 이반 3세(Ivan III 1440~1505)의 아버지
바실리 2세의 비극적인 운명과 관련된 그림이다. 리투아니아 대공의 딸이자 모스크바 대공의 아내인 소피아와 드미트리 돈스코이의 아들인 바실리 1세는 강한 의지와 결단력 있는 성격으로 구별되었다. 1425년 남편이 사망한 후 아들 바실리 2세의 후견인이 된 그녀는 국정에 적극적으로 참여했다.
1433년 보롭스크의 마리아 야로슬라브나 (Maria Yaroslavna 1418~1484)와 바실리 2세의 결혼식이 모스크바에서 엄숙하게 거행되었다. 축하 행사의 실제 호스트는 신랑의 어머니인 소피아(Sophia Vitovtovna)였으며 그의 사촌인 바실리 코소이(Vasily Kosoy)와 드미트리 세미야카(Dmitry Shemyaka)는 가장 중요한 손님으로 초대받고 활동했다. 그들의 아버지인 유리(Yuri Dmitrievich 1374~1434)는
비록 신부의 삼촌이었지만 결혼식에 초대받지 못했다.
한편 모스크바에서는 축하 행사가 한창 진행되었다. 결혼식이 끝나고 결혼식 잔치가 시작되었다. 소피아는 이 결혼식에서 즈베니고로드(Zvenigorod)의 유리(Yuri Dmitrievich 1374~1434)
왕자가 보석 금 벨트를 착용하고 결혼식에 왔다고 통보 받았다. 모스크바 왕가에 속한 이 벨트는 한때 도난당했다.
잠시 후 소피아는 바실리 코소이에게 뛰어 올라 주변 사람들 앞에서 귀중한 벨트를 찢었다. 그로인해 모스크바와 즈베니고로드 왕자 가족 사이의 관계가 악화되었다. 유리(Yuri Dmitrievich)는 바실리 2세를 두 번 물리치고 모스크바를 두 번 점령했다. 그는 또한 1434년 6월 대공으로 그곳에서 죽었다. 그의 사촌 바실리 코소이(Vasily Kosoy)는 1436년 5월 체레카(Cherekha) 강에서의 전투에서 패배할 때까지 계속 싸웠다.
피비린내 나는 내전과 폭력으로 얼룩지는 동안 바실리 유리에비치(Vasily Yuryevich)는 1434년 바실리 2세의 명령으로 눈이 멀게 되었다. 바실리 코소이(Vasily the Kosoy)의 친척들은 1446년에 복수로 불타오르고 바실리 2세를 붙잡아 눈을 멀게했고, 이후 바실리 2세는 장님이 되었다.
그랜드 금메달을 위한 학술 프로그램으로 작성된 화가의 이 작품은 이미지의 심리적 발전으로 바뀌고 낭만주의 시대의 전통적인 병상에서 벗어나는 역사적 장르의 능력을 보여주었다.
파벨 치스차코프 (Pavel Petrovich Chistyakov 1832~1919)는
러시아 제국의 화가이자 미술 교사였다. 역사 및 장르 장면과 초상화로 유명하다. 그의 아버지는 부동산 관리자로 일했던 해방된 농노였다. 재정적인 부담에도 불구하고 그는 아들이 적절한 교육을 받아야 한다는 것을 알고 처음에는 크라스니 콜름(Krasny Kholm)의 교구 학교에서, 그 다음 베제츠크(Bezhetsk)의 중등 학교에서 공부하게 했다.
1849년 파벨 치스차코프는 제국 예술아카데미(Imperial Academy of Arts)에
입학하여 표트르 바신(Pyotr Basin 1793~1877)과
막심 보로비에프(Maxim Vorobiev 1787~1855)와 함께 공부했다. 1854년부터 1858년까지 파벨 치스차코프는 감옥에 있는 모스크바의 총 대주교 헤르모게네스(Hermogenes)를 묘사한 공로로 은메달 2개와 금메달 1개를 받았다.
1861년 그는 이 작품 "...아들 바실리 2세의 결혼식에서 리투아니아의 소피아 그림.."으로 또다른 금메달과 "예술가"라는 칭호와 유학비를 받을 수 있는 권리로 졸업했다. 유럽으로 떠나기 전에 그는 상트 페테르부르크에 있는 예비 학교에서 잠시 가르쳤다.
1862년에 그는 독일로 향한 후 파리와 로마를 오랫동안 방문했다. 1870년에 돌아온 그는 집으로 보낸 여러 작품으로 "학자"라는 칭호를 받았다. 시간이 지난 후 그는 주로 제국 예술장려협회에서 가르치는 데 전념했고, 그 다음에는 아카데미에서 직접 관찰과 과학 연구를 결합한 자신의 교수 방법을 개발했다. 그의 몇몇 작품은 대부분 역사적 성격을 띠고 있었기 때문에 단순히 사건을 표현하는 것이 아니라 심리적 깊이를 불어 넣으려고 했다.
그는 1872년에 아카데미의 부교수가 되었고
1892년에 개편된 후 학술위원회의 위원이 되었다. 1890년부터 1912년까지 그는 모자이크 부서장을 역임했으며 구세주 그리스도 대성당과 성 이삭 대성당 등에서 여러 모자이크 프로젝트를 감독했다.
화가 예고르 마이어(Yegor Meyer 1823~1867)의 딸인
그의 아내 베라(Vera)도 주목할만한 예술가였다. 그가 살았던 거리는 그의 이름을 따서 명명되었으며, 1987년 상트 페테르부르크 교외에 있는 그의 집은 박물관이 되었다.
Giovannina, Sitting on the Windowsill, 1864. by Pavel P. Chistyakov. oil on canvas. 147.5 x 201.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 23, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
파벨 치스차코프 (Pavel Petrovich Chistyakov 1832~1919)의 작품으로 열린 창문에서 보이는 파노라마 풍경을 배경으로 이탈리아에서 그린 이 초상화는 19세기 중반 예술적으로 뛰어나고 웅장하며 모델 해석에 있어 매우 혁신적이다. 비정상적으로 가로로 길쭉한 캔버스 형식을 선택해도 눈에 띄는 전체 주제와 환경, 작품은 또한 놀랍도록 미묘하고 서정적 분위기로 가득 차 있다.
Peter the Great Visiting the Marquise de Maintenon in 1717, 1887. by Konstantin N. Gorsky. oil on canvas. 70 х 92 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 18, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
"피터 1세가 1717년 마담 멘테논을 방문하다" 이 작품은 알렉산더 3세 황제의 명령에 따라 파리의 예술가가 그렸으며 1717년 두 번째 해외 여행 중 표트르 대제가 프랑스 수도에 머물렀던 일화 중 하나를 묘사한다. 도시의 명소를 방문하는 동안 표트르 대제는 루이 14세의 모그나틱(morganatic) 아내인 마담 멘테논(Marquise de Maintenon)이 설립한 유명한 여학교 "Françoise d' Aubigny"를 방문했다.
표트르 대제는 이 모범적인 교육 기관의 교실을 답사한 후, 존경심을 느꼈던 루이 14 세의 "위대한 세기"의 살아 있는 표상인 마담 멘테논을 만나 보기로 결정했다. 미지의 저돌적인 통치자와의 만남을 두려워한 멘테논은 아프다고 거절했다. 하지만 이런 상황에서도 실례를 무릅쓰고 표트르 대제는 허락없이 그녀의 방에 들어가 침대 옆의 커튼을 들어 올리고 병든 것 같은 여자를 바라 보았다.
콘스탄틴 니콜라예비치 고르스키(Konstantin Nikolayevich Gorsky 1854-1943)는 1876년부터 1881년까지 제국 예술아카데미 학생으로 은메달과 금메달을 받고 졸업했다. 1881~1886년에 그는 아카데미의 연금 수령자로 독일, 네덜란드, 벨기에, 이탈리아, 영국, 프랑스를 유학했다. 그후 스트로가노프(Stroganov) 예술 및 산업 대학 (1902~1943), 모스크바 고등기술학교 (1896~1917), 모스크바 토목공학연구소 (1930~1943)에서 가르쳤다.
Ivan the Terrible shows the treasures to the British Ambassador Horsey, 1875. by Alexander Litovchenko. oil on canvas. 153 x 236 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 18, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
알렉산더 리토브첸코 (Alexander Litovchenko 1835~1890)는 16세기와 17세기 러시아의 모스크바 대공국을 전문으로 묘사한 러시아 화가였다. 리토브첸코는 제국 예술아카데미(Imperial Academy of Arts)에서 공부했으며 다른 여러 젊은 화가들과 함께 아카데미에서
널리 퍼진 학업 정신에 도전했고 금메달을 받았다. 1863년 프리랜서 화가가 되었고 1876년 이동파의 전신인 러시아 현실주의
예술가 그룹 페레드비즈니키(Peredvizhniki) 운동에 합류했다.
이 작품 "영국 대사 제롬 호시에게 보물을 보여주는 이반 4세"는 상트 페테르부르크의 알렉산더 3세(Alexander III) 박물관을 위해 황제가 구매했으며 차르 알렉시스(Tsar Alexis)와 니콘(Nikon) 대주교, 필립 총 대주교 유물을 숭배하는 니콘(Nikon 1886)은 파벨 트레티야코프가 구입했다. 리토브첸코는 또한 모스크바의 구세주 그리스도 대성당에 있는 7개의 벽화와 세바스토폴의 크림 전쟁 기념관 아이콘 세트의 저자로 기억되고 있다.
Ice House, 1878. by Valery I. Jacobi. oil on canvas. 133.5 x 216 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 18, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
아이스 하우스(Ice House)는 1740년에 알렉세이 타티시체프(Alexey Danilovich Tatishchev 1697~1760)가 안나 이오안노브나(Anna Ioannovna) 황후를 위해 건축한 것이다. 안나 이오안노브나는 이반 5세의 딸이었다. 이반 5세는 유명한 표트르 대제의 형이었으나 정신적으로 불안정했기 때문에 공동 통치를 했고, 얼마 후 사망하면서 표트르 대제가 유일한 황제가 되었다. 표트르 대제도 아주 흥미진진한 황제이지만 현시점에서 문제는 표트르 대제의 왕위를 이어받을 유일한 손자가 일찍 세상을 떠나 이제 후계자는 공주들만 남았다는 것이었다.
오래도록 통치했던 표트르 대제의 딸들이 왕위에 오르느냐, 어찌되었든 형인 이반 5세의 딸들에게 왕위가 넘어가느냐의 문제 속에서 허수아비 왕을 올려놓고 권력을 탐하고자 했던 최고 추밀원 위원들은 평생 조신하고 정숙한 아내가 될 교육만을 받은
안나 이오안노브나를 왕위에 올리기로 계략을 짰다.
안나는 본인의 권력을 제한한다는 추대 조건에 서명하면서 왕위에 올랐지만 사실 그녀는 추밀원이 생각한 대로 얌전한 여자가 아니었다. 안나는 황제가 되자마자 주변 신하들의 지지로 최고 추밀원을 해체해 버리고는 비밀경찰 역을 하는 친위대를 만들어 정적을 숙청해 나갔다.
이제 권력을 잡았으니 성군이 되었다면 좋았겠지만,
권력의 맛에 취한 안나는 괴상한 놀이에서 즐거움을 찾기 시작했다. 아무 이유 없이 새벽에 소방 종을 울려 사람들이 허둥지둥하는 모습을
구경하기도 하고 귀족들에게 입으로 토끼에게 먹이를 주라고
시키거나 바닥을 기어 다니라고 명령하기도 했다.
안나가 행한 가장 유명하고 괴상한 일은 ‘얼음 궁전의 결혼식’이었다. 나이가 많았던 골리친 공작은 동방정교회가 아닌 가톨릭 신자인
이탈리아 여자와 결혼을 했는데, 안나는 자신의 허락을
받지 않은 이 결혼을 두고 배반이라고 생각했다. 새 신부가 얼마 지나지 않아 죽자 안나는 이 기회를 틈타 복수를 하기로 했다.
안나는 나이 든 공작의 지위를 어릿광대로 바꾼 후 가장 못생긴 하녀와
재혼하라며 첫날밤을 보낼 멋진(?) 궁전을 지어주었다. 궁전은 높이만 20ｍ에 달하였으며 궁전을 비롯해 안의 인테리어까지 모두 얼음으로 만들어졌었다고 한다. 벽과 기둥뿐만 아니라 나무, 종달새, 의자, 침대, 심지어 벽난로와 그 안의 불까지도 대단한 정성을 들여 얼음으로 만들었다.
만족한 안나는 골리친 공작과 새 신부를 광대로 분장시키고
코끼리에 태운 뒤 서커스 동물들과 행진을 시킨 후
얼음 궁전 안에서 발가벗고 하룻밤을 보내라고 명령하였다. 러시아의 매서운 겨울에 발가벗고 얼음 위에서 자야 하다니, 죽으라는 소리나 마찬가지였지만 새 신부는 결혼 선물로 받은 진주 목걸이를 문지기의 낡은 코트와 맞바꾸는 기지를 발휘했고, 덕분에 부부는 살아남을 수 있었다.
이 힘겹고 추운 밤을 함께 보낸 덕분인지 안나가 1년 뒤에 사망한 뒤에도 공작과 새 신부는 쌍둥이도 낳고 알콩달콩 오순도순 잘 살았다고 한다. 왕위에 오른 지 고작 10년이 된 황제, 안나에게 죽음이 다가오고 있을 때 그녀는 후계자 걱정을 하고 있었다.
아버지의 후손에게 권력을 주고 싶으나 자식이 없었던 안나는
왕위를 조카의 아들에게 넘겨주기로 한다. 문제는 그 아들이 아직 태어난 지 백일도 되지 않은 아기라는 것이었다. 안나는 갓난쟁이를 왕위에 올려놓고 세상을 떠났고, 얼굴도 기억나지 않을 이모할머니의 잘못된 결정에 황제가 된 아기, 이반 6세는 얼마 지나지 않아 왕위에서 쫓겨나 평생 감금된 채로 살다가 고작 23살의 나이에 사망하게 된다.
결국 얼음 궁전에 가둬 사람을 얼려 죽이려던 계획도, 아버지의 후손을 왕위에 남기려던 계획도 실패한 안나는 러시아를 쥐락펴락했음에도 불구하고 괴상한 짓을 즐기던 이상한 황제로만 이름을 남기고야 말았다.
발레리 자코비 (Valery Ivanovich Jacobi 1834~1902)는 러시아 화가, 교수, 학자, 제국 예술아카데미 학술위원회 위원, 여행 미술전시회 창립자이다. 그는 임페리얼 카잔대학교에 학생으로 입학했지만 그곳에서 과정을 마치지 못했다. 크림 반도 캠페인에 참여하기 위해 카잔 지방에 민병대가 형성되었을 때 자코비는 자원하여 전쟁터로 갔지만 그곳에서 분리와 함께 전쟁이 중단되었다.
그런 다음 자코비는 학교에서도 느꼈던 사랑을 그림에 전념하기로 결심하고 1856년 상트 페테르부르크에 도착하여 제국 예술 아카데미 수업에 참석하기 시작했다. 1859년에 큰 은메달, 861년 작은 금메달과 큰 금메달을 받고 해외 유학을 나갔다. 처음 독일을 방문한 자코비는 스위스를 여행하고 파리, 나폴리, 로마에서 살았다. 자코비는 1869년 상트 페테르부르크로 돌아왔고 1년 후 그린 "비론 공작의 체포"로 제국 예술 아카데미 교수직으로 승진했으며 1870년에 학술위원회의 일원이 되었다.
1878년 그는 파리에서 6개월 동안 지역 세계 전시회에서
러시아 미술 부서의 위원으로, 러시아에서 온 국제 심사 위원으로 일했다. 1883년에 그는 아카데미위원회의 일원으로 남아 있으면서 그 수업에서 교수로 임명되었다. 자코비는 1891년에 아카데미의 급격한 변화의 결과로 이 두 직책에서 해고되었고, 그의 생애의 마지막 몇 년을 주로 알제리와 프랑스 남부, 상트 페테르부르크에서 보냈다.
자코비는 똑똑한 사람이었고 의심할 여지없이 재능이 있었지만 너무 빨리 예술 학교를 통과한 것이 그의 작품에 불리하게 반영되었다. 자코비는 나중에 유명한 작가가 된 알렉산드라 니콜라예브나 (Alexandra Nikolaevna Yakobi)와 결혼했다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 18, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
The Donkey Walk of tsar Alexis, 1865. by Vyacheslav G. Schwarz. oil on canvas. The Mikhailovsky Palace, Hall 18, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
당나귀 산책은 1561년부터 1655년까지 모스크바 크렘린에서 시작되어
현재의 성 바실리 대성당인 트리니티 대성당에서 끝났지만
1656년 니콘 총 대주교는 행렬 순서를 뒤집었다. 예수 그리스도로 성육신하신 하나님의 계시를 기념하는 축제일인 주현절(Epiphany)은 당나귀 산책과 동방 정교회의 종교 의식에서 자주 사용되는
성수에 대한 황제의 존중을 강조하는 의식이었다. 이 의식은 1678년까지 여러 도시에서 시행되었다가 표트르 1세( Peter I)에 의해 폐지되었다. 이 당나귀 산책은 2000년대에 가끔 재현되었다.
러시아 역사 및 장르 화가였다. 그는 현재의 아제르바이젠 지역인 자카탈리(Zakatali) 자치구에서 태어나 어린 시절을 보냈다. 그의 아버지는 중장이었고 1846년 그는어머니와 함께 모스크바로 이주하여 모스크바 드로잉 학교에서 첫 번째 미술 수업을 받았다. 이듬해에 그는 러시아의 귀족 군사학교인 페이지 군단에 입학 허가를 받았지만 그의 어머니는 그가 군 경력을 갖기를 원하지 않았기 때문에 복무하지 않았다. 그는 1851년에 상트 페테르부르크로 옮겨졌고 이듬해
알렉산더 리시움(Alexander Lyceum)에 등록했다. 쉬와르츠는 또한 재능이 있는 언어 학자였으며 열 살 때까지 프랑스어, 독일어 및 영어에 대한 실무 지식을 습득했다. 리시움에 있는 동안 그의 그림은 미술 교수진의 관심을 끌었다.
