최민화 이야기와 영상 만들기

11~18세기 러시아 성상화 <이콘>

The Virgin of Vladimir. 1130s. 블라디미르의 성모. by 콘스탄티노플 화파. 목판에 템페라. 104 × 69 cm. 

이콘화는 단순한 예술 작품이 아니라 기조의 대상이며 숭배의 대상이다. 
러시아인들은 집안에서 가장 성스러운 곳인 집안의 동쪽 아름다운 모서리란 뜻의 
크라스느이 우골(красный угол, red corner)에 이콘을 모시고 초를 켜 놓고 항상 기도를 한다. 
자신의 일신부터 국가의 큰 일까지 기도하고 그렇게 하면 신의 보호를 받는다 믿는다. 
보통 전쟁이 나도 이콘을 행렬 밴 앞에 두고 전쟁의 승리를 기원한다. 

<블라디미르의 성모> 이콘은 콘스탄티노플 화파의 한 화가가 그린 것으로, 
1131년 콘스탄티노플의 총대주교 크리소베르게스가 

키예프 러시아의 대공 유리 돌고루키에게 선물한 것이다. 
돌고루키의 아들 보골륩스키 대공이 1155년 블라디미르로 가져와 

<블라디미르의 성모>라는 이름을 얻었다.

이 이콘이 크게 명성을 떨치게 된 것은 1395년 티무르의 모스크바 침입 때다. 
이콘을 블라디미르에서 모스크바로 급히 옮겨온 뒤 

대공 바실리 1세는 그 앞에서 밤새 울면서 기도했다. 
그러자 티무르 군대가 전투 한번 치르지 않은 채 퇴각해 버리고 말았다고 한다. 
기적에 놀란 모스크바 사람들은 이 이콘을 블라디미르로 돌려주기를 거부했고, 
결국 모스크바가 계속 간직하게 됐다. 

이 이콘을 통한 성모의 보호 역사는 1451년과 1480년 

타타르 무리의 침입 때도 반복적으로 나타났다. 
심지어는 1941년 독일군이 모스크바로 진격해 왔을 때 스탈린이 이 이콘을 비행기에 실어 
주변 상공을 비행하도록 하자 며칠 뒤 독일군이 퇴각했다는 이야기도 있다.

정교회는 이런 기적이 하나의 그림으로서 이콘 자체가 행하는 것은 아니라고 말한다. 
사람들이 이콘을 공경하는 것은 그림 속의 성인을 영예롭게 하기 위한 것이지 
그림을 영예롭게 하기 위한 것이 아니며, 기적이 나타나는 것도 
성인들의 기도를 통해 신이 역사한 것이지 그림 자체가 역사한 게 아니라는 것이다. 
그럼에도 <블라디미르의 성모>를 끝내 돌려주지 않은 모스크바 사람들의 태도가 시사하듯 
이콘은 단순한 기적의 매개 수단을 넘어 그 자체가 기적의 중요한 근거가 되곤 한다.

<블라디미르의 성모> 사례에서 보듯 다른 이콘을 놔두고 

굳이 특정한 이콘에 집착하는 것은 그만큼 그게 더 ‘영험’하다고 믿기 때문이다. 
그런 점에서 이콘을 향한 신도들의 열정은 그림 속의 예수와 성모, 성인들을 향한 열정일 뿐 아니라, 
이 험하고 불안한 세상에서 나를 지켜 줄 구체적이고 물리적인 증표에 대한 열정이기도 한 것이다.
정교회 못지않게 교회를 성상들로 장식해온 가톨릭교회 역시 성상 공경이 성상 자체가 아니라 
예수와 성인들을 공경하는 것이라는 입장을 지니고 있다. 
다만 성상의 기능과 관련해 기적보다는 교육적 역할에 더 큰 관심을 쏟았다. 