쉬와르츠는 미술을 공부하기 위해 제국 예술아카데미(Imperial Academy of Arts) 수업에 참석하고 고대 러시아 역사화에 전념했다. 1861년 그는 주로 베를린에서 6개월을 유학하면서 기술을 연마했다 .
쉬와르츠는 1863년에 또 다른 여행을 시작하여 파리에서 많은 스케치를 그렸다. 그는 이탈리아를 방문 할 계획을 포기하고 1864년 러시아로 돌아와 랴잔에서 살다가
이 작품 “알렉시스 차르 시대의 종려 주일(The Donkey Walk of tsar Alexis)”을 발표했고 이로인해 학자로 지명되었다.
1867년 초, 쉬와르츠는 아카데미를 대표하여 파리로 세 번째 해외 여행을 하고 국제 박람회에서 러시아 전시회를 준비하여 여러 메달을 획득했다. 여행 중 복통을 앓던 그는 의사를 만나 애디슨병 진단을 받았다. 1868년 중반에 쉬와르츠는 일을 계속하기가 어렵다는 것을 알게 되었다. 그의 마지막 완성 작품 중 일부는 아카데미에서 명예 회원 자격을 얻었다.
그해 말에 약간의 호전을 느꼈던 쉬와르츠는 시골의 공기와 평화로운 분위기가 그의 회복에 도움이되기를 바라며 아버지와 함께 살기 위해 쿠르스크로 돌아왔다. 하지만 오히려 건강이 악화되어 1869년 3월에 사망했다. 쉬와르츠는 인근 화이트 웰 마을에 있는 아버지의 영지에 묻혔다.
[영상] The Mikhailovsky Palace, Hall 18, The State Russian Museum
The Mikhailovsky Palace, Hall 16, Shchedin. The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
A View of Sorrento near Naples with Tasso's House, 1825. by Sylvester F. Shchedrin. oil on canvas.
91 х 129 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 16, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
실베스터 쉬드린 (Sylvester Feodosiyevich Shchedrin 1791~1830)은 러시아의 풍경화가였다. 실베스터 쉬드린은 상트 페테르부르크에서 유명한 조각가 페오도시 쉬드린(Feodosiy Shchedrin) 제국 예술아카데미(Imperial Academy of Arts) 총장의 가정에서 태어났다. 풍경화가 세미온 쉬드린(Semion Shchedrin)은 그의 삼촌이었다.
1800년 실베스터 쉬드린은 상트 페테르부르크의
제국 예술아카데미에 입학하여 풍경화를 공부했다. 그의 교사 중에는 삼촌인 세미온 쉬드린, 표도르 알렉세예브(Fyodor Alekseyev), 이바노프(M. M Ivanov) 및 토마스 토몬(Thomas de Thomon)이 있었다. 1811년 그는 랜드 금메달을 포함, 여러 상을 수상하여 해외 유학을 위한 장학금을 받았다.
실베스터 쉬드린은 1818년 이탈리아로 떠났고 나폴레옹 전쟁으로 귀국이 연기되었다. 이탈리아에서 그는 로마에서 옛 거장들을 공부했다. 그는 러시아의 미하일파블로비치 대공이 주문한 수채화를 그리기 위해 나폴리로 갔다. 그 후 로마로 돌아왔다.
그는 각각 약간 다른 각도와 다른 세부 사항으로 그림의 8~10 가지 변형을 그렸다. 연금이 1823년에 끝났지만 그는 프리랜서 화가로 해외에 머물기로 했다. 1825년 실베스터 쉬드린은 알바노 호수의 작업을 마쳤다. 그것은 그의 자연스러운 구성으로의 움직임의 새로운 단계였다. 이 그림에서 그는 주제와 배경 사이의 경계를 완화하고 형식적인 색상 사용에서 이동했다.
실베스터 쉬드린은 많은 의뢰를 받았으며 이탈리아에서 유명한 예술가로 성장했다. 그는 로마와 나폴리에서 살았고, 공중에서 일하며 만과 절벽을 그리고 작은 마을과 어부 마을의 전망을 그렸다. 그가 가장 좋아하는 모티프 중 하나는 바다가 보이는 덩굴의 테라스였다. "Midday Paradis"의 이미지라고 한다.
1820년대 말, 실베스터 쉬드린은 불안하고 거의 악몽같은 야행성 풍경을
그리기 시작했는데, 이는 점차 건강이 감소하는 데서 영감을 받았을 것이다. 그는 1830년 소렌토에서 세상을 떠났다. 어떤 의미에서 쉬드린의 작품은 러시아 미술의 발전을 마무리하고 새로운 시대를 시작했다.
쉬드린은 러시아 예술뿐만 아니라 이탈리아 예술에도 영향을 미쳤다. 그는 소위 포실리포(Posillipo) 학교의 창립자 중 한 명이었다. 일부는 러시아로 반환하는 동안 그의 작품 대부분은 이탈리아 박물관에 있다. 중요한 예술적 관찰로 가득찬 쉬드린의 편지는 1932년에 책 (Shchedrin Letters from Italy )으로 출판되었고 1978년에 재인쇄되었다.
소렌토(Sorrento)는 캄파니아 지역의 나폴리 만 남쪽 해안에 위치한 이탈리아의 작은 마을이다. 쉬드린은 1825년부터 소렌토에서 정기적으로 거주하고 일하며 주변의 많은 풍경을 그렸다.
A View from Petrovsky Island in St Petersburg, 1816. by Sylvester F. Shchedrin. oil on canvas. 68 х 95,5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 16, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
특히 이탈리아 풍경화로 유명한 실베스터 쉬드린은 그의 초기 작품에서 상트 페테르부르크를 묘사했다. 이러한 풍경에 묘사된 자연의 특성은 전통적인 색상과 선명한 레이아웃 분리가 있는 고전적인 구성이다. 그림의 왼쪽에는 즈다노브카(Zhdanovka) 강 위의 나무 다리, 제 2생도 군단 본관 현관 및 블라디미르 스키(Vladimirsky) 대성당의 종탑이 있다. 또한 투치코브(Tuchkov) 다리를 가로 지르는 요새화된 은행을 관찰할 수 있으며 오른쪽에는 구 대마창고가 있으며 그 너머에는 구 증권거래소 건물과 겨울궁전 지붕이 있다.
Naples on a Moonlit Night. Via Partenope and the Castel dell'Ovo, 1829.
by Sylvester F. Shchedrin. oil on canvas. 62 х 87.5 cm.
The Mikhailovsky Palace, Hall 16, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
서쪽에서 동쪽으로 나폴리 제방의 전망이 제공된다. 중앙에는 왕립 정원에서 산타 루치아(Santa Lucia)의 산책로로 가는 통로가 있는 거리이다. 위로는 피조 팔콘(Pizzofalcone) 언덕과 산 프란시스코 디 파올라(San Francesco di Paola) 교회의 돔에 있는 주택, 오른쪽은 캐스텔로 델 오보(Castello del Ovo)이다.
실베스터 쉬드린은 그의 생애 말년에 밤 풍경을 많이 그렸다. 대부분은 작은 작품으로 특별한 서정주의 작가가
부드러운 달빛을 전달해 익숙한 풍경을 변형시킨다. 그러나 그의 생애가 끝날 무렵 극적인 시작은 그의 작업에서 더욱 강해진다.
그의 초기 작품에서 거의 고전적인 인식의 명확성에서, 쉬드린은 존재에 대한 보다 극적인 인식으로 이동한다. 이 그림 "달밤의 나폴리"에서 실베스터 쉬드린은
달의 차가운 빛과 불타는 불의 불꽃을 결합한다. 동시에 그는 도시의 밤 생활 특유의 불안과 긴장감의 전체적인 분위기를 전달하여 뚜렷하게 로맨틱한 분위기가 물씬 풍기는 작품을 만든다.
View of Ariccia, 1836. by Mikhail I. Lebedev. oil on canvas. 54 х 44 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 16, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
로마 근처에 있는 아리치아(Ariccia)의 풍경화이다. 이 그림은 러시아 낭만주의의 가장 잘 알려진 작품 중 하나다. 19세기에 아리치아를 방문한 것은 러시아와 이후 미국의 많은 귀족들이 소위 "그랜드 투어"의 일부였다. 당시 남부 유럽을 통해 많은 화가들도 이 마을을 방문했는데 1835년 경에는 주민이 1000명도 되지 않았다.
미하일 이바노비치 레베데프(Mikhail Ivanovich Lebedev 1811~1837)는
러시아 화가로 주로 낭만적인 스타일로 풍경을 그렸다. 1829년 그는 상트 페테르부르크의 제국 예술 아카데미에 입학하여
막심 보로뵈프 지도 아래 풍경화를 공부했다. 1832년에 그는 아카데미에서 두 개의 은메달을, 1833년에는 그레이트 골드 메달을 받았다. 1834년 그는 장학금으로 이탈리아를 여행할 수 있었고, 그곳에서 칼 브률로프(Karl Bryullov)를 포함한 러시아 예술가들의 모임에 합류했다. 그는 로마 주변 지역, 특히 알바로 라지에일(Albano Laziale)과 같은 주변 마을에서 그림을 그렸다.
레베데프는 26세의 나이로 사망하기 2년 전인 1835년
러시아 예술 아카데미의 장학금을 받고 이 마을을 방문했다. 안개가 자욱한 회색과 황량한 풍경에 익숙한 북부인에게 이탈리아의 무성한 자연, 아름다운 건축물 및 밝고 밝은 색의 옷을 입은 평범한 사람들은 완전히 새로운 세계였다. 레베데프는 분명히 그것에 지치지 않았다. 여기에서 논의된 작업은 그가 동일한 뷰로 만든 거의 동일한 버전 중 첫 번째이다. 현장에서 이루어진 일부 이전 연구도 알려져 있다.
그는 1837년 콜레라로 26세의 나이로 나폴리에서 사망했다. 그의 짧은 경력과 작은 일에도 불구하고 레베데프는 러시아 낭만주의의 가장 중요한 화가 중 한 사람으로 간주된다. 그는 주로 풍경을 그렸고, 명암 대비를 많이 사용하고
다채로운 세부 사항에 눈에 띄는 주의를 기울였다. 이것은 1836년 로마 근처의 그의 가장 유명한 작품인
아리치아의 풍경화에서 두드러지게 표현된다. 칼 브률로프는 그가 유럽에서 가장 위대한 풍경화가 중 한 사람이 될 것이라고 예측했다. 그러나 그의 조기 사망으로 인해 그의 재능이 더 발전는 것을 보지 못했다.
A View in the Pavlovsk Park, 1845. by Voloskov A. oil on canvas. 89,5 х 125,5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 16, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
파블로프스키 공원은 상트 페테르부르크 인근에서 가장 아름다운 공원 중 하나이다. 이 그림은 슬라뱐카( Slavyanka) 강과 마리엔탈(Marientahl) 공원의 측면에서 바라본 왕궁의 모습을 담고 있다. 오른쪽 언덕 위의 나무들 사이에는 파브로브(Pavlovsk) 기지로 가는 오벨리스크가 있다.
파블로프스크 궁전 (Pavlovsky palace)은 캐서린 2세가 아들이자 상속인인 폴 1세(Paul I )와 그의 아내 마리아 페오도로프나(Maria Feodorovna)를 위해서 건축한 것이다. 후에 폴 1세가 죽은 후 이곳은 그의 미망인 마리아 페오로로프나의 집이 되었다. 궁전과 그것을 둘러싼 큰 영국식 정원은 이제 러시아 주립 박물관이자 공공 공원이다.
알렉세이 볼로스코프 (Alexey Yakovlevich Voloskov 1822~1882)는 러시아의 풍경화가였다. 그는 상인 가족에게서 태어났다. 그의 삼촌 테렌티 볼로스코프 (Terentiy Voloskov 1729~1806)는 교회 달력의 날짜를 계산한 초기 천문 시계의 발명가였다.
그는 어린 시절의 질병 (아마도 소아마비 )으로 인해 목발의 도움 없이는 걸을 수 없었다. 알렉세이 볼로스코프는 제국 예술아카데미에 입학해서 공부했다. 1843년에 그는 은메달을 수상하고 1845년에 "자유 예술가"라는 칭호를 받았다. 알렉세이 볼로스코프는 1851년 아카데미 회원이 되었고 그곳에서 어려움을 겪고 있는 젊은 예술가들을 돕기 위해 자신의 지위를 활용했다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 16, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
A View of Amalfi near Naples, 1829~1830. by Sylvester F. Shchedrin. oil on canvas. 94,5 х 135 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 16, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
크기와 구성면에서 이 그림은 "나폴리 근처의 소렌토 전망" 풍경과 한 쌍으로 생각된다. 이 그림이 1829년 초 엘레나 파블로브나 대공비가 의뢰한 풍경의 일부였다. 이 작품은 쉬드린이 아마도 1829~1830년에 그린 것으로 추정된다.
아말피(Amalfi)는 이탈리아 살레르노 지방의 소렌토 남쪽 살레르노 만에 있는 해변 마을로, 대주교이자 중세 해양 공화국의 수도이다. 콘스탄틴 대왕이 4 세기에 설립했다.
2019. 08. 22. 인증샷
New Rome. Sant'Angelo castel, 1823. by Sylvester F. Shchedrin. oil on canvas. 47 х 60 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 16, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
티버(Tiber) 강의 오른쪽 둑에 위치한 로마의 성 천사의 성은 기본적으로 로마 황제의 무덤이다. 시간이 지남에 따라 재건되었고 중세에는 요새로 사용된 후 감옥으로 사용되었다. 전설에 따르면 위층에는 전염병이 유행하는 동안 이곳에 그레고리 교황에게 나타난 미카엘 대천사의 동상이 있다. 고대에 지어진 산탄젤로 다리라고 불리는 다리가 성으로 이어진다. 쉬드린의 그림에서 성 천사의 다리는 제방에서 티버 강의 왼쪽 둑에서 묘사된다. 멀리서 성 베드로 대성당과 바티칸 궁전을 볼 수 있다.
Mergellina Waterfront in Naples, 1827. by Sylvester F. Shchedrin. oil on canvas. 65 х 88 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 16, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이 풍경화는 실베스터 쉬드린의 가장 완전하고 사려 깊은 작품 중 하나이다. 왼쪽에 있는 캔버스의 역동적인 부분은 일상적인 추구에 빠져 있는 나폴리 서민들의 측면, 휴식, 시끄러운 군중과 함께 활기찬 분위기를 자아낸다. 휴가 중인 어부들과 딸의 머리카락을 만지는 여성 등. 그러나 이 군중에서 제방, 질서 및 구성 균형을 따라 흩어져 있다.
실베스터 쉬드린은 회화적 질량과 색상의 특별한 분포로 그것을 달성했다. 도로의 시작 부분에는 나무 십자가가 있다. 오른쪽 수평선에는 물 위의 곶에 성모님에게 헌정된 나자로 교회가 있다. 왼쪽 가장자리에는 바위가 많은 카프리 섬의 특징적인 실루엣이 있다.
Terrace on the Sea Shore. Capuccini near Sorrento, 1827. by Sylvester F. Shchedrin. oil on canvas. 47.5 х 60 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 16, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
실베스터 쉬드린는 나무의 녹지에 의해 형성되고 빛과 공기가 스며드는 '풍경 인테리어'의 모티브를 그림에 사용했다. 쉬드린은 특히 그림같은 나폴리의 가난한 사람들을 그리기를 좋아했다. 그들은 "항구"와 "테라스"의 자연 거주자였으며 그림에 낭만주의자들이 그토록 소중하게 여기는 생생한 편안함과 "현지 풍미"를 부여했다. 쉬드린은 또한 승려와 가톨릭 사제를 묘사했다.
특징적인 건축물이 있는 테라스의 위치는 19세기의 알려지지 않은 아마추어 예술가가 그린 그림 덕분에 확립되었다. 그중에는 소렌토 근처의 카푸치니 마을을 묘사한 비문이 새겨진 이 테라스의 스케치가 있었다. 쉬드린의 유산에는 "Verandah"또는 "Terrace"라는 이름을 가진 여러 그림이 있다. 구성적으로는 그림이 서로 가까워서 큰 성공을 거두었고 작가는 계속해서 그림을 그려 달라는 요청을 받았다.
View of Naples. Santa Lucia Waterfront, 1829. by Sylvester F. Shchedrin. oil on canvas. 92.5 х 134 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 16, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
실베스터 쉬드린은 캔버스에 산타 루치아(Santa Lucia)의 나폴리 산책로를 묘사했고, 노래와 시로 찬미를 받았으며, 이곳은 산책하기에 가장 좋은 장소였다. 쉬드린은 산타 루치아의 산책로에서 몇 년 동안 살았는데 "나폴리 전체에서 최고의 장소"라고 불렀다.
이 작품의 운명은 러시아의 역사와 뗄래야 뗄 수 없는 관계이다. 이 작품은 1829년 실베스터 쉬드린이 그리기 시작했다. 불행히도 그림은 위대한 작가 막심 고리키 (Maxim Gorky 1868~1936)가
나중에 살았던 소렌토에서 39세의 작가 실베스터 쉬드린의
죽음으로 인해 미완성 상태로 남아 있었다. 쉬드린이 죽은 후 이 그림은 그의 상속인에게 기증되었다.
1917년 10월 혁명 이전에 이 그림은 개인 컬렉션에 있었다. 1918년에 수용되어 슈발로프 궁전 박물관에 전시되고 1928년까지 남아 있었다. 1928년부터 1940년까지 이 그림은 러시아 국립 박물관에 소장되었다. 1940년에 그림 "나폴리의 전망"은 여행 전시회의 일환으로 크리미아의 알루프카 궁전 박물관에 임시 보관 및 전시를 위해 러시아 박물관에서 이전되었다.
파시스트 군대가 크림 반도를 점령하는 동안 다른 전시품과 함께 이 그림은 박물관의 전시관에서 사라졌고 시청자에게 영원히 잃어버린 것으로 간주되었다. 1957년 감사 기간 동안 러시아 문화부는 쉬드린의 이 그림을 러시아 국립 박물관의 재고 목록에서 제외하라는 명령을 내렸다.
그러나 기적이 일어났다. 1978년에 이 그림은 얄타에서 발견되었지만 심하게 훼손된 상태에 있었다. 동시에 이 작품은 러시아 제국 마지막 황제의 크림 거주지인 리바디아 요양소로 옮겨졌다. 1980년에 그림 "나폴리의 전망"은 마침내 키예프에 있는 우크라이나 문화부의 국가 연구 워크숍으로 이전되었다. 그곳에서 수많은 시련을 겪은 후 철저하게 복원되고 보존되었다.
[영상] Shchedin. Hall 16 in State Russian Museum, St. Petersburg, Russia
TAppearance of Christ to the People, 1857. by Alexander A. Ivanov. oil on canvas. The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
알렉산더 안드레예비치 이바노프 (Alexander Andreyevich Ivanov 1806~1858)의 작품 <민중 앞에 나타난 예수 그리스도> 모본과 습작들.
알렉산더 이바노프는 상트페테르부르크에서 태어나 미술 아카데미 교수였던
아버지 안드레이 이바노프(Andrey Ivanov)에게 어릴 때부터 그림을 배웠다. 그는 1830년 이탈리아에 유학한 뒤 생애 대부분을 그곳에서 보면서 종교화 특히 성서를 주제로 하여 예수의 인간성을 표현한 작품을 많이 남겼다.
데카브리스트 반란이 있은 후 알렉산더 이바노프는 사회의 모순에 더욱 회의를 느꼈고, 제정 하의 권력자들과 타협하려 하지 않으려 했기에 그가 평생에 가진 삶의 무게는 힘겹기만 하였다.
그의 그림 중 20년에 걸쳐 완성한 작품이 바로 <민중 앞에 나타난 예수 그리스도>이다. 그림의 주제는 성경 요한복음 1장을 나타내고 있다. 이바노프가 이탈리아에서 20년 동안(1837~1857) 정성을 들여 그린 작품이다.
그 당시 이바노프에게는 고민이 있었다. 어떻게 하면 인류가 고뇌와 부정으로부터 구원을 받을 것인가? 예수의 모습과 허망함과 슬픔 또 종교적 감정이 이바노프를 강하게 흔들었다. 그리하여 '구원'이라는 모든 사람들의 꿈을 큰 그림으로 나타내고자 그는 작업을 시작한다.
그런 의미에서 <민중 앞에 나타난 예수 그리스도>가 그의 일생의 대표작이 된 것은 많은 것을 시사한다. 러시아에서 19세기 예수 그리스도를 주제로 한 그림에 대해 이야기할 때 가장 먼저 거론되는 것이 알렉산드르 이바노프의 <민중 앞에 나타난 예수 그리스도>이다.
이 작품은 러시아 회화사에서 수도 없이 거론되는 최고의 갈작 가운데 하나일 뿐 아니라, 19세기 러시아 회화 특유의 '인자로서의 예수상'의 선구적인 모범이 되는 작품이다. 이 대작 앞에 서면 누구든 예수와 역사의 현장에서 만나는 듯한 생생한 경험을 하게 된다.
1858년 이바노프는 상트페테르부르크로 돌아온다. 하지만 그의 작품은 많은 사람들에게 좋은 평을 얻지 못했다. 6주 후 결국 52세의 나이로 이바노프는 죽음을 맞이했다. 당시 장례식에 많은 예술인과 문화인이 참석했는데, 그 중 이동파 화가 크람스코이도 있었다고 한다.
The Appearance of Christ to the People, 1836~1855. by Alexander A. Ivanov. oil on canvas. 172 x 247 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이바노프의 대작 <민중 앞에 나타난 예수 그리스도>는 상트 페테르부르크에서
팔리지 않았기 때문에, 결국 모스크바에서 일반 경매로 붙여진다. 그 당시 트레티야코프는 러시아 미술의 훌륭한 작품을 모아서 미술관을 설립하려는 꿈이 있었다. 그리하여 트레티야코프가 이바노프의 대작을 구입한다.
이 작품의 원본은 540 x 750 cm나 되는 방대한 크기의 대작으로 모스크바 트레티야코프 미술관(Tretyakov Gallery)에 전시되어 있다. 예수님을 가리키며 성령으로 세례해 주실 분임을 알리는 세례자 요한의 외침에 가난한 이들과 녹색 얼굴의 노예는 반색하며 돌아보고 있고 오른쪽의 흰 터번을 두른 바리사이파 사람들은 탐탁하지 않은 표정으로 수군거리고 있다. 사람들에게 다가오고 계시는 예수님을 감싼 주위의 공기는 긴장감으로 가득 차 있다.
이 작품은 수많은 습작을 남기며 20년 만에 완성된 그림이다. 화가는 화면에 배치된 인물 하나하나에
저마다의 역할을 부여하기 위해 수많은 에튀드(습작)들을 거쳤다. 습작의 수에 대해서는 다양한 설이 있다. 심지어 전시실에 비치된 한 장짜리 해설문만 해도
영어판에는 800개, 노어판에는 300개로 나와 있다.
또 배경 표현을 위해 이탈리아의 풍경을 꼼꼼히 관찰하고 묘사하는 수고를 아끼지 않았다. 그때까지 러시아 미술사에서 시간과 에너지 투자 면에서
전례를 찾기 어려운 엄청난 역작이요 대작인 것이다. 이 모든 결과물 가운데 일부가 트레티야코프 미술관과
러시아 미술관에 나뉘어 전시되고 있다.
이들 그림에서 우리는 햇빛과 미묘한 대기의 흐름 등,
아직 프랑스 인상파가 대두되기 전인데도 야외 공간에 대한 현대적이고 감각적인 관찰과 표현을 볼 수 있다. 이바노프가 감각적으로도 시대를 앞서가는 화가였음을 알 수 있다.
Figure of Christ (Generated), 1833-1857. by Alexander A. Ivanov. oil on canvas. 62 x 44.7 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
알렉산더 이바노프가 "메시아의 모습"을 그린 스케치는 특별한 예술적 세계이다. 수백 개의 스케치는 각각 독립적이고 내부적으로 완벽하며 완전한 작업이다. 때로는 큰 그림과는 독립적으로 플롯되지만 이데올로기 및 미학적 접촉을 반드시 유지한다.
Kopf eines Sklaven in zwei Varianten, 1837-1857. by Alexander A. Ivanov. oil on canvas. 62 x 44.7 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
눈물이 그렁그렁한 노예의 에튀드. 그리스도의 출현을 가장 크게 기뻐하는 사람들은 화면의 중앙 부분에 자리하고 있다. 벗은 몸으로 등을 보이고 있는 몸짱 사나이의 왼팔에
얼굴이 반쯤 가려 있는 노인이 그 중 하나이다.
쇠약한 몸을 아들에게 의지해 요르단 강가에 나왔던 노인은 기력을 놓고 있다가 그리스도가 오신다는 소식에 황급히 일어서려 한다. 가장 큰 기쁨은 그 앞에 쭈그리고 앉은 노예의 푸른 얼굴에서 찾을 수 있다. 짐승처럼 목덜미가 줄에 묶여 있는 그는 아마도 주인님의 옷을 챙기려던 참인가 보다. 그리스도가 오셨다는 말에 손을 멈추고 돌아보는 눈가에는 눈물이 그렁그렁 맺혀 있다. 세상에서 잃을 것이라고는 목줄 밖에 없을 노예가 구세주의 출현에 감격하는 것은 당연하다.
이바노프는 잃을 것이라고는 역시 쇠사슬밖에 없는
조국 러시아의 민중들을 노예의 모습에 투영한 것이 아닐까. 미술사가 A. I. 조토프에 의하면, 러시아 회화에서 학대받는 이의 모습을 이처럼 감동적이고 박진감 있게 묘사한 것은 이 그림이 처음이다.
<민중 앞에 나타난 예수 그리스도> 우측 벌거숭이 사내의 에튀드
<민중 앞에 나타난 예수 그리스도> 일어서려는 노인의 에튀드
가끔은 이처럼 고대 로마의 조각상을 인물의 원형으로 삼고 있다. 조각상의 모습은 완성작에서 노인보다도 아래쪽 노예의 얼굴과 더 닮은 것 같다 <민중 앞에 나타난 예수 그리스도>의 초점은 아무래도
그리스도보다 그를 영접하는 인간 군상들에게 있다.
이바노프는 “나는 이 그림에서 타락한 지배자들이 민중을 억압하는 모습, 자리를 보전하기 위해 로마에 아부하는 천박한 유대 왕들의 행태, 그리고 다양한 신분의 사람들이 느끼는 슬픔을 그려보고 싶었다.”라고 말한다. 화가는 화면에 배치된 인물 하나하나에
저마다의 역할을 부여하기 위해 수많은 에튀드(습작)들을 거쳤다.
Head of John the Baptist, 세례 요한 습작. 1840s.
Naked Boy, Study. Late 1840s or 1850s. by Alexander A. Ivanov. oil on canvas. 47.7 x 64.2 cm.
The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
풍경을 배경으로 한 나체 소년들의 스케치 시리즈는 <민중 앞에 나타난 예수 그리스도> 그림을 위한 준비 연습 그림이다. 전경과 뚜렷하게 분리된 배경의 무한한 공간은 영원하고 변하지 않는 자연인 "역사적 시간"의 구체화이다. 미술 평론가 알렌노프 M. M. Allenov의 발언에 따르면, 어린이만이 자연과 비슷하며 구조를 파괴하지 않고 알렉산더 이바노프의 풍경에 들어갈 수 있다.
A tree in the shade above the water, At the earliest 1846. by Alexander A. Ivanov. oil on canvas. 45 x 58.2 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이 작품 "물 위 그늘에 있는 나무"의 배경은 카스텔 간돌포(Castel Gandolfo) 근처로 로마에서 30km 떨어진 알바노 호수 위의 알바니아 언덕에 위치해 있다. 면적이 6km²이고 깊이가 170m 인 이 호수는 한때 멸종된 화산 분화구에서 형성되었다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
Christ’s Appearance to Mary Magdalene after the Resurrection, 1835.
by Alexander A. Ivanov. oil on canvas. 242 x 321 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
부활 후 막달아 마리아에 나타난 예수 그리스도 이 작품은 이바노프가 <민중 앞에 나타난 예수 그리스도>를 제작하기 전에 그린 것으로, 이탈리아에서 르네상스 미술을 열심히 연구하던 시절, 르네상스 미술에 대한 화가의 짙은 애정이 잘 나타난 그림이다. 이 작품의 예수는 비애미를 지닌 인간이라기보다
로맨틱한 감상을 느끼게 하는 인간에 더 가깝다.
막달라 마리아 주제는 중세 때부터 애호되었지만, 서양 미술사에서 집중 조명된 시기는 종교개혁이 일어날 무렵이다. 프로테스탄트의 영항으로 가톨릭 교회의 교리와 전통 전반이 크게 위협 받자 고해성사를 비롯한 전통을 지키기 위해 고해자의 전형으로 막달라 마리아를 형상화한 그림이 많이 제작된 것이다.
이때 마리아 이미지는 머리를 길게 풀어헤치고 깊은 수심에 잠긴 모습이 대부분이다. 풀어헤친 머리에서 보듯 이바노프의 막달라 마리아도
그런 가톨릭 전통의 흔적을 간직하고 있다. 하지만 좀더 깔끔하고 산뜻한 용모 때문에 세속적인 미인의 인상을 더 짙게 던진다. 그 옆의 예수 그리스도도 군더더기 없는 '몸짱'에 상당히 수려한 인상이다.
얼핏 보면 이런 세속적인 아름다움이 두 사람을 마치 한 쌍의 연인처럼 느끼게 한다. 한 사람은 사랑을 고백하고 다른 한 사람은 짐짓 이를 뿌리치는 듯한. 주제로 보자면 이 장면은 예수 그리스도의 부활을 목격한 막달라 마리아가 예수에게 가까이 다가가려 하자 예수가 그녀를 진정시키려는 모습을 그린 것이다.
예수는 마리아에게 다음과 같이 말했다. "나를 붙들지 마라. 내가 아직 아버지께로 올라가지 아니하였노라." 주제가 지닌 이와 같은 성스러운 분위기에도 불구하고 이바노프의 그림은 보면 볼수록 감상적인 낭만주의의 향기를 발산한다.
어두운 무대 위에서 펼쳐지는 연극의 클라이맥스 같은 장면,
선남선녀의 지극히 감상적인 몸짓... 마리아의 풀어헤친 머리는 전통적인 참회와 자기부정의 표시라기 보다는, 다른 이들 앞에서는 머리를 단정히 가다듬고 있어도 남편 앞에서는 머리를 풀어헤치는 여염집 여인의 사적인 친밀감을 암시하는 것처럼 보인다.
그 미묘한 뉘앙스가 이 그림을 향한 시선의 집중도를 높이고
주제를 살뜰한 감상으로 받아들이게 한다. 예수 그리스도와 막달라 마리아의 해후 뿐 아니라
모든 사랑하는 사람들의 해후에 대한 연상을 불러온다. 사실 그리스도가 신랑이요 교회가 신부라는 성경의 비유도
이런 종류의 낭만주의적 감상에 적잖이 기대고 있다.
춘향에게 이몽룡이 그런 것처럼, 구세주는 단순히 불의를 벌하는 어사에 그치는 것이 아니라 사랑스런 내 낭군이기도 한 것이다. 이바노프의 붓질은 그 인간적인 기대를 그리스도와 막달라 마리아의 인상적인 이미지 안에 섬세하게 녹여 놓았다.
종교적인 주제가 지닌 신성함과 세속적인 이미지가 주는
감상주의 미학이 아름답게 결합된 작품이라고나 할까. 왠지 "아름다움이 세상을 구원하리라"고 한 도스토예프스키의 언급을 떠올리게 하는 작품이다.
Bellerophon goes on a campaign against the Chimera, 1829.
by Alexander A. Ivanov. oil on canvas. 130,5 x 113 cm . The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
벨레로폰(Bellerophon)은 그리스 신화의 영웅으로 카드모스(Κάδμος))와 페르세우스(Perseus)와 어깨를 나란히 하는 헤라클레스(Hercules) 이전의 가장 위대한 영웅이며 괴물의 처단자이다. 그의 공로는 키마이라(Chimaera)를 죽인 것이며, 그것은 호메로스(Homer)에 따르면 사자의 머리, 양의 몸 그리고 뱀의 꼬리를 지녔고 화염을 뿜어 내었다.
벨레로폰은 고린토스의 왕 글라우스코스(Glaucus)의 아들로 태어났지만
실제 그의 아버지는 포세이돈이었다. 페르세우스가 메두사의 머리를 베었을 때 흘러내린 핏속에서 태어난 날개달린 말
페가수스는 지상과 공중을 뛰어다니며 인간의 접근을 허용치 않았다.
페가수스를 타고 싶다는 희망을 가지고 있던 벨레로폰은 예언자인 폴리이도스의 조언으로 마침내 페가수스를 탈 수 있게 된다. 포세이돈의 아들인 벨레로폰이 포세이돈의 아이를 임신하고 있던 메두사의 몸속에서 태어난 페가수스를 타게된 것이다.
벨레로폰은 죄를 짓고 코린토스에서 쫓겨나 아르고슬로 피신을 가게 되는데, 그곳의 왕비가 벨레로폰을 유혹했다. 그러나 그가 이를 거절하자 왕비는 왕인 프로이토스에게 벨레로폰이 자신을 유혹했다고 거짓말을 한다.
프로이토스는 손님을 직접 죽이고 싶지 않아서 벨레로폰에게 봉한 편지 한통을 주어 리키아에 있는 장인 이오바테스 한테로 보냈다. 벨레로폰은 리키아에 도착하여 왕비의 아버지로부터 환대를 받았다. 그는 관습에 따라 9일 동안 벨레로폰을 잘 대접한 뒤 10일째 되는 날 사위가 보낸 편지를 뜯어보았다. 거기에는 이 편지를 가져가는 자를 죽이라는 내용이 씌어 있었다.
이에 이오바테스는 벨레로폰에게 리키아를 어지럽히고 있는 키마이라라는 괴물을 퇴치해달라고 부탁했다. 키마이라는 불을 뿜은 무서운 괴물로 신체의 전면은 사자와 염소의 모습을 하고 있고 뒤쪽은 용이었다. 왕은 키마이라에게 벨레로폰이 죽게 될 것이라고 생각했던 것이다. 그러나 벨레로폰은 페가수스의 도움을 받아 괴물을 활로 쏘아 죽였다.
벨레로폰은 키마이라를 퇴치한 후 계속되는 이오바테스의 명령으로 어려운 임무를 맡게 되는데, 모두 페가수스의 덕분으로 성공을 거두었다. 이오바테스 왕은 벨레로폰이 신들의 특별한 총애를
받고 있다고 생각하여 그의 딸과 결혼시켰다.
그러나 후에 벨레로폰은 자만이 넘치고 오만하게 되어 신들의 노여움을 사게 된다. 벨레로폰은 신들과 경쟁하기 위해 페가수스를 타고 하늘에 올라가려 했지만, 제우스는 한 마리의 등에를 보내 페가수스를 찌르게 하고 페가수스로 하여금 벨레로폰을 떨어뜨리게 하였다. 그는 절름발이가 되고 눈이 멀었다. 그 후 벨레로폰은 알레이안의 들을 사람들의 눈을 피하면서
외로이 방황하다 비참한 최후를 맞았다.
이 작품은 이오바테스 왕과 함께 위업을 위해 출발하는
벨레로폰의 이별의 순간을 묘사한다. 학문적 전통에 따르면 영웅은 알몸으로 제시된다. 근처에는 날아갈 준비가 된 멋진 말이 있다. 그 뒤에는 비행 여신 아테나(Athena)가 보인다. 왼쪽에는 앉은 왕 뒤에서 일어나고 있는 일을 외면하는 공주 딜로노야(Dilonoya)가 있다. 그녀는 사랑하는 사람과의 이별을 몹시 걱정하고 있다. 그림의 엄숙한 분위기에서 주요 주제는 이상적인 전사 영웅의 위업에 대한 영광이다.