“가난한 자들을 위한 성서”라는 가톨릭교회의 표현이 시사하듯 성화나 성인 조각상은 
글을 읽지 못하는 신자들을 위한 훌륭한 교육 수단이었다.
기적의 매개물로는, 가톨릭의 경우 성상보다 

성인들의 유해를 비롯한 성유물을 훨씬 더 중요하게 다루었다. 
유럽의 성당이나 수도원은 예부터 예수의 수의, 십자가 조각, 못, 아기 예수의 음경 포피, 
모세의 지팡이, 성인들의 유해 등 갖가지 성유물을 적극적으로 수집했다. 
그 열기의 과격성은, 중세부터 서유럽 시장에 넘친 예수의 십자가 조각들을 다 합하면 
로마 거리를 포장하고도 남을 거라는 주장이나 1231년 튀링겐의 성 엘리자베트가 죽었을 때 
마르부르크 시민들이 유해 쟁탈전을 벌여 성녀의 머리카락뿐 아니라 
손톱, 손가락, 귀, 젖꼭지까지 잘라 갔다는 기록에서 생생히 확인할 수 있다.

The Virgin of Vladimir - Detai(부분) 

<블라디미르의 성모>는 가장 많이 사랑받는 정교회의 성화상 가운데 하나이자 
비잔티움 양식 초상의 전형적인 예이다. 
블라디미르의 성모 축일은 6월 3일이다. 
심지어 다른 유명한 성화들 가운데 블라디미르의 성모 성화를 모방하는 것들이 많으며, 
이러한 경우는 수세기 동안 지속되었다. 
많은 모방작들은 지금도 예술적, 종교적 중요성을 가지고 있다. 
블라디미르의 성모 성화는 어린 시절의 예수 그리스도가 자신의 어머니인 성모 마리아와 
뺨을 맞대는 모습으로 그려져 있는데, 이는 성모자의 다정한 한때를 표현한 것이다.

<블라디미르 성모>는 12세기 콘스탄티노플에서 키예프로 전해진 이콘이다. 
1395년 모스크바는 몽고의 지배 하에 있었는데 그 해 모스크바 대공국의 
유리 돌고루키 대공이 블라디미르에 있던 이 이콘을 모스크바로 가져온다. 
신기하게도 그때부터 몽고군이 퇴각하기 시작했다. 
그래서인지 이 <블라디미르 성모>를 가장 성스러운 러시아 이콘이라 칭송한다. 
블라디미르 성모는 트레차코프 미술관 소장이지만 
현재 트레차코프 미술관 교회에 전시되어 있다. 
<블라디미르 성모>는 말로 형언할 수 없는 아름다움과 성스러움을 지니고 있어 
한 번이라도 보게 되면 이 이콘의 아우라에 경배심마저 가지게 된다고 한다.
이 성화는 약 1131년경, 콘스탄티노폴리스 총대주교 루카 크리소베르게스가 
키예프 대공 유리 돌고루키에게 선물로 주었다.

The Saviour. 구세주. 1410s. by Andrei Rublev. 목판에 템페라. 158 × 108 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

오늘날 우리는 모든 미술작품을 다 감상의 대상으로 취급한다. 
하지만 시간을 거슬러 올라가면 많은 미술작품이 순수한 감상의 대상으로서가 아니라 
실제적인 목적과 필요에 따라 만들어진 것임을 알 수 있다. 
선사시대 사람들이 동굴벽화를 그린 것은 사냥을 잘하기 위한 주술적 목적 때문이었고, 
고대 이집트인들이 조각을 만든 것은 미라처럼 

죽은 사람의 영혼이 거할 용기(容器)를 제공하기 위해서였다.

비잔틴문명에서 발달한 이콘도 하늘과 땅을 영적으로 이어주는 

소통 수단이자 공경의 대상으로 만들어졌다. 
오늘날 많은 관광객들이 미술관에서 이콘을 단순한 미술작품으로 감상하는 동안, 
동방정교회 신도들은 이콘을 여전히 거룩한 성물(聖物)로 공경하며 

실제 예수와 성인들을 대하듯 그 앞에서 경건한 태도로 기도를 드린다. 
심지어 이콘에 따라서는 기적을 일으키는 이콘이라 하여 

그 미스터리를 인정하고 기적의 체험을 추구한다. 
따라서 이콘을 제대로 이해하는 것은 조형적인 아름다움뿐 아니라 
이런 종교적 태도와 신앙을 함께 이해할 때 비로소 가능한 것이다.