The Flagellation of Christ, 1814. by Alexei Y. Yegorov. oil on canvas. 260 x 207 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
알렉세이 예고로비치 예고로프 (Alexei Yegorovich Yegorov 1776~1851)는 러시아 화가이자 조각가이자 역사 회화 교수였다. 그는 어린 시절 칼미크(Kalmyk) 대초원에서 코사크(Cossacks)에 의해 포로로 잡혀 나중에 모스크바 고아원으로 보내졌다. 그의 초기 기억 중 일부를 기반으로 할 때 칼미크(Kalmyk) 혈통으로 여겨졌지만 그의 기원에 대해서는 거의 알지 못했다.
알렉세이 예고로프는 1782년에는 제국 예술아카데미(Imperial Academy of Arts)에
입학하여 이반 아키모브 (Ivan Akimovich Akimov 1755~1814)와
그리고리 우그류모프(Grigory Ivanovich Ugryumov 1764~1823)와 함께 공부했다. 그는 1797년에 졸업하여 1803년에 학자가 되었고,
그 후 로마에서 현장 작업을 하도록 파견되었다. 그는 그의 디자인과 채색의 단순함을 칭찬한 빈센조 카무치니 (Vincenzo Camuccini 1771~1844)의 영향을 받았다. 평균적인 이탈리아 사람보다 키가 훨씬 더 컸던 그는 "러시아 곰"이라는 별명이 붙었다. 사람들이 주요 인물에 놓일 수 있는 금화의 수만큼 그의 그림을 살 것이라는
소문이 돌았고, 교황 비오 7세가 그에게 궁정 화가로 남아 있으라고 요청했지만 그는 정중하게 그 제안을 거절했다.
1807년 그는 상트 페테르부르크로 돌아와 아카데미의 조교수가 되었다. 그는 또한 엘리자베스 알렉세예프나와 알렉산더 1세에게 개인 드로잉 레슨을 했다. 신앙이 깊은 사람으로서, 그는 많은 귀족들의 초상화를 마지못해 제작했지만 항상 자신의 종교 그림을 가장 중요한 작품으로 생각했다.
1840년, 그는 캐서린 대성당을 위해 그린 성삼위일체의 이미지에
불만을 품은 차르 니콜라스 1세에 의해 즉각 해고되었다. 그러나 그는 연금으로 연간 1,000 루블을 받았다. 아카데미와 단절되었음에도 불구하고, 그의 전 학생들은 여전히 그의 새로운 작품에 대한 그의 의견을 이끌어 내고 학생들에게 조언을 구하기 위해 그를 찾아왔다. 그 결과 그는 남은 생애 동안 바쁘게 지낼 수 있었다. 그는 상트 페테르부르크의 스몰렌스크 묘지에 묻혔다.
이 작품은 예수 그리스도의 지상 생애의 마지막 날, 십자가에서의 희생적 죽음과 고통 (열정)에 대해 이야기하는 복음의 마지막 부분을 기반으로 하는 수난주기의 일부이다. "매장"과 "부활"에 제자들, "구세주의 고문"이라는 구도는 매우 간결하다. 작가는 그리스도와 사형 집행자들의 그룹을 전면에 내세웠다. 이러한 구조와 색조 솔루션은 그림이 고전주의 회화의 전형적인 것처럼 보이게 한다.
Dmitry of the Don in the Kulikovo Battlefield, 1824. by Vasily K. Sazonov. canvas, oil. 131,5 х 194 cm.
The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
프린스 디미트리 이바노비치(Prince Dimitri Ivanovich 1350-1389)는 1359 년 이후 모스크바를 통치했다. 그는 칸 마마이(Khan Mamai)의 타타르(Tatar) 무리와 싸우기 위해 러시아 병사들을 연합했다. 1380년 9월 8일, 타타르 족은 쿨리코보(Kulikovo) 필드 전투에서 압도적인 패배를 겪었으며 드미트리 이바노비치는 '돈스코이(Donskoy)'라는 명예 별명을 받았다.
디미트리 왕자가 이끄는 10만 명의 병사들이 적을 만나기 위해 크렘린 성문을 떠났다. 그들은 쿨리코보(Kulikovo) 필드에서 영웅적으로 싸웠다. 왕자는 단순한 전사처럼 전투에 뛰어 들어 군대의 사기를 올렸다. 손실은 엄청났지만 전투에서 승리했다. 드미트리 돈스코이(Dmitry Donskoy)는 심각한 부상을 입었다.
바실리 사조노프 (Vasily Kondratievich Sazonov 1789~1870)는 러시아의 역사화가이자 제국 예술아카데미(Imperial Academy of Arts) 회원이었다. 그는 니콜라이 루미안체프(Nikolay Rumyantsev) 백작의 농노로 태어났다. 백작이 고멜 팰리스(Gomel Palace)에서 사냥하는 동안 젊은 사조논프는 스케치를 만들었다. 미술에 대한 사조노프의 재질을 알아차린 백작은 1804년에 그를 제국 예술 아카데미에서 공부하도록 보냈다. 그는 그곳에서 역사 화가인 그리고리 우그류모프(Grigory I Ugryumov 1764~1823)에게
배웠고 백작이 자유를 주실 정도로 빠른 진전을 보여주었다.
그는 그리고리 우그류모프의 스타일에 크게 영향을 받았으며 역사 화가가 되었다. 1812년 쿠즈마 미닌 (Kuzma Minin)의 한 장면으로 금메달을 받았고, 1813년에는 나폴레옹의 모스크바 점령에 대한
저항을 묘사한 장면으로 또 다른 금메달을 받았다.
그는 1815년 "예술가"라는 칭호로 졸업하고 학업을 계속하기 위해 약간의 봉급을 받았다. 1817년에 루미안체프 백작은 그에게 해외로 갈 수 있는 충분한 돈을 주었다. 그는 로마로 가서 견문을 넓히고 상트 페테르부르크로 돌아와서
두 가지 주요 역사적 작품을 제작했다.
그 중 하나가 바로 쿨리코보(Kulikovo) 전투에서 드미트리 돈스코이(Dmitry Donskoy)이다. 나중에 그는 새로 재건된 변형 대성당의 상징을 그렸고 타우리드 궁전을 위한 장식을 만들었다. 이 프로젝트로 그는 1830년에 Academician이라는 학자 칭호를 얻었다.
Martha the Mayoress (Theodosious Boretsky the Hermit Awarding the Sword of Ratmir to Miroslav, Young Chieftain of the Novgorodians and Fiancé of Xenia, Daughter of Mayoress Marfa of Novgorod) 1808. by Dmitry Ivanovich Ivanov. oil on canvas. 161 x 196,5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이 작품에 등장하는 마르타(Martha) 시장 또는 노브고로드(Novgorod)의 여왕 (Marfa Posadnitsa)으로도 알려진 마르파 보레츠카야(Marfa Boretskaya)는 귀족 출신이었고 두 번 결혼했다. 필립과의 첫 결혼에서 두 아들이 태어났으며 남편이 일찍 사망했다. 사별한 그녀는 노브고로드(Novgorod) 시장 이삭 보레츠키(Isaac Boretsky)와 재혼했다. 따라서 그녀는 포샤드니차(posadnitsa 관리의 아내)의 지위를 받았다. 그녀는 부유한 여성이었고 노브고로드 통치자와 지역 수도원만이 그녀보다 더 부유했다.
횡포하고 야심찬 성격을 가진 마르타는 사람들을 그녀에게 끌어 들이고 그녀를 자신의 의지에 종속시키는 방법을 알고 있었다. 그녀는 단호하고 의지가 강한 성격, 독립적인 사고를 가졌다. 이것은 다른 역사적 조건에서 훌륭한 정치 경력을 쌓을 수 있는 여성이었다. 마르파는 노브고로드 독립 무역기의 마지막 통치자로 남았다.
이 그림은 1808년 3월 14일 연금 수급자와 4세의 제국 예술아카데미 학생들에게 주어진 프로그램에 따라 그려졌다. 구성의 중앙에는 노브고로드(Novgorod)와 이반 3세(Ivan III) 사이의 투쟁을 이끈 장엄한 여성 마르타(Martha)가 그려져 있다. 마르타의 지시에 따라 그녀의 할아버지인 테오도시우스 보레츠키 (Theodosius Boretsky)는 노브고로드의 독립을 위해 싸울 검을 마르타의 딸 제니아의 남편으로 뽑힌 미로슬라프에게 준다.
드미트리 이바노프(Dmitry Ivanovich Ivanov)는 어느 나라에서나 미술에 전념하는 사람들의 대부분을 구성하는 일반적인 예술가 중 한사람이다. 드미트리 이바노프는 미술사에 중요한 흔적을 남길만큼 위대하지도 않았다. 그는 1803년부터 예술 아카데미의 학생이었고 유명한 스승이자 교사인 그리고리 우그류모프(Grigory I Ugryumov 1764~1823)와 함께 공부했다.
1805년 이바노프는 예술 아카데미 명예회원인 포토츠키(S.O. Pototsky) 백작이
제안한 프로그램 "인민 반란을 길들인 니콘 총 대주교의 용기있는 업적을 보여주기 위해"를 완성하여 금메달을 받았다. 1806년, 이바노프는 인생에서 그린 그림으로 크고 작은 메달을 받았으며 한 프로그램에서 두 번째 금메달을 받기도 했다. 그는 1급 자격증과 검을 가지고 아카데미를 졸업했다.
이 작품은 1808년 3월 14일 아카데미 학생들에게 주어진 프로그램에 따라 그려졌다. 마르타(Martha)는 구도의 중앙에 그려져 있다. 그녀는 이반 3세(Ivan III)에 대한 노브고로드(Novgorod)의 투쟁을 이끈 장엄한 여성이다. 마르타의 지시에 따라 그녀의 할아버지인 테오도시우스 보레츠키(Theodosius Boretsky)는 노브고로드의 독립을 위해 싸울 검을 마르타의 딸
제니아의 남편으로 뽑힌 미로슬라프에게 수여한다.
테오도시우스 라트미르의 조상은 금색의 검에
"적은 결코 그것을 얻지 못할 것입니다."라고 썼다. 우리 앞에는 캐릭터의 인물과 캔버스에서 위치의 대각선 배열, 윤곽선의 선명도 및 선형 리듬화, 색상 반점의 병치, 빛과 그림자의 대비에 따라 엄격하게 검증된 고전적인 구성이 있다. 이 작품으로 이바노프는 1808년 예술 아카데미에서 표창을 받았다.
The Heroism of a Young Kievian at the siege of Kiev by the Pechenegs in 968,
About 1810. by Andrey Ivanovich Ivanov. oil on canvas. 204 x 177,5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
"968년 페체네그족이 키예프를 포위하는 동안 젊은 키예프인의 위업. 1810 년 스바이예토슬레브(Svyatoslav) 왕자의 군대가 먼 캠페인을 벌일 때"
그림의 줄거리는 968년 페체네그(Pecheneg) 유목민이 키예프를
포위하는 동안 알려지지 않은 젊은 키예프 영웅의 이야기로
러시아 고대 연대기의 영웅적인 에피소드 중 하나다.
젊은 영웅은 손에 굴레를 들고 적 진영으로 돌진했다. 적들이 그를 불렀을 때 청년은 도망친 말을 찾고 있다고 대답했다. 드니프르(Dnieper)를 건너면서 그는 러시아 분대를 발견하고 포위된 도시를 돕기 위해 돌진했다.
회오리 바람처럼 젊은 영웅은 적군 진영을 향해 돌진하고 추격 소리를 듣는 것처럼 그림의 아래쪽 가장자리에 있는 좁은 물 조각인 드니프르에 도달한다. 깊은 곳에서는 기병과 성벽의 윤곽을 볼 수 있다. 작가가 묘사하는 순간은 작품의 아이디어를 구체적이고 간결하게 표현한다. 애국적인 의무에 자신을 포기하는 사람을 막을 수 있는 것은 없다.
안드레이 이바노프 (Andrey Ivanovich Ivanov 1775~1848)는 역사적 장면을 전문으로 하는 신고전주의 스타일의 러시아 화가였다. 그는 부모에 의해 버려졌고 모스크바 고아원에서 자랐다. 그는 1782년에 제국 예술아카데미(Imperial Academy of Arts)의 초등학교 과정에 등록한 후 그리고리 우그류모프(Grigory I Ugryumov 1764~1823)와 함께 1797년 졸업했다.
안드레이 이바노프는 오래된 이탈리아 마스터와 그림 아이콘을 복사하는 데 종사했다. 1812년에 그는 교수로 임명되고 1821~1831까지 수석 교수로 재직하다가 1831년 니콜라스 1세에 의해 강제 은퇴당했다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
The Brazen Serpent, 1841. by Fyodor A Bruni. oil on canvas. 565 x 852 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
표도르 안토노비치 브루니(Fyodor Antonovich Bruni 1799~1875)는 러시아를 대표하는 이탈리아 출신의 아티스트, 학회 회원 및 제국 예술 아카데미 교수였다. 표도르 브루니는 1799년 밀라노에서 저명한 예술가이자 복원가인 안토니오 브루니(Antonio Baroffi Bruni 1767~1825)의 아들로 태어났으며
본명은 피델리오(Fidelio)이다.
오스트리아 군대의 최고 장교 지위에 있던 그의 아버지는
수보로프(A. V Suvorov) 장군이 이끄는 러시아 군대의 스위스 전투에 참여했으며
1799년 다리에 부상을 입어 군에서사임했다. 폴 1세(Paul I)의 통치 기간 동안 아버지 안토니오 브루니는
그림 복원가이자 천장 화가로 미카일로프스키(Mikhailovsky) 궁전을 만들고
그 후 쿠라킨(Kurakin) 왕자의 명령에 따라 모스크바에서 일했다.
표도르 브루니는 10살에 제국 예술아카데미(Imperial Academy of Arts)에 입학했으며 알렉세이 예고로프(Alexey Yegorov 1776~1851),
안드레이 이바노프(Andrey. I. Ivanov 1775~1848) 및
바실리 셰부에프(Vasily Kozmich Shebuev)의 지도 아래 공부했다.
젊은 브루니는 1818년에 은메달을 수여받고 과정을 졸업하여 예술가의 칭호를 받았다. 하지만 그의 아버지는 19세의 피델리오가 미술 교육이 여전히
충분하지 않다는 것을 알고 바실리 셰부에프의 조언에 따라
피델리오를 이탈리아로 보내 그림을 더 향상시키기로 결정했다. 고대 예술가들의 모범적인 작품에 대한 연구는 마침내 브률로(Bryullo)가 브률로프(Bryullov)라는 이름으로 명명된 것처럼 러시아에서
표도르(Fyodor)로 이름이 바뀐 젊은 피델리오(Fidelio)의 방향을 결정했다.
여러 그림을 그린 후 아직 22 세가 되지 않은 표도르 브루니는 1824년 로마 국회의사당에 그의 작품이 전시되었고 처음으로 대형 그림 "호레이스의 자매 카밀라의 죽음"이라는 작품의 작업을 시작했다. 이 작품은 10년 후에 상트 페테르부르크에서 전시되었고 브루니는 상당한 명성을 얻었으며 학자 칭호를 받았다.
작품 '구리 뱀(The Brazen Serpent)'은 브루니의 대표작이다. 하늘에서 뱀이 떨어지고 땅에 있는 인간들의 절규가
그림을 보는 관객에게까지 들리는 듯하다. 엄청나게 큰 그림이기 때문에 실제로 보면 영화 화면으로
그때의 상황을 보는 것 같은 착각에 빠져든다.
이 그림은 성경의 민수기에 나오는 사연을 바탕으로 그려낸 작품이다. "여호와께서 불뱀들을 백성 중에 보내어 백성을 물게 하시므로
이스라엘 백성 중에 죽은 자가 많은 지라. 백성이 모세에게 이르러 말하되 우리가 여호와와 당신을 향하여
원망함으로 죄를 범하였사오니 여호와께 기도하여 이 뱀들을
우리에게서 떠나게 하소서. 모세가 백성을 위하여 기도하매 여호와께서 모세에게 이르시되 불뱀을 만들어 장대 위에 매달아라. 물린 자마다 그것을 보면 살리라, 모세가 놋뱀을 만들어 장대 위에 다니 뱀에게 물린 자가 놋잼을 쳐다본즉 모두 살더라." (민수기 6-9절)
역사화가였던 브루니의 명작 'The Brazen Serpent'를 보면서 떠올린다. 어느 시대나 우리가 떠들고 있는 '위험 사회'란 꼭지가 붙었던 것은 아니었을까. 그 삶의 위험을 견디기 위해, 우상을 만들고 섬겼던 저 이스라엘 백성들처럼, 우리도 이제는 자본이란 우상, 신자유주의란 우상을 섬기면서, 그저 경제합리주의란 미명 아래 얼마나 더 많은 사람들의 희생을 간과하고 그저 고개를 돌려 피함으로, 자신의 양심을 속여야 하는지 말이다. 죄 지은 자의 마음으로 그림 앞에 서니 꼭 뱀에 물려 죽을 것 같은 환영에 빠진다.
작가는 이미지를 개별화하고 이야기를 여러 장면으로 나눴다. 오른쪽에서 왼쪽으로, 뱀 동상이 있는 기둥으로
하나의 일반적인 움직임은 전체 그림을 관통한다. 이 움직임은 거대한 다중 형상 캔버스의 인상의 통합을 허용한다.
전경의 인물은 브루니가 전체 크기로 그렸다. 그는 캔버스에서 주인공을 골라내는 것이 아니라 여러 인물의 구성을 제시했다. 작가는 각각의 이미지를 개별적으로 규정하고 일반 서사에서 고유한 성격과 역사를 부여했다. 몇몇 캐릭터는 놋뱀과 함께 기둥 쪽으로 달려 갔다. 두려움에 휩싸인 다른 사람들은 사랑하는 사람들로부터 보호받기 위해 탈출하려고 한다. 많은 사람들이 친척들을 애도한다. 그림의 중앙, 배경에서 주인은 서두르고 절박한 군중과는 매우 다른 사람들을 포착했다. 이것은 예언자 모세이고 그의 조카는 대제사장 엘르아살이고 레위인은 제사장이다. 그들의 수치는 자신감, 평온함, 강력한 힘을 표현하여 처벌하고 구원을 가져온다.
브루니는 1824년에 첫 번째 스케치를 만들고 1841년에야 이 작품을 완성했다. 'The Brazen Serpent'는 러시아 역사 회화 장르에서 가장 큰 그림이다. 이 작품의 크기는 폭 8.5m, 높이 5.6m에 달했다. 면적은 약 48㎡이고 작품의 무게는 거의 70kg이다. 이 작품은 러시아 박물관 컬렉션에서 가장 큰 그림이다. 이 작품은 브률로프(K. P. Bryullov)의 "폼페이의 최후의 날" 만큼이나 인기가 있었다.
Death of Camilla, Sister of Horatius, 1824. by Fyodor A. Bruni. oil on canvas. 350 x 526.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이 작품은 23세의 표도르 브루니 (Fyodor Antonovich Bruni 1799~1875)가 로마와 알바 롱가(Alba Longa) 시의 전설적인 전쟁을 묘사한 그림이다. 고대 로마 전설에서 로마와 알바 롱가(Alba Longa) 시 사이의 전쟁 중에 로마 쪽에서 온 호라티이(Horatii)의 세 형제와 알바 롱가 쪽에서 온
쿠리아티이(Curiatii)의 세 형제로 구성된 두 그룹이 각 진영을 위해 싸워야만 했다.
호라티이 형제 진영은 쿠리아티이 진영을 물리치고 승리했지만 형제들 중 하나만 살아 남았다. 전투에서 살아남은 승리자 호라티우스(Horatius)가 로마로 돌아오고 그의 여동생 카밀라(Camilla)를 만난다. 그러나 호라티우스의 여동생 카밀라가 죽은 쿠리아티이 중 한 명과 비밀리에 약혼했다는 사실을 알게 된 호라티우스는 애국심보다 개인적인 사랑을 더 중요시했다는 데에 화가 나서 여동생 카밀라를 죽였다.
하지만 호라티우스의 영웅적 행동은 주변 사람들의 존경심이 아니라 여동생 카밀라에 대한 동정심을 불러 일으켰다. 호라티우스는 그의 동료와 시민들 사이에 비극적인 오해가 생기고 외로운 처지에 빠진다. 표도르 브루니가 그린 "호라티우스의 승리"라는 이름의 이 작품은 동시대 사람들이 "호라티우스의 여동생 카밀의 죽음"이라고 다르게 불리게 되었다.
Socrates Defending Alcibiades at the Battle ot Potidae, 1828.
by Pyotr V. Basin. oil on canvas. 286 x 359.5 cm.
The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
표트르 바실리에비치 바신 (Pyotr Vasilievich Basin 1793~1877)은
러시아의 종교, 역사 및 초상화 화가였다. 그는 또한 제국 예술아카데미(Imperial Academy of Arts)에서 교수로 재직했다. 1813년 표트르 바신은 바실리 셰부예프
(Vasily Kuzmich Shebuyev 1777~1855)의 학생으로 입학했다. 졸업 후, 표트르 바신은 로마에서 11년 동안 유학을 했는데 그곳에 있는 동안 라파엘의 작품을 복사하고 거의 100점에 달하는 자신의 그림을 그렸으며, 그 중 상당수는 신화적 주제에 관한 것이었다. 그는 또한 시골의 풍경화가 중 한 명인
실베스터 쉬드린(Sylvester Shchedrin 1791~1830)을 포함하여 초상화를 만들었다.
1830년 상트 페테르부르크로 돌아온 후 차르 니콜라스 1세가 프로젝트 작업을 위해
소환된 그는 이 작품 "포티데아 전투에서 소크라테스가 알키비아데스를 구하는 모습 (Socrates Defending Alcibiades at the Battle ot Potidae)"의 작품으로 학자로 선정되었다. 그림 자체는 로마에서 운반한 배가 파손되어 물에 손상을 입히고 도착하자마자 복원해야 했기 때문에 약간의 훼손이 불가피했다.
그 후, 그는 제국 예술아카데미에서 가르치기 시작하여 1836년에 교수로 임명되었다. 표트르 바신은 1869년 명예교수 겸 국무원이 될 때까지 예술아카데미에서 지냈다. 그는 교수 시절에 수많은 초상화와 겨울 궁전 복원을 위한 우화적 장면을 만들었다. 여기에는 성 이삭 대성당의 40개의 그림과 아이콘이 포함되어 있다. 표트르 바신은 진행성 안구 질환으로 인해 은퇴해야 했고
1870년 말까지 시력을 완전히 잃었다.
이 작품에 등장하는 포티데아(Potidae) 전투는 BC 432년 펠로폰네소스 전쟁 직전 전투에 관한 것으로 기원전 430년에 아테네와 코린토스와 포티데아의 연합군과 그들의 다양한 동맹군 사이에서 포티데아 근처에서 싸웠다. 이 전투에서 알키비아데스(Alcibiades)는 부상을 당했고, 소크라테스(Socrates)는 모든 사람들이 보는 앞에서 알키비아데스의 생명과 무기를 보호하고 구했다. 이 작품으로 표트르 바신은 1831년에 학자의 칭호를 받았다.
Faun Marsyas Teaches Olympus to Play the Flute, 1821.
by Pyotr V. Basin. oil on canvas. 185 x 139,5 cm.
The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
표트르 바신 (Pyotr Vasilievich Basin 1793~1877)은
19세기 전반의 학문적 그림을 대표하는 저명한 화가이다. 그의 작품에서 중요한 업적은 상트 페테르부르크에 있는 성 이삭 대성당의 그림이었다. 이 그림의 주제는 당시 러시아에서 유행했던 고대 그리스 신화의 장면이었다.
한때 프리기아(Phrygia)의 들판을 헤매던 파운 마르시아스(Faun Marsyas)는
리드 플루트(reed flute)를 발견했다. 그는 자신이 발견한 플루트를 연주하는 것이 그의 신성하고 아름다운 얼굴을 손상시킨다는 사실을 알아차리고 아테나(Athena) 신에게 버림을 받았다. 아테나는 자신의 발명품을 저주하며 이 플루트를 들고 연주하는 사람은 누구나 엄한 처벌을 받을 것이라고 말했다.
아테나의 뜻을 알지 못했던 마르시아스(Marsyas)는 플루트를 들고
연주하는 법을 배워 모두가 이 음악을 듣게 되었다. 마르시아스는 그의 재능의 힘을 믿었기 때문에
음악의 수호성인 아폴로(Apollo)와의 경쟁에 도전했다. 대담한 도전에 분노한 아테나는 마르시아스를 나무에 매달고 가죽을 벗기라고 명령했다. 마르시아스의 피부는 프리기아(Phrygia)의 동굴에 매달려 있었고
나중에 리드 플루트의 소리가 그 자그마한 동굴에 도달했을 때
춤을 추는 것처럼 항상 움직이기 시작했고, 시타라(cithara)의 장엄한 소리가 들렸을 때 움직이지 않았다고 한다.
Susanna Caught by the Elders in her Bath, 1831.
by Grigory I. Lapchenko. oil on canvas. 202 х 150 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
두 명의 장로들이 수산나(Susanna)라는 젊은 기혼 여성의 목욕하는 모습을 염탐하고 있다. 장로들은 수산나를 염탐하고 그녀에게 성적인 호의를 요구했지만 거절당했다. 남자들은 그녀의 명성을 망치겠다고 위협했지만 수산나는 완강하게 거부했다. 두 노인은 수잔나를 간음죄로 거짓 고발했다. 이는 사형에 처할 수 있는 범죄이다. 그러나 다니엘이라는 젊은 히브리 선지자 덕분에 그녀는 결백을 입증하게 되었고 거짓 증언을 한 장로들이 처형되었다.
이 주제는 수산나의 겸손과 충실함의 미덕을 예시하면서 16세기 유럽 미술에서 비교적 종종 인용되었다. 그러나 실제로는 예술가들이 종종 남성 후원자의 즐거움을 위해 여성 누드 묘사에 자신의 기술을 보여줄 수 있는 기회를 제공하기도 했다.
이 작품에서 수산나의 모델은 이탈리아의 미녀였고 가난한 와인 메이커인 알바노-비토리아 칼도니(Albano-Vittoria Caldoni)의 딸로 나중에 작가 그리고리 랩첸코의 아내가 된 칼도그노 비토리아(Caldogno Vittoria)였다. 그녀의 부모는 어려움을 겪으면서 딸이 화가에게 포즈를 취하도록 허용했다.
칼도그노 비토리아는 알렉산더 이바노프(Alexander Ivanov)를 비롯하여 세계 최고의 예술가들의 모델이 되어 유명해졌다. 그녀의 초상화는 노인이 된 괴테에게 보내지기도 했다.
그리고리 이그나티예비치 랩첸코 (Grigory Ignatyevich Lapchenko 1801~1876)는 러시아의 예술가, 역사적 회화, 초상화 작가였다. 그는 우크라이나 코사크 이그나티 바실리예비치 라파(Ignaty Vasilyevich Lapa)의 아들이다. 그림에 대한 그리고리 랩첸코의 조숙한 재능을 알아 본 보론초프(N. S. Vorontsov) 백작은 그가 공식적인 예술 교육을 받도록 도움을 주었다.
1822년 제국 예술 아카데미에 입학하여 이바노바(AI Ivanova)의 지도 아래 역사 회화 수업을 받고 금메달을 획득하면서 이탈리아로 유학을 갔다. 그는 러시아 및 이탈리아 예술가들과 의사 소통을하며 이바노프(A. A. Ivanov)와도 매우 친해졌다.
1834년에 그리고리 랩첸코는 거의 시력을 잃었다. 1839년 그는 왕세자 알렉산더 니콜라에비치가 획득한 그림 "미완성 왼팔로 머리에 바구니를 들고 있는 여인의 모습"을 로마에서 전시했다. 같은 해에 모델 칼도그노 비토리아(Caldogno Vittoria)와 결혼하였고 1840년대 중반부터 키예프 지방의 모쉬니(Moshny) 마을에서 살았다. 1842년 바로 이 작품 "Susanna Caught by the Elders in her Bath"으로 학자의 칭호를 받았다.
Portrait of the Writer and Musician Princess Zinaida Alexandrovna Volkonskaya, née Princess Beloselskaya-Belozerskaya (1879–1862),
Dressed as Tancred (from the Opera by G. Rossini), 1820. by Fyodor Antonovich Bruni. oil on canvas. 188 x 130 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 15, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
러시아의 작가, 시인, 가수, 작곡가, 미용사 및 공주였다. 그녀는 19세기 러시아 문화 생활에서 중요한 인물이었다. 그녀는 아마추어 오페라 가수로 파리와 런던에서 공연했다.
지나이다 볼콘스카야는 토리노에서 러시아 대사인 알렉산더 벨로저스키(Alexander Beloselsky-Belozersky) 왕자의 가족으로 태어났다. 지나이다는 러시아의 알렉산더 1세 황제와 가까웠는데,
아마도 연인일 것이라는 소문도 돌았다. 이런 소문을 막기 위해 지나이다는 1810년 알렉산더 황제의 보좌관인 니키타 볼콘스키 (Nikita Grigorievich Volkonsky 1781~1844)왕자와 결혼했다.
지나이다는 1817년에 상트 페테르부르크로, 1822년에 모스크바로 이사했다. 1820년대에 지나이다는 모스크바의 트베르스카야 거리에 문학 및 음악 살롱을 개관했다. 폴란드의 시인, 극작가, 수필가였던 아담 미키에 비츠 (Adam Bernard Mickiewicz 1798~1855), 러시아 최고의 사상 시인 예브게니 바라틴스키 (Yevgeny Baratynsky 1800~1844), 러시아의 낭만주의 시인 드미트리 베네비티노프 (Dmitry Venevitinov 1805~1827), 러시아 근대문학의 창시자 알렉산더 푸쉬킨 (Alexander Pushkin 1799~18387) 등은 그녀의 집을 자주 방문했다. 푸쉬킨이 그녀에게 보낸 "음악과 아름다움의 여왕"이라는 구절 서신은 잘 알려져 있다.
알렉산더 1세가 죽은 후 지나이다의 시동생 세르게이 볼콘스키 (Sergei Grigorievich Volkonsky 1788~1865) 왕자는 후계자 니콜라스에 대한 데카브리스트 혁명(Decembrist Revolt)을 이끌었다. 데카브리스츠(Decembrists)들은 시베리아로 추방되었고
그들의 아내는 그들을 따르기로 결정했다. 지나이다는 이 여성들을 위한 작별 파티를 열었고
이 일로 인해 니콜라스 1세의 불만을 불러일으켰다. 그녀는 또한 러시아 정교회에서 가톨릭교로의 비밀 개종자이자 예수회 요원일 가능성이 있다는 의심을 받았다.
이러한 압력으로 인해 1829년 지나이다는 로마로 이주했다. 그녀는 아들과 아들의 교사인 스테판 셰비료프(Stepan Shevyrev 1806~1864)를 동반했다. 로마에 있는 그녀의 숙소 중에는 이탈리아에서 유명한 트레비 분수의 배경 건물인 팔라조 폴리(Palazzo Poli), 빌라 볼콘스키(Villa Wolkonsky) 등이 있다. 지나이다 공주는 1830년대에 팔라조 폴리(Palazzo Poli)에서
호화로운 파티를 연 것으로도 유명하다.
그녀의 살롱은 러시아 화가 칼 브룰로프(Karl Brullov)와 알렉산더 이바노프(Alexander Ivanov), 덴마크의 유명한 조각가 베르텔 토르발드센(Bertel Thorvaldsen 1770~1844), 이탈리아 화가 빈센조 카무치니 (Vincenzo Camuccini 1771~1844), 프랑스 작가 스탕달 (Stendhal 1783~1842), 스코틀랜드의 시인, 극작가, 역사 소설가 월터 스콧 (Sir Walter Scott 1771~1832)이 자주 방문했다. 러시아의 대문호 니콜라이 고골 (Nikolai Gogol 1809~1852)은 지나이다의 빌라에서 "죽은 영혼(Dead Souls)"의 많은 부분을 집필했다.
지나이다 볼콘스카야 공주는 폐렴으로 사망했으며 트레비의 성도 빈센조와 아나스타시오(Santi Vincenzo e Anastasio a Trevi) 성당에 묻혔다. 지나이다는 죽음 이후에 시성(beata) 되었다. 그녀의 영문 전기 "지나이다 볼콘스키 공주의 생애 (A life of Princess Zinaida Volkonsky"는 1998년에 등장했다.
[영상] Alexander Ivanov, Fyodor Bruni. Hall 15 in State Russian Museum, St. Petersburg, Russia
The Mikhailovsky Palace, Hall 14 (Academic Hall). Brullov, Aivazovsky. The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
Venus, 1852. by Vitali I. P. Marble. 168 x 59 x 64 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이반 비탈리 (Ivan Petrovich Vitali 1794~1885)는 이탈리아 출신의 러시아 조각가였다 . 상트 페테르부르크에서 태어난 그는 어렸을 때부터 아버지 피에트로 비탈리의 견습생이었다. 제국 예술 아카데미에 참석한 후 1818년 모스크바로 이사했다. 그의 작품은 따뜻함과 성실함으로 가득차 있다. 비너스 조각상의 절묘한 리듬에서 살아 있는 자연과 고대 예술의 낭만적이고 신선한 조합이 주목을 받았다.
Portrait of the Most Serene Princess Elizaveta Saltykova, 1841.
by Karl P. Brullov. oil on canvas. 200 х 142 cm.
The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
칼 브룰로프 (Karl Pavlovich Brullov 1799~1852)는 러시아 화가로 신고전주의에서 러시아 낭만주의로 전환하는 과정에 핵심 인물로 여겨진다. 그는 상트 페테르부르크에서 위그노 혈통 출신의 학자이자 목각가, 조각가인 파벨 이바노비치 브리울로 (Pavel Ivanovich Briullo 1760~1833)의 가정에서 태어났다.
칼 브룰로프는 제국 예술아카데미(Imperial Academy of Arts)에서 훈련을 받았다. 유망하고 상상력이 풍부한 학생으로 그는 학업을 마친 후 러시아를 떠나 로마로 가서 1835년까지 초상화와 장르 화가로 일했다. 하지만 예술가로서 그의 명성은 그가 역사적인 그림을 그리기 시작했을 때 나타났다.
브룰로프는 특히 역사, 초상화 및 풍경화에서 뛰어난 화가이다. 국제적인 명성을 얻은 러시아 최초의 화가로, 러시아의 신고전주의에서 낭만주의에 걸친 과도기의 주요 인물로 되어 있다.
'엘리자베타 살티코바 공주의 초상화'에서 살티코바 공주는 우아한 드레스를 입고 공작 깃털 팬을 들고 의자에 앉아 있다. 그녀의 옆에는 열대 식물을 몇 가지 배치하고 바닥에
표범 가죽을 깔아 이 그림에서 이국적인 세계를 표현했다. 또한 살티코바 공주의 고귀함과 번영을 보여준다. 살티코바의 드레스는 실제로 사실에 가깝다. 직물의 주름과 실크의 반짝이는 색상 (차분한 파란색, 빨간색, 짙은 녹색)이 빛을 비추는 것은 놀랍다.
엘리자베타 파블로브나 살티코바(Elizaveta Pavlovna Saltykova 1802~1863) 공주는 스트로가노프(P. A. Stroganov 1774~1817)와 소피아(Sofia Vladimirovna 1775~1845)의 딸이다. 살티코바는 살티코프(I. D. Saltykov 1797~1832) 왕자와 결혼했다.
이 작품은 19세기 러시아 미술 낭만주의의 영향을 받았다. 그러나 러시아의 낭만주의 정신은 서양의 낭만주의와 다르다. 서양에서 낭만주의는 조화, 균형 및 비율로 잘 알려진 고전 예술 전통의 지배에 대한 반응이었다. 반면에 러시아에서는 낭만주의가 그 특징인 고귀하고 환상적인 요소를 지닌 작품을 표시한 17세기의 감각인 원작에서 해석되었다.