이콘은 그리스어 에이콘(eikon)에서 왔다. 에이콘의 뜻은 ‘상, 꼴’(image)이다. 
그러니까 상을 그린 그림이라는 얘긴데, 상의 대상은 예수나 마리아, 
성인 같은 거룩한 존재와 십자가 같은 성물이다. 
이콘의 기원은 초기 기독교 시절로 거슬러 올라간다. 
현존하는 가장 오래된 것으로는 6~7세기에 제작된 게 30여 점 전해져 온다. 
물론 이콘이 제작되기 시작한 시기는 그보다 더 오래 되었다. 
조형의 측면에서 그 뿌리를 찾아가면 기독교 이전 지중해 일대의 이교도 성상화에 이른다. 
이집트나 시리아에서 발견된 다산의 신이나 

군신(軍神)을 묘사한 2세기 말경의 나무판 그림들이 그 예다.

하지만 동방정교회에서는 이런 학술적인 기원과는 다른 기원론을 이야기한다. 
정교회의 시각에서 볼 때 이콘은 사람이 손으로 그린 데서가 아니라 

신이 직접 자신의 상을 드러낸 데서 비롯되었다. 
이를 뒷받침하는 이콘이 <손으로 그리지 않은 구세주의 상>이다. 

여러 세대에 걸쳐 많은 성상화가들에 의해 반복적으로 그려진 이 이콘의 기원을 알아보면 이렇다.
예수 생존 당시 에데사의 왕 아브가르라는 중병에 걸려 고생을 하고 있었다. 
그래서 자신의 병을 낫게 해 달라는 편지를 써서 예수에게 보냈다. 
그때 화가를 딸려 보내 예수의 초상을 그리게 했는데, 

불행하게도 화가는 예수의 초상을 정확하게 묘사하지 못했다. 
그 모습을 보던 예수는 아마포를 들어 땀에 젖은 자신의 얼굴을 닦았다. 
그러자 그의 이미지가 그대로 천에 새겨졌다. 

신하에게서 이 천을 건네받은 에데사의 왕은 그 자리에서 씻은 듯 병이 낫는 기적을 체험했다. 
이렇게 해서 인간의 손으로 그리지 않은 예수의 상이 세상에 전해졌고 이것이 이콘의 기원이 되었다.

동방정교회의 이런 설명은 그 사실 여부를 떠나 이콘과 관련한 교회의 두 가지 중요한 생각을 전해준다. 
첫째 이콘은 신으로부터 기원해 이콘을 공경하는 것이 우상 숭배가 될 수 없으며, 
둘째 이콘은 때로 놀라운 기적의 매개체가 될 수 있다는 사실이다. 
정교회의 신학적 견해로는, 모든 이콘은 거룩하고 신비로운 것이다. 
그럼에도 그 가운데 특별히 신의 선택을 받은 그림이 있다. 
신은 그 이콘을 통해 기적의 역사를 베푼다. 이런 이콘은 성유를 발산하거나 병든 이를 치유한다. 
혹은 적의 공격으로부터 도시를 방어해 주고 백성들을 지켜 준다. 

The Saviour - Detai(부분). 

나무판에 아교를 바르고 달걀, 고무나무 수액, 벌꿀 등을 물감 삼아 그리스도 상을 그렸다. 
당대 최고의 이콘(Icon) 화가  루블레프(Andrei Rublev)는 러시아의 르네상스를 상징한다. 
그림의 여러 부분이 손상되었음에도 그리스도의 깊은 눈은 살아 있다. 
가을 우수 같은 눈, 인간의 죄와 구원을 담고 있는 눈을 한참 동안 바라보고 있노라면 
어느새 내 영혼이 부끄러워진다. 