러시아의 낭만주의는 바이론(Byron), 푸쉬킨(Pushkin) 및 레몬토브(Lermontov)의 영향을 받았다. 예의와 환상의 혼합된 성격은 일반적으로 왕실 구성원의 성격을 묘사하는 데 사용되었다. 브룰로프의 그림은 특히 낭만적인 그림을 좋아하는 사람들에게 흥미롭다. 그의 뛰어난 그림 기술은 관객을 19세기 러시아 세계로 이끌 수 있다.
The Last Day of Pompeii, 1830. by Karl P. Brullov. oil on canvas. 651 x 466 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
칼 브룰로프 (Karl Pavlovich Brullov)의 가장 잘 알려진 작품인 폼페이 최후의 날 (The Last Day of Pompeii, 1830-1833)은 푸쉬킨과 고골이 루벤스와 반 다이크의 최고의 작품과 비교한 것으로 그 구성이 방대하다. 이 작품은 이탈리아에서 센세이션을 일으켰고 브룰로프는
당대 최고의 유럽 화가 중 한 명으로 자리 매김했다. 이 작업을 마친 후 그는 러시아 수도로 성공적으로 돌아와 귀족과 지적 엘리트들 사이에서 많은 친구를 사귀고 제국 예술 아카데미에서 높은 지위를 얻었다.
하늘에서 검은 비가 마구 쏟아지고, 하늘이 요동치면서 건물이 무너져 내리고 있다. 시뻘건 불꽃과 용암이 도시를 휘감으며 집어삼킬 기세다. 사람들은 두려움에 질려 필사적으로 몸을 피하려 하지만 쉽지 않아 보인다. 아수라장이 따로 없는 그림, 그 속엔 어떤 역사적 순간이 담겨 있는 걸까?
인간은 오랜 세월 발전을 거듭하며 힘을 쌓아 왔다. 하지만 아무리 노력해도 막을 수 없는 게 있는데 그건 바로 자연재해다. 지진 · 홍수 · 화산 폭발 등은 인간의 힘으로 어찌할 수 없는 어마어마한 파괴력을 가지고 있다. 카를 브룰로프가 그린 '폼페이 최후의 날'은 자연재해의 끔찍한 순간을 담고 있다.
폼페이는 고대 로마의 번성했던 도시였다. 인구도 많고 사람들이 휴양지로 자주 찾을 정도로 아름다운 곳이었다. 그러나 폼페이는 서기 79년 8월 24일 이후 화산 폭발로 역사 속에서 사라지고 말았다. 폼페이 인근에 있는 베수비오 화산이 갑자기 폭발하면서 도시를 순식간에 삼켜 버린 거다. 뜨거운 용암과 화산재 · 화산암이 도시를 덮어 버렸고, 사람들은 뜨거운 열기와 고온 가스에 질식되어 죽고 말았다. 베수비오 화산 폭발 때 죽은 사람의 수가 무려 2,000여 명에 이르른다.
'폼페이 최후의 날'은 제목에서 알 수 있듯이 화산 폭발로 폼페이가 사라지던 비극적인 순간을 담았다. 하늘을 뒤덮은 검은 비는 화산에서 날아온 화산재와 화산암이고, 저 멀리 붉은 불꽃은 화산에서 흘러내리는 용암이다. 자세히 들여다보면 사람들의 표정엔 극심한 두려움과 공포가 깃들어 있다. 도망치려고 해도 도망칠 수 없는 절박하고 괴로운 모습들이 생생하게 잘 표현어 있다.
화산 폭발로 사라졌던 폼페이는 1,700여 년이 흐르고 나서야 그 모습을 세상에 드러냈다. 폼페이의 잔해가 우연히 발견되며 18세기 중반부터 도시를 발굴하기 시작하면서다. 엄청나게 두꺼운 화산재를 걷어내니, 당시의 건물 · 도로 · 상점 등이 그대로 드러났다. 순식간에 덮친 화산재와 용암을 피하지 못해 죽어 간 사람들은 화석이 되어 남아 있었다.
카를 브룰로프는 폼페이 발굴 현장을 직접 보고 나서 그림을 그렸다. 그런만큼 생생하고 실감나게 묘사되어 있다. 이 그림에 영감을 받은 에드워드 리턴이라는 작가는 <폼페이 최후의 날>이라는 같은 제목의 소설을 쓰기도 했다.
한편 폼페이는 오늘날 유네스코 세계 문화유산으로 지정되어, 많은 사람들에게 당시의 참상과 고대 로마 사람들의 생활상을 보여 주고 있다.
View of the Town of Bakhchisarai, Between 1798 and 1800. by Fyodor Y. Alexeyev. oil on canvas. 197 х 178,5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이 그림은 1787년 러시아 남부를 여행하는 동안 황후 캐서린 2 세가 방문한 지역을 묘사한다. 이 작품은 1795~1797년 러시아 남부를 여행하던 중 황후가 방문한 "지역의 풍경을 담기 위해" 만든 자연 스케치를 바탕으로 작가가 그렸다.
바흐치사라이(Bakhchisarai)는 1783년 러시아에 합병된 크림 칸국의 수도이다. 칸의 궁전 옆에 도시 광장이 그려져 있다. 왼쪽에는 팔콘 타워가 있는 하렘 벽이 있다. 오른쪽에는 두 개의 첨탑이 있는 칸자미 모스크가 있다.
터번을 쓴 동양 기병과 나란히 가족이 있는 러시아 장교, 왼쪽에는 두루마리를 들고 걷는 랍비가 있다. 캐서린 2세는 1787년 5월 러시아를 여행하는 동안 바흐치사라이를 방문하여 이곳에서 며칠을 보냈다.
화가 표도르 알렉세예브 (Fyodor Yakovlevich Alexeyev 1753~1824)는 러시아 도시 풍경화 학교를 창립했다. 그는 제국 예술아카데미(Imperial Academy of Arts)에서 과일과 꽃과 풍경화를 공부했다. 1773년부터 1777년까지 그는 베네치아에서 펠로우 십으로 살면서 연극 예술가로 공부했다. 그러나 이것은 그에게 호소력이 없었고, 많은 시간을 풍경화와 옛 거장의 작품을 복사하는 데 보냈다.
아카데미 당국의 불만을 불러 일으켜 그가 돌아 왔을 때 그는 1786년까지 제국 극장의 장식가로 일하게 되었고 학업을 계속할 수 없었다. 그는 당황하지 않고 자신이 좋아하는 것을 계속 그리며 천천히 인정을 받았다. 1794년 "요새에서 바라본 궁전 제방의 전망"은 그에게 학자라는 칭호를 부여했다.
1800년에 차르 폴 1세는 그에게 모스크바의 거리와 건축물을 만드는 일을 맡겼다. 1803년부터 그는 아카데미에서 가르쳤을 뿐만 아니라 케르 손, 미콜라이프, 바흐치사라이, 오룔과 캐서린 대왕이 방문한 남부의 다른 지역을 방문하여 플리인에어 스케치와 수채화를 제작했다. 1810년 그는 상트 페테르부르크를 묘사한 일련의 작품을 제작했다. 말년에 그의 명성은 꾸준히 쇠퇴하고 가난하게 죽어 대가족을 떠났다. 아카데미는 그의 장례비를 지불했다.
Sea shore, Calm. 1843. by Ivan K. Aivazovsky. Oil on canvas . 114 x 187 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이반 콘스탄티노비치 아이바조프스키(Ivan Konstantinovich Aivazovsky, 1817~1900)는 러시아 제국의 크림반도에 있는, 페오도시야의 마을에서 가난한 아르메니아인 가정에서 태어났다. 그는 상트페테르부르크 예술 아카데미에 입학했고 수석으로 졸업했다.
그가 유럽 전역을 여행하기 전인 그의 인생 전반기에는 풍경화와 바다 그림마다 수상작이 되면서, 그는 해안 마을의 크림반도인의 초상화를 그리기 시작했다. 그의 인생 후반기에, 해군 장면을 그린 작품들은 러시아 해군으로부터 오랫동안 지속되는 직권을 부여받게 되었다.
1845년, 아이바조프스키는 술탄 압둘마지드의 초대에 응해 콘스탄티노플로 갔다. 그는 1845~1950년 사이 8회에 걸쳐 콘스탄티노플 도시를 여행했다. 아이바조프스키는 콘스탄티노플에서 긴 체류 기간 동안에, 몇 점의 그림들을 그리기 위하여 오스만 술탄 압둘마지드와 압둘하지즈에 의해 황실 화가로 임명되었다. 그의 작품들 중에 30 점은 현재 오스만 제국의 궁전과, 터키의 돌마바흐체 박물관과 다른 많은 박물관들에 전시되어 있다.
그의 작품들은 상트페테르부르크에 있는 에르미타시 미술관과 우크라이나 페오도시야에 있는 아이바조프스키의 미술 작품전시관을 포함하여, 러시아와 과거 소비에트 연방 전역의 박물관들에서도 수십 점이 발견된다. 터키의 외무부 장관이었던 압둘라 귈의 장관실 벽에는 아이바조프스키의 그림들이 걸려 있다.
아이바조프스키는 31세 때, 영국인 가정교사 줄리아 그레이브스와 상트페테르부르크에서 결혼했다. 그들은 네 명의 딸을 두었다. 그들의 결혼생활이 끝나고, 아이바조프스키는 65세때, 페오도시야의 젊은 아르메니아인 과부 안나 부나지언과 재혼했다.
아이바조프스키는 1985년, 소아시아의 아르메니안들의 하미디안 대학살에 의해 짙은 영향을 받아, 몇몇 작품들은 "터키 함선의 축출", "트라브존에서의 아르메니아인 대학살" 과 같은 주제로 그림을 그리게 되었고, 콘스탄티노플에 있을 때, 모든 메달들의 수여를 거절하였다.
그는 그의 인생 후반기를 페오도시아에서 보냈다. 그는 데오도시아에서 그의 사유지로부터 마을에 불을 공급했으며, 예술 학교를 열었다. 그는 그 지역에서 첫 고고학적 유적 발굴을 시작했고, 역사 박물관을 건축했다. 그의 노력 덕분에 페오도시아에는 무역 항구가 건설되었고, 철도 기차역 네트워크가 연결되었다. 아이바조프스키는 1900년 사망하였다.
아이바조프스키는 바다 그림과 해안 장면으로 가장 잘 알려져 있다. 파도와 바다 거품의 아른아른 빛나는 움직임을 묘사하는데 있어서 그의 화법과 상상력에 특히 감탄하게 된다. 특별히 인상적인 점은 달빛이 퍼짐을 묘사하는 그의 능력은 참으로 탁월했다. 아이바조프스키 그림의 햇빛과 달빛은 대부분은 투명한 대기층에 있지만, 구름 뒤로부터 퍼지기도 하고, 안개를 지나기도 한다.
그가 그린 1840년대의 해군 전투 작품 시리즈들은 물과 구름에 반사된 불타는 배의 불길을 묘사한 것과 함께, 그의 극적인 역량을 그림의 앞 부분에 나타나게 했다. 그는 우크라이나 농부의 삶과 콘스탄티노플 시민의 삶의 장면들을 포함하여, 풍경화들도 그렸다. 몇몇 비평가들은 그의 그림은 콘스탄티노플 동양학자의 작품이라고 하며, 그의 수백 점의 그림들은 반복적이고 멜로드라마적 일 수 있는 다른 느낌이 있다고 한다.
아이바조프스키는 그의 일생동안 가장 많은 작품을 그렸다. 1900년, 그가 죽을때, 6,000 점이 넘는 작품을 남겼다. 그의 재산은 그가 예술가로써 데오도시아의 고향에서 예술 학교를 열고 전시관을 개장하는 것을 가능하게 한 성공적인 활동을 하는 동안에 축적되었다.
2006년에는, 아비아조브스키의 작품들은 3,200,000 달러 정도의 가격에 경매로 거래가 이루어지고 있으며, 그의 국제적인 명성은 계속하여 커지고 있다. 2007년 7월 14에는 그의 그림 "지브롤터 암초에 밀린 아르메니안 선박 (American Shipping off the Rock of Gibraltar)"이 2,710,000 파운드에 낙찰되어 되어, 그 가격은 "아이바조프스키 작품 중에서 경매 낙찰 최고가"이다. 그는 모든 아르메니아인 화가들의 최고의 용광로라고도 불린다.
1977년, 소비에트 천문학자 니콜라이 스테파노비치 체르닉에 의해 발견된 소행성 아이바조프스키 3787은 그의 이름을 딴 것이다. 아이바조프스키는 안톤 체홉의 바냐 아저씨 작품 활동에도 참고되었다. 러시아, 우크라이나, 아르메니아에서는 아이바조프스키의 작품이 담긴 우표가 발행되고 있다.
사람들의 풍경과 옷으로 판단하여 "분홍색"으로 만든 이 작품은 남부 이탈리아 해안을 재현하거나 적어도 그 기억에서 영감을 얻었다. 그것은 아이바조프스키가 1841년 봄 이탈리아 남부를 떠나 돌아오지 않았기 때문에 작가의 방법의 특성, 기억으로부터의 많은 유형의 글쓰기, 종종 예비 스케치 없이도 자연스러운 인상이 아닌 자신의 기억과 상상력을 보여준다.
A View of Constantinople by Moonlight, 1846. by Aivazovsky I. K. oil on canvas. 124 x 192,5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
1836년 유학을 마치고 돌아온 이반 아이바조프스키는 제국 예술 아카데미의 학자 칭호를 받았고 러시아 해군에서 화가로 일했다. 이러한 새로운 의무 덕분에 그는 러시아 선원이자 지리학자인
표도르 리트케(Fyodor Litke)와 함께 터키, 그리스, 소아시아를 방문 할 수 있었다.
이 여행을 통해 그는 새로운 영향을 흡수할 수 있었다. 이로 인해 그 다음 해에는 러시아 항해자이자 지리학자 표도르 리트케 (Fyodor Litke)
원정대와 함께 터키, 그리스, 소아시아를 방문하여 새로운 인상을 받았다.
이반 아이바조프스키는 1846년 1월 15일에
이 그림 작업을 시작했고 같은 해 3월 16일에 완성했다. 이 그림은 1846년 3월 18일 페오도시아(Feodosia)에서 화가의 예술작품 10주년 기념전에서 전시되었고 니콜라스 1세가 구입했다.
The Ninth Wave, 1850. by Ivan Aivazovsky. oil on canvas. 221 x 332 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이반 아이바조프스키가 그린 '제9의 파도(The Ninth Wave)'는 말 그대로 빛과 색채의 향연(饗宴)이다. 무지개를 구성하는 모든 색이 이 그림 속에 넘쳐난다. 화면을 비스듬히 가르며 위쪽 하늘 부분은 붉은색 계열의 난색(暖色)이, 아래 쪽 바다 부분은 청록색 계열의 한색(寒色)이 강렬한 대비를 보인다.
화면 아래쪽 중앙에 힘겹게 떠 있는 난파한 배의 돛대가 없었다면, 이 그림은 하늘과 물이 강렬한 보색 대비를 이룬 자연의 광시곡(狂詩曲)에 다름 아니다. 이 광시곡을 채우는 것은 강렬한 색채와 더불어 엄청난 소음일 것이다. 사람 키를 넘는 거대한 파도가 시야를 가리고 광포하게 밀려들며 철썩거리는 소리, 먹구름에 덮여 있는 하늘의 굉음, 배의 돛대를 부숴버리는 바람 소리가 관객들을 위태로운 생사의 기로에 선 난파선의 사람들과 공감각적으로 감정이입하게 한다.
참고로 제목인 '제9의 파도'는 파도 중 가장 높은 파고(波高)를 지닌 파도를 지칭하는 말이다. 현재와 같은 과학적인 기기를 갖춘 것도 아닌 옛 시대의 선원들은 그들만의 감각으로 폭풍우가 밀려드는 때의 불규칙한 파도를 몇 개의 단계로 구분했다. 일반적으로 고대 그리스 사람들은 제3의 파도를, 로마 사람들은 제10의 파도를 가장 치명적인 파도로 간주하였고, 고대 선원들은 제9의 파도를 가장 치명적이라고 간주했다고 한다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 14 (Academic Hall). Aivazovsky. The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
Mercury Brig Meeting a Russian Squadron after her Victory over Two Turkish Vessels, 1848. by Ivan Aivazovsky. oil on canvas. 123,5 х 190 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14. The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
1828~1829년 5월 14일에 발생한 러시아 배 "머큐리"의 영웅적인 서사시 에피소드 중 하나이다. 터키 전함 "셀리미예(Selimiye)와 "리얼 베이(Real Bey)"의 공격을 받고 알렉산더 코자르스키(Alexander Kozarsky) 중령이 지휘하는 18발의 함포 사격은 숙련된 기동과 팀의 필사적인 용기 덕분에 적에게 상당한 손실을 입혔다. 이반 아이바조프스키는 적의 군함에 많은 포탄 구멍을 뚫은 "머큐리(Mercury)"호가 러시아 군함 그룹으로 이동하는 전투의 마지막 순간을 묘사했다.
A Russian Squadron on the Sevastopole Roadstead, 1846. by Ivan Aivazovsky. oil on canvas. 121 х 191 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14. The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
1846년 5월 18일 페오도시아에서 전시회가 열렸는데, 여기서 이 작품이 발표되었다. 이 작품은 크리미아에서 1846년 1월부터 5 월까지의 기간에 작성되었다. 캔버스의 중앙이 황실의 기준을 높인 요트를 묘사하고 있다는 사실로 판단하면 사람들은 해안에 붐비고 황제를 맞이하며 요트 앞에는 흑해 함대의 배들이 퍼레이드로 줄을 섰다. 러시아 박물관에 있는 이 그림은 니콜라스 1세가 의뢰한 것이다.
이 작품에는 아직 세바스토폴 (러시아 왕관의 흑해 진주)과 다가오는 1853~1856년 크림 전쟁에서 러시아 함대의 비극적인 운명을 예고하는 것이 없다. 1841년에 발사된 러시아 흑해 선박의 기함인 "12 사도(The Twelve Apostles)"를 포함하여 130척의 함포가 1854년 세바스토폴 만 입구에서 침몰되었다. 프랑코-앵글로-터키 함대가 바다에서 세바스토폴을 장악했다.
아이바조프스키의 이 작품은 "The Twelve Apostles" 배와 관련하여 이 기간 중 가장 늠름한 모습이다. 5 척의 군용 선박이 세바스토폴에서 페오도시아(Feodosia)로 이동하여 앞서 언급한 아이바조프스키의 예술 활동 10주년 기념 작품 전시회를 축하한다.
Wave, 1889. by Ivan Aivazovsky. oil on canvas. 304 х 505 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14. The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
웅장한 캔버스 "파도(Wave)"는 아이바조프스키가 말년에 작업한 생생한 그림이다. 그림 제작 당시 작가는 이미 72세였다. 폭풍우가 몰아치는 파도의 움직임을 묘사한 화가는 자연의 사이클로 핀 힘을 존경하고 인간의 노력의 무익함을 비교하는 것 같다.
무거운 납 구름이 파도 위에 낮게 매달려 있고 심연은 부서진 배를 삼키려 한다. 탈출하려는 선원들을 위해 희망은 없어 보인다. 그림의 채색은 차갑고 우울하다. 여기서 화가는 팔레트의 초기 낭만적인 밝기에서 벗어나 현실적인 해결책에 접근한다.
2019. 08. 22. 인증샷
The Coast in Amalfi, 1841. by Ivan Aivazovsky. oil on canvas. 71 х 105 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14. The State Russian Museum, St. Petersburg, Russia.
'아말피의 해안(The Coast in Amalfi)'에서 아말피는 이탈리아 소렌토 남쪽의 살레르노 만 기슭에 있는 마을이다. 1840년 여름, 아이바조프스키는 작품을 위해 이탈리아로 보내졌다. 같은 해 가을, 그는 나폴리에 도착하여 도시 주변과 섬을 여행했다. 아이바조프스키는 나폴리 만과 살레르노 해안에서 장엄한 파노라마를 검색하는 것 외에도 그가 존경했던 화가 실베스터 셰드린 (Sylvester Shchedrin 1791~1830)의 붓이 포착한 장소를 답사하기 위해 노력했다.
The Mikhailovsky Palace, Hall 14 (Academic Hall). Karl P. Brullov. The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
Portrait of Countess Yulia Samoilova Retiring from a Ball with her Foster Daughter Amazilia Pacini. Unfinished. Before 1843. by Karl P. Brullov. oil on canvas. 249 x 176 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
백작 부인 율리아 사모일로바(Yulia Samoilova)는 자랑스러운 역사를 가진 부유한 가족으로 왕실의 친척에 속했다. 그녀는 엄청난 재산을 소유했다. 율리아 사모일로바는 니콜라이 1세(Nicholas I)와 갈등으로 이탈리아로 떠난 것으로 알려져 있다. 1820년대에 이탈리아에서 그녀는 브룰로프를 만났다. 그들의 관계는 가깝고 결혼에 대한 이야기도 있었다. 사모일로바는 자신의 자녀가 없었지만 두 명의 소녀를 입양하여 지속적으로 돌보았다.
주홍색 커튼과 이오니아식 기둥의 강력한 줄기는 공간을 첫 번째와 두 번째 구획으로 나누며 백작 부인 율리아 사모일로바의 밝고 예술적인 본성이 완전히 화려하게 드러나고 그 옆에 그녀의 양녀가 있는 장면과 비슷하다.
배경에는 중세 광대와 뱀이 얽힌 신들의 사자와 터키 옷을 입은 수염난 귀족이 있는 헤르메스를 볼 수 있다. 백작 부인이 가장 무도회를 떠나는 모습으로 묘사된다. 브룰로프(Karl Bryullov)가 우화적인 "인생의 가장 무도회"를 만들려고 한 것으로 알려져 있다.
이 테마는 환상적인 의상과 그림의 밝고 불같은 색을 모두 설명한다. 사모일로바에 대한 작가의 태도는 경외심과 경계를 이뤘다. 그는 백작 부인의 초상화를 반복적으로 그렸다. 그녀의 모습은 브룰로프의 대표작 "폼페이 최후의 날"에서도 그 특징을 알아볼 수 있다. 이 초상화는 사모일로바가 가족의 이유로 러시아에 도착한 1839~1840년 상트 페테르부르크에서 그려진 것이 분명하다.
Portrait of the Shishmareva Sisters, 1839. by by Karl P. Brullov. oil on canvas. 281 x 213 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
쉬시마레바(Shishmareva) 자매는 상트 페테르부르크에서 가장 부유한 상인 중 한명인 세바 야코블레브(Savva Yakovlev)의 손녀였다. 이 그림은 브룰로프의 가장 훌륭하고 공식적인 초상화 작품 중 하나다. 이 작품은 뛰어난 소질과 풍부하고 세련된 색채에 대한 브룰로프의 재능을 보여준다.
Portrait of Grand Duchess Elena Pavlovna, née Princess Friederike Charlotte of Württemberg, Wife of Grand Duke Mikhail Pavlovich, with her Daughter Grand Duchess Maria Mikhailovna, 1830. by Karl P. Brullov. oil on canvas. 265 x 185 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
러시아 대공비 엘레나 파블로브나(Elena Pavlovna 1784~1803)는 러시아 제국의 수도인 상트 페테르부르크에서 태어났다. 그녀는 또한 매우 아름다워서 할머니인 황후 캐서린이
그녀의 이름을 트로이의 헬렌의 이름을 따서 지었다.
어린 시절 엘레나는 집에서 사적으로 교육을 받았으며, 첫해의 교육은 러시아의 강력한 캐서린 2세인 친할머니가 감독했다 . 그녀의 시대에 다른 왕족과 마찬가지로 대공비(Grand Duchess)의 교육은
주로 예술, 문학 및 음악에 중점을 두었다. 그녀의 진정한 삶의 목적은 결국 결혼을 잘하고 남편이 될 자녀를 낳는 것이다.
1779년 5월 5일 엘레나 대공비는 잘 생긴 남자이지만 본질적으로 소박하고 무지하지만 좋은 사람인 메클렌부르크 세습 왕자와 약혼하고 1799년 10월 23일 결혼했다. 이 초상화는 1829년 로마에 있는 엘레나 파블로브나 대공비가 로마에 체류했을 때 제작되었다.
Narcissus looking at the water, 1819. by Karl P. Brullov. oil on canvas. 162 x 209.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
칼 브룰로프 (Karl Pavlovich Brullov)에 대한 일화는 톨스토이(Leo Tolstoy)의 에세이에도 나와 있다. 1836~1848년 아카데미에서 가르치는 동안 그는 신고전주의적 단순함과 잘 어우러진 낭만적인 경향을 결합한 초상화 스타일을 개발했으며, 사실주의에 대한 그의 성향은 흥미로운 수준의 심리적 통찰력에 만족했다.
그가 성 이삭 대성당의 철탑에서 작업하는 동안 그의 건강은 갑자기 악화되었다. 의사들의 조언에 따라 브룰로프는 1849년 러시아를 떠나 그의 생애의 마지막 3년을 이탈리아 마데이라에서 보냈다. 그는 로마 근처의 만찌아나(Manziana) 마을에서 죽었고 그곳의 개신교 묘지(Cimitero Acattolico)에 묻혔다.
이 작품은 수선화의 신화를 묘사하고 있다. 수선화의 신화는 자신의 성찰에 반한 놀라운 아름다움을 지닌 청년의 이야기를 고찰한다. 신화에서 자주 발생하는 것처럼, 이 전설은 하나 이상의 의미를 가지고 있다. 자기의 지식이나 사랑, 예술, 인간의 영원한 문제, 허영심에 대해 이야기한다. 이러한 이유로 입증된 단순성에도 불구하고 수선화의 신화는 여전히 관련이 있다. 자신의 성찰에 사랑에 빠진 유난히 아름다운 청년은
우리에게 그를 주의 깊게 묵상하도록 초대한다.
수선화 신화에는 여러 버전이 있으며 모두가 이것이
비범한 아름다움을 지닌 청년이라는 데 동의한다. 남녀 모두를 매료시킬 수있는 아름다움, 그러나 얻을 수없는 아름다움, 수선화는 어떤 사랑의 발전에도 대응하지 않았기 때문이다.
어느날 여신 람누시아는 그를 숲의 어두운 구석에 숨겨져 있는 돌이킬 수 없는 샘으로 유인했다. 티레시아스가 예상했던대로 나르시스가 자신을 만날 수 있는 아름다운 장소. 오비드(Ovid)는 다음과 같이 말한다.
"여기 소년은 사냥의 수고로 피곤하고 더위에 엎드려서 그 장소의 아름다움과 봄이 흘렀고 그의 갈증이 진정되는 동안 소원, 갈증이 커지고 술을 마시면서 그녀를 보며 이미지에 사로 잡혔다. 몸이 없는 희망은 그 아름다움을 사랑한다. 몸은 그것이 있는 그대로라고 생각한다."
서로 만나는 것만으로도 사로잡혔다. 그는 자신의 반성에 미친 듯이 사랑에 빠졌다. 그러나 그것은 인식되지 않았다. 그는 물 속에 사는 또다른 젊은이라고 생각했다. 그녀는 그를 껴안고, 만지고, 키스하려고 했다. 단지 봄의 표면만이 그들을 분리시켰다. 무슨 일이 일어나고 있는지 깨닫는 데 시간이 걸렸다. 수선화는 그의 지능이 아니라 그의 아름다움으로 두드러졌다.
Portrait of Count Alexei Tolstoy in his Youth, 1836. by Karl P. Brullov. oil on canvas. 134 x 104 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
러시아 시인, 소설가 및 극작가였다. 먼 친척인 레오 톨스토이만큼 국제적으로 유명하지는 않았지만 그는 동시대의 많은 사람들이 지나치게 친 슬라브였던데 비해 이런 스타일을 피하면서 상당한 업적을 기록한 작가였다.
알렉세이 톨스토이는 상트 페테르부르크에서 유명한 톨스토이 백작의
가문에서 태어나 "백작"이라는 칭호를 물려 받았다. 그의 어머니 페로브스카야(A. A. Perovskaya)는 1816년에 나이 든 홀아비였던 톨스토이(K. P. Tolstoy) 백작과 결혼했지만 곧 헤어졌습니다. 알렉세이 톨스토이는 생후 6 주가 되었을 때 어머니와 함께 외삼촌인 페로브스키(A. A. Perovskiy) 집에서 8세가 될 때까지 자랐다. 그런 다음 그는 상트 페테르부르크로 돌아갔다.
곧 삼촌의 인맥의 도움으로 그는 같은 나이 또래인
미래의 황제 알렉산더 2세(Alexander II)를 소개받았다. 알렉세이 톨스토이는 고귀한 배경을 가진 다른 아이들 사이에서
어린 왕자의 주말 놀이 친구가 되었다. 이 관계는 알렉세이 톨스토이의 평생 동안 지속되었다. 뿐만 아니라 알렉산더 2세의 아내인 마리아 알렉산드로브나(Mariya Alexandrovna) 황후는 알렉세이 톨스토이의 재능에 높은 경의를 표하게 된다.
1826년 알렉세이 톨스토이는 어머니와 삼촌과 함께 유럽을 여행했다. "그랜드 투어"는 부유한 러시아 귀족 가족을 위한 전통이었다. 독일에서 그는 노인이 된 괴테(Johann Wolfgang von Goethe)를 방문하였다. 이탈리아는 예술, 건축 및 아름다운 도시로 소년에게 큰 인상을 남겼다. 그들이 방문한 모든 마을에서 알렉세이 톨스토이는 점점 더 예술에 관심을 갖게 되었다.
알렉세이 톨스토이는 1836년 모스크바 대학교를 졸업하고
독일에서 러시아 외교 사절단에 임명되었다. 그해에 그의 삼촌은 죽었고 그에게 상당한 재산을 남겼다. 1850~1851년 겨울, 그는 궁전 무도회에서 기병 대령의 아내인 소피아 밀러를 만났다. 알렉세이 톨스토이의 전체 가사 시가 그녀에게 전달되었다. 두 사람 사이에 로맨스가 폭풍우 치듯 밀려왔고 후에 소피아는 남편을 떠났다. 소피아가 이혼하지 않았기 때문에 한동안 두 사람은 공식적으로 결혼할 수 없었다.
1861년 그는 시를 쓰는 데 더 많은 시간을 할애하기 위해 퇴직했다. 황제와의 친밀한 우정에도 불구하고 그는 진정한 목적없이 평안한 삶을 살면서 단지 예의 중 한 사람이 되는 것에 만족하지 않았다. 알렉세이 톨스토이가 공적인 경력을 더 쌓고 싶었다면 아마도 정치적으로 중요한 인물이 될 수 있었을 것이다. 하지만 그는 "예술"에 집중하고 싶어 했고 자신의 글쓰기에 전념했다.
이런 이유로 궁정 시인의 삶에 대한 그의 첫 번째 장편 시 "이오안 다마신(Ioann Damaskin)"은 부분적으로 자전적이었다. 알렉세이 톨스토이의 글이 계속됨에 따라 그의 문학적 명성은 더 높아졌다.
1854~1855년에 그는 그의 사촌 두 명과 협력하여 코즈마 프룻코프(Kozma Prutkov)라는 공동 필명으로 러시아 관료제에 대한 풍자를 써서 출판했다. 그의 역사 소설 <무법자의 왕자>는 이반 대제의 끔찍한 통치 기간에 관한 것이다. 톨스토이가 어떤 부분을 기여했는지 구분하기는 매우 어렵지만
그는 훌륭한 유머 감각으로 유명했다. 가장 유명한 시 중 일부는 1860년대의 경향에 대해 공개적으로 표현된 아이러니로 가득 차 있어 필연적으로 많은 비판을 불러 일으켰다.
풍자 외에도 그는 발라드, 역사 소설 등을 썼다. 그의 작품의 대부분은 슬라브 주제로 가득 차 있다. 그는 1875년 9월 28일 천식, 협심증 및 신경통으로 인한 통증 완화로 처방된 모르핀 과다 복용으로 사망했다.
브룰로프는 이 작품에서 자신이 좋아하는 취미인 사냥으로 알렉세이 톨스토이를 그렸다. 톨스토이의 걸음 걸이는 가볍고 움직임은 부드럽고 탄력적이다. 그는 사냥용 재킷, 어깨에 매달린 트로피 가방, 손에 라이플을 착용하고 있다. 톨스토이의 표백된 얼굴과 팔은 가볍고 부드럽게 모델링되었다. 얼굴의 길쭉한 타원형과 손의 모양은 모델의 귀족성을 강조한다.
이를 구성하는 천의 문양과 색채의 부드러움과 멀리 바라보는 몽환적인 시선, 짧은 획으로 전달되는 머리카락, 넓고 감성적으로 펼쳐지는 풍경 등은 예술가가 그린 강아지와 함께 주인을 정성스럽게 바라보고 있다. 사냥꾼의 얼굴에 기쁨이 보인다.
톨스토이 자신이 나중에 말했듯이, 예술에 대한 그의 관심, 그리고 무엇보다도 문학 추구에 대한 그의 관심은 사냥에 대한 열정과 결합되어 자신의 시의 낙관적인 방향에 빚을 졌다고 생각했다.
Alexei Perovsky, Pseudonym Anthony Pogorelsky, 1836. by Karl P. Bryullov. oil on canvas. 136 x 104 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
알렉세이 페로브스키(Aleksey Alekseevich Perovsky 1787~1836)는 안토니 포고렐스키(Anthony Pogorelsky)라는 가명으로 작품을 쓴 러시아의 유명한 작가이다. "작은 러시아의 두 배 또는 나의 저녁"(1828), 동화 "검은 암탉 또는 지하 거주자", 소설 "모나스 티르카"(1830-1833)의 저자.
알렉세이 라주모프스키 (Alexei Kirillovich Razumovsky)와 마리야 소볼레브스카야(Marya Mikhailovna Sobolevskay) 사이에 태어나 집에서 훌륭한 교육을 받은 그는 1805년 모스크바 대학교에 입학했다. 1807년에 그는 철학 및 언어과학 박사 학위를 받았고 러시아어, 독일어 및 프랑스어 3개 과목을 강의했다.
이 초상화는 1835년 12월 25일에 브룰로프가 도착한 모스크바에서 그려졌고 1836년 5월 11일 이전에 완성되었다. 페로브스키는 풍경을 배경으로 창가에 앉아 있는 것으로 묘사된다. 그의 시선은 다소 긴장되고 세심하며 포즈는 자유롭고 매력적인 얼굴이다.
Portrait of Princess Z. A. Volkonskaya, 1842. by Karl P. Bryullov. oil on canvas. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
지나이다 볼콘스카야는 러시아의 작가, 시인, 가수, 작곡가, 미용사 및 공주였다. 그녀는 19세기 러시아 문화 생활에서 중요한 인물이었다. 그녀는 아마추어 오페라 가수로 파리와 런던에서 공연했다.
지나이다 볼콘스카야는 토리노에서 러시아 대사인 알렉산더 벨로저스키(Alexander Beloselsky-Belozersky) 왕자의 가족으로 태어났다. 지나이다는 러시아의 알렉산더 1세 황제와 가까웠는데, 아마도 연인일 것이라는 소문이 돌았다. 이런 소문을 막기 위해 지나이다는 1810년 알렉산더 황제의 보좌관인 니키타 볼콘스키 (Nikita Grigorievich Volkonsky 1781~1844)왕자와 결혼했다.
지나이다는 1817년에 러시아로, 1822년에 모스크바로 이사했다. 1820년대에 지나이다는 모스크바의 트베르스카야 거리에 문학 및 음악 살롱을 개관했다. 폴란드의 시인, 극작가, 수필가였던 아담 미키에 비츠 (Adam Bernard Mickiewicz 1798~1855), 러시아 최고의 사상 시인 예브게니 바라틴스키 (Yevgeny Baratynsky 1800~1844), 러시아의 낭만주의 시인 드미트리 베네 비티 노프 (Dmitry Venevitinov 1805~1827), 러시아 근대문학의 창시자 알렉산더 푸쉬킨 (Alexander Pushkin 1799~18387) 등은 그녀의 집을 자주 방문했다.
푸쉬킨이 그녀에게 보낸 "음악과 아름다움의 여왕"이라는 구절 서신은 잘 알려져 있다.
알렉산더 1세가 죽은 후 지나이다의 시동생 세르게이 볼콘스키 (Sergei Grigorievich Volkonsky 1788~1865) 왕자는 후계자 니콜라스에 대한 데카브리스트 혁명(Decembrist Revolt)을 이끌었다. 데카브리스츠(Decembrists)들은 시베리아로 추방되었고
그들의 아내는 그들을 따르기로 결정했다. 지나이다는 이 여성들을 위한 작별 파티를 열었고 니콜라스 1세의 불만을 불러일으켰다. 그녀는 또한 러시아 정교회에서 가톨릭교로의 비밀 개종자이자
예수회 요원일 가능성이 있다는 의심을 받았다.
이러한 압력으로 인해 1829년 지나이다는 로마로 이주했다. 그녀는 아들과 아들의 교사인 스테판 셰비료프(Stepan Shevyrev 1806~1864)를 동반했다. 로마에 있는 그녀의 숙소 중에는 이탈리아에서 유명한 트레비 분수의 배경 건물인 팔라조 폴리(Palazzo Poli), 빌라 볼콘스키(Villa Wolkonsky) 등이 있다. 지나이다 공주는 1830년대에 팔라조 폴리(Palazzo Poli)에서
호화로운 파티를 연 것으로 유명하다.
그녀의 살롱은 러시아 화가 칼 브룰로프(Karl Brullov)와 알렉산더 이바노프(Alexander Ivanov), 덴마크의 유명한 조각가 베르텔 토르발드센(Bertel Thorvaldsen 1770~1844), 이탈리아 화가 빈센조 카무치니 (Vincenzo Camuccini 1771~1844), 프랑스 작가 스탕달 (Stendhal 1783~1842), 스코틀랜드의 시인, 극작가, 역사 소설가 월터 스콧 (Sir Walter Scott 1771~1832)이 자주 방문했다. 러시아의 대문호 니콜라이 고골 (Nikolai Gogol 1809~1852)은 지나이다의 빌라에서 "죽은 영혼(Dead Souls)의 많은 부분을 썼다.
지나이다 볼콘스카야 공주는 폐렴으로 사망했으며 트레비의 성도 빈센조와 아나스타시오(Santi Vincenzo e Anastasio a Trevi) 성당에 묻혔다. 지나이다는 죽음 이후에 시성(beata) 되었다. 그녀의 영문 전기 "지나이다 볼콘스키 공주의 생애 (A life of Princess Zinaida Volkonsky"는
1998년에 등장했다.
Self-Portrait, 1849. by Karl P. Bryullov. oil on canvas. 64.1 x 54 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
1849년의 칼 브률로프(Karl P. Bryullov) 자화상은 심각한 병을 앓고 나서 그린 것이다. 그는 자신의 운명에 대한 씁쓸한 반성, 삶에 대한 환멸,
까다로운 주인에 대한 창의적인 불만의 결과였다. 그 구성과 고대 의복으로 예술가의 낭만적인 이미지는 루벤스의 초상화와 비슷하다. 작가는 매우 빠르게 작업했다. 트레티야코프 갤러리에 있는 자화상은 단 2시간 만에 그린 것으로 알려져 있다. 이 자화상은 브률로프의 제자 루카쉐비치(N. A. Lukashevich)가 옷과 배경을 그리고 브률로프는 손과 머리를 그렸다고 한다.
Italian Midday (Italian Girl Picking Grapes), 1827. by Karl P. Brullov. oil on canvas. 64 x 55 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이탈리아 정오 - 포도를 따는 이탈리아 소녀는 칼 브룰로프의 작품이다. 이 작품에서는 단순한 이탈리아 여성이 모델이 되었다. 브룰로프는 맑은 정오의 햇살 아래 진짜 포도원에서 이 그림을 그렸다. 이 단순한 일상의 줄거리에서 자연에서 일하는 작가는 단순하고 일상적인 것에서 아름다운 것을 찾았다.
Girl picking grapes in the vicinity of Naples, 1827. by Karl P. Brullov. oil on canvas. 62 x 52.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
이탈리아에 머무르는 첫 해에 칼 브룰로프는 고
대 역사의 신화적 주제와 함께 장르 회화로 바꾸었다. 그는 존재의 기쁨을 전달하는 장르 장면을 만든다. 많은 낭만주의의 특징인 인간과 자연을 합치는 아이디어는 브룰로프가 "나폴리 근처에서 포도를 따는 소녀"라는 작품에서 표현되었다. 낭만적이고 동시에 낙관적인 디자인, 미묘한 그림 구조, 시적 인토네이션으로 가득차 있음에도 불구하고 전임자로부터 예술가가 물려받은 고전주의의 견고한 기초를 유지한다.
Self-Portrait, 1833. by Karl P. Brullov. oil on canvas. 56.5 x 43 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
1833년 브레라 갤러리에서 "폼페이 최후의 날" 그림을 전시 한 후, 브룰로프는 밀라노와 피렌체의 미술 아카데미, 볼로냐와 파르마의 예술 아카데미의 명예 회원으로 선출되었다. 동시에 피렌체의 우피치 갤러리는 16세기부터 존재해 온 유명한 자화상 컬렉션을 위해 작가의 초상화를 요청했다. 이 초상화는 우피치 갤러리에 출품하기 위한 것이었다.
Portrait of Grand Duchess Alexandra Nikolaevna, 1837–1844. by Karl P. Brullov. oil on canvas. 90 x 71.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
러시아 대공비 알렉산드라 니콜라에브나 (Alexandra Nikolaevna 1825~1844)는 러시아 황제 니콜라스 1세(Nicholas I)와 알렉산드라 페오도로브나(Alexandra Feodorovna)의 막내 딸이다. 알렉산드라는 재치 있고 활기찬 성격으로 상트 페테르부르크 사회에서 유명했다. 그녀는 또한 유명한 소프라노 헨리에트 손탁(Henriette Sontag)의
레슨을 받을 수 있을 만큼 성악에도 재능이 있었다 . 그녀는 아버지 니콜라스 1세가 가장 좋아하는 사람이었다.
1844년 1 월 16일에 그녀는 헤세(Hesse-Kassel)의 왕자인 프레드릭 윌리엄(Friedrich Wilhelm 1820~1884)과 결혼했다. 알렉산드라는 결혼식 직전에 결핵으로 심하게 앓았으며 곧 임신이 복잡해졌다. 그녀는 헤세(Hesse)로 가서 남편과 함께 새로운 직책을 맡을 만큼 건강하지 못했다. 그들은 상트 페테르부르크에 머물렀고 그녀의 건강은 급격히 나빠졌다.
그녀는 출산 예정일 3개월 전에 조산에 들어가 아들 빌헬름을 낳았다. 아기는 태어난 직후 죽었고 알렉산드라는 같은 날 늦게 죽었다. 그녀는 부모의 자녀 중 처음으로 사망했다. 그녀의 부모는 슬픔에 빠져 황폐해졌고 이러한 상태는 그들의 삶이 끝날 때까지 지속되었다. 그녀는 상트 페테르부르크의 피터와 폴 요새(Peter and Paul Fortress)에 묻혔다.
Portrait of Alexandra Feodorovna, wife of Nicholas I, Study for an unrealized group portrait, 1837. by Karl P. Brullov. oil on canvas. 39.5 x 35 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
알렉산드라 페오도로프나 (Alexandra Feodorovna (1798~1860)는 프로이센 왕 프레데릭 빌헬름 3세(Frederick Wilhelm III)와 루이스 여왕(Queen Louise)의 딸로 1817년 러시아 대공이자 후에 황제가 되는 니콜라스 1세(Nicholas I)와 결혼했다. 결혼은 주로 러시아와 프로이센의 정치적 연합을 강화하는 목적으로 이루어졌지만 그녀는 행복하고 만족한 결혼 생활을 영위했다.
1826년 그녀는 러시아 황후가 되었고, 1828년부터 파울 1세(Paul I)의
아내이자 시어머니인 마리아 페오도로브나(Maria Feodorovna) 황후가
사망한 후 그녀의 관할권에 있는 자선 기관의 수탁자가 되었다. 상트 페테르부르크의 알렉산드린스키 극장은 알렉산드라의 이름을 따서 명명되었다.
Portrait of Grand Duchess Maria Nikolaevna, Eldest Daughter of Nicholas I and
Later Wife of Duke Maximilian Josephe Eugene of Leuchtenberg and Count Grigory Stroganov Study for an unrealized group portrait. 1837. by Karl P. Brullov. oil on canvas. 47 x 38.5 cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
러시아 대공비 마리아 니콜라예브나 (Grand Duchess Maria Nikolaevna 1819~1876)는 니콜라스 1세(Nicholas I) 황제의 장녀이자 알렉산더 2세의 누이였다. 그녀의 부모인 러시아의 차르 니콜라스 1세와 프러시아의 샬롯 공주로 태어난 알렉산드라 페오도로브나 황후는 서로에게 그리고 자녀들에게 헌신했다. 그들은 따뜻하고 다정한 부모였지만 지나치게 탐닉하는 것은 피했다. 니콜라스 1세는 그들과 함께 합창하는 것을 좋아했다.
마리아 니콜라예브나는 자매 올가(Olga)와 함께 자랐다. 겨울 궁전 1층에 위치한 그들의 방은 소박하고 사치스러웠다. 소녀들은 사계절 내내 신선한 공기와 환경에서 자랐고 요리사들은 식단을 조절했다. 수업은 오전 8시에 시작되었다. 마리아(Maria)의 교육은 이전에 알렉산드라 페오도로브나(Alexandra Feodorovna)의 러시아어 교사였던 자유주의 개인 상담가이자 시인 바실리 주코프스키(Vasily Zhukovsky)의 감독 하에 진행되었다. 주코프스키는 죽을 때까지 왕실과 긴밀한 관계를 유지했다.
마리아와 그녀의 자매들은 춤, 음악, 그림 수업을 받았다. 그녀의 어린 시절 스케치북 (1826~1830)은 지금까지 남아 있으며 미국에 살고 있는 그녀의 후손들의 손에 있다. 꽤 잘 그린 대공비 마리아는 나중에 수채화로 만들었다. 그녀는 예술에 대한 사랑을 잃지 않았고, 수혜자이자 예술 수집가가 되었다. 예술적으로 재능이 있는 그녀는 자신의 개인적인 스타일로 방을 꾸며 인테리어 디자인에 초기 관심을 보였다.
그녀는 나중에 상트 페테르부르크의 궁전을 도시에서 가장 아름다운 궁전으로 만들었다. 세 자매는 모두 음악적 능력이 있었고 자선 활동에 참여했다. 1835년부터 대공비 마리아는 엘리자베스 알렉세예프나 황후에 의해 설립된 애국자 사회의 활동적인 일원이었다. 이사회는 때때로 겨울 궁전에 있는 마리아의 방에서 만났다.
1839년 그녀는 로이히텐베르크(Leuchtenberg) 공작 막시밀리안(Maximilian)과 결혼했다. 막시밀리안은 나폴레옹 1세의 첫 아내인 조세핀(Josephine) 황후의 손자로 인물이 잘 생겼고 교육을 잘 받았으며 문화적 추구에 관심이 있었다. 올가 대공비가 일기에 기록한 것처럼 그는 외모와 매너로
마리아 니콜라예브나에게 깊은 인상을 남겼다.
하지만 러시아 황제의 딸에게는 바람직한 혼사가 아니었다. 막시밀리안은 왕족 이하였으며 또한 정통파가 아닌 로마 카톨릭이었고 그의 가족, 특히 바이에른의 어머니 아우구스타 공주는 이 결혼에 반대했다.
더욱이 보나파르트 가문은 러시아의 적이었다. 그럼에도 불구하고 차르는 그의 딸이 러시아를 떠나
해외에서 살지 않겠다는 조건으로 결혼을 허가했다. 로이히텐베르크 공작은 통치하는 가족의 일원이 아니기 때문에
상트 페테르부르크에 거주하기가 쉬웠다.
결혼식은 1839년 7월 2일 겨울 궁전의 웅장한 교회에서 열렸다. 그들의 결혼식 날 니콜라스 1세는 마리아에게 자신의 궁전을 선물하기로 결정했다. 황제는 모이카(Moika) 강 유역에 있는 성 이삭 대성당 맞은 편에 전략적으로 위치한 상트 페테르부르크 중심의 한 부지를 선택했다. 건축가 안드레이 스태컨스나이더(Andrei Stackensneider)가
특별히 의뢰한 젊은 부부를 위해 비용을 아끼지 않았으며,
차르가 딸을 매일 방문할 수있을 만큼 겨울 궁전과 가까웠다.
이 궁전은 1844년 말에 완성되었으며 마리아 니콜라예브나의
이름을 따서 마린스키 궁전으로 명명하였다. 그들의 궁전이 건설되는 동안 마리아는 세 자녀를 낳았다. 부부는 보론초프(Vorontsov) 궁전에 살았다.
그랜드 공작 부인은 그녀의 취향과 우아함을 보여주면서 그녀의 집 장식에 주도적인 역할을 했다. 마리아 니콜라예브나는 순환 다리 문제로 고생했기 때문에 마린스키 궁전은 메인 룸에서 멀리 떨어진 3층을 모두 연결하는 오른쪽 날개에 계단이 설치되지 않게 설계되었다. 궁전은 예술 작품과 가족 유물로 가득차 있었으며 그중 일부는 조세핀 황후에게서 물려 받았다. 마리아 니콜라예브나는 화려한 파티, 연극 공연 및 콘서트를 조직했다.
마리아 니콜라예브나와 그녀의 남편은 예술적 성향이 있었고
자선 및 예술 활동에 적극적이었다. 마리아의 남편은 러시아 전역에서 과학자로 유명해졌다. 그는 과학에 관심을 갖고 광산 기술을 공부했으며 과학 아카데미의 회원이 되었다. 1844년 니콜라스 황제는 그를 광업 공학 부서의 책임자로 임명했다. 1843년 그는 예술 아카데미 회장으로 임명되었다. 마리아는 남편의 업적을 자랑스럽게 생각하며 그를 학자라고 불렀다. 그러나 1840년대 후반에 이 부부는 헤어졌다.
마리아 니콜라예브나는 1854년 그레고리 알렉산드로비치 스트로고노프 (Grigori A. Stroganov 1824~1879) 백작과 두 번째 결혼을 했다. 하지만 그녀의 아버지 니콜라스 황제가 사는 동안 비밀로 유지되었다. 공식적으로 결혼은 니콜라스 1세가 사망한 1856년 11월 16일까지 이루어지지 않았다.
마리아는 오빠인 알렉산더 2 세에게 두 번째 결혼을 인정하고 그들이 러시아에서 살도록 허락 해달라고 간청했지만 허락받지 못했다. 대신 그는 결혼에 대한 비밀을 유지하면서 해외에서 계속 살 것을 제안했다. 1862년에 마리아 니콜라예브나는 이태리 피렌체에 자리를 잡았다. 그들은 거의 매일 박물관, 개인 소장품 및 골동품 상인을 방문했다. 이탈리아에서 마리아 니콜라예브나는 집을 완전히 개조하기 위해 그림, 조각품 및 가구를 구입하는 데 열성적이었다.
마리아 니콜라예브나는 정맥류 또는 일종의 뼈 질환으로 고통을 받았고 1876년 2월 21일 상트 페테르부르크에서 56 세의 나이로 사망했다.
Portrait of Grand Duchess Yekaterina Mikhailovna, Later Wife of Grand Duke Georg of Mecklenburg-Strelitz Not over yet. 1845 (6?). by Karl P. Brullov. oil on canvas. 43 (Circle) cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
러시아 대공비 예카테리나 미하일로브나 (Grand Duchess Ekaterina Mikhailovna 1827~1894)는 러시아 대공 마이클 파블로비치 (Grand Duke Mikhail Pavlovich)와 대공비 엘레나 파블로브나 (Grand Duchess Elena Pavlovna)의 셋째 딸이었다. 그녀는 또한 메클렌부르크-스트렐리츠(Mecklenburg-Strelitz) 가문의 게오르그 아우구스트(Georg August) 대공의 아내였다.
그녀는 훌륭한 자선가였으며 그녀가 지원하고 창설하는 데 도움을 준 많은 조직이 오늘날에도 여전히 운영되고 있다.
Portrait of Tsarevna Maria Alexandrovna, Second half of the 1840s. by Karl P. Brullov. oil on canvas.
43 (Circle) cm. The Mikhailovsky Palace, Hall 14, The State Russian Museum in St. Petersburg, Russia.
마리아 알렉산드로프나 (Maria Alexandrovna 1824~1880)는 알렉산더 2세 황제의 첫 아내이자 정치 고문으로 러시아의 황후였다. 그녀는 러시아 적십자사의 창시자 중 한 명이었다.
니콜라스 1세가 사망한 후 마리아 알렉산드로프나는 러시아 황후가 되었고 지성으로 유명했다. 그녀는 러시아 적십자 기금을 조직하고 확장했고 러시아 최초의 여성학교를 설립했으며 알렉산더 2세가 농노 제도를 종식하도록 도왔다. 하지만 그녀는 1863년 부터 결핵에 시달렸고 혹독한 겨울을 피하기 위해 남부 유럽에서 오래 머무르며 장남 니콜라스 알렉산드로비치가 사망한 후 병이 더욱 악화되었다.
그녀와 그녀의 남편은 얼마 지나지 않아 비공식적으로 헤어졌지만 마리아는 살아남은 가족으로부터 존경과 사랑으로 대우를 받았다. 상트 페테르부르크 마린스키 극장과 마린스키 궁전(Mariyinsky Palace)은 그녀의 도움으로 지어졌고 그녀의 이름을 따서 명명되었다.
[영상] Hall 13 in State Russian Museum, St. Petersburg, Russia