주님은 아무런 말도 하지 않지만 아주 태고의 언어를 말하는 것 같다. 
인간과 세계의 구원을 갈망했던 러시아의 타르코프시키는 
끔찍하게 아름다운 흑백 영화 ‘안드레이 루블레프’를 통해 오늘 우리의 구원을 물었다. 

이콘은 아름답다. 아름다움은 감동을 낳는다.  
사람들이 이콘으로부터 기적을 기대하는 것은 신앙적 열정뿐 아니라  
그 아름다움과 감동에 의해 강한 정서적 자극을 받은 탓이 크다.  
이런 이콘을 앞에 놓고 기적의 사실 여부를 따지는 것은 어쩌면 무의미한 일일지 모른다.  
그보다는 거기에 쌓인 수많은 영혼들의 간구와 소망, 눈물이

우리가 응시해야 할 가장 중요한 그 무엇이 아닐까. 

[영상] The Saviour - 구세주 감상

The Holy Trinity. 1411. by Andrei Rublev. 142 × 114 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

여러 이콘 중에서 가장 돋보이는 작품은 안드레이 루블료프(Andrei Rublev, 1360~1430년 경)

수도자가 그린 <구약성경의 삼위일체>다. 
비슷한 형상을 한 성부와 성자와 성령 하느님께서 식탁 주변에 앉아 

고요한 가운데 사랑과 친교를 나누는 모습이다. 
삼위이신 하느님께서 하나를 이루는 모습이 참으로 아름다우면서 거룩하게 표현됐다. 
식탁 앞의 빈 공간은 이 성화를 보는 사람들을 위해 미리 마련해 둔 자리처럼 보인다.

이 이콘은 우리가 이미 작은 상본을 통해 많이 보았기 때문에 친숙하지만
실제로 미술관에서 원작품을 보면 생각했던 것 보다는 훨씬 커서 감동도 더욱 깊어진다.
‘구약성경의 삼위일체’에 계시는 하느님과 눈을 마주치면 우리의 혼탁한 마음은
다시 정화되어 주님을 바라보며 그분을 향하게 되는 듯한 느낌을 받는다.

루블료프가 표현한 ‘구약성경의 삼위일체’는 다른 이콘 화가들이 그린
‘신약성경의 삼위일체’와는 차이가 많다.
신약 이후에 화가들은 삼위일체 하느님을 표현할 때 대부분 성부를 노인으로,
성자를 젊은이로 그리고 성령을 비둘기로 표현했다.

트레티야코프가 기증한 작품을 토대로 만들어진 이 박물관은 그 후에도 꾸준히
러시아 작품들을 수집하고 부속 건물을 지으며 큰 박물관으로 성장했다.
1985년에는 본관에서 조금 떨어진 고리키 공원 내에 현대식으로 신관을 건립했다.
신관 외부에는 러시아의 많은 조각상을 전시하고 있으며
내부에는 20세기의 회화 작품이 잘 전시돼 있다.
종교성를 지닌 작품 보다는 러시아의 근 현대사를 담은 작품들과 사회성
그리고 사람들의 일상을 담은 작품이 많다.

트레티야코프 미술관은 예술을 사랑한 개인의 꿈이 실현된 것이다.
트레티야코프는 많은 사람으로부터 사랑받는 러시아 고유의 미술관에 대한 꿈을 꾸었고
평생동안 수집한 작품을 모스크바 시에 기증했다.
또한 시 정부도 힘을 보태 아름다운 미술관이 세상에 모습을 드러내게 됐다.
한 사람이 가진 소박한 꿈과 기증을 통해 이루어진 이 미술관은
오늘날 많은 사람을 내적으로 풍요롭게 만들어 준다.

요즈음 우리나라에도 여러 미술관이나 박물관이 새롭게 개관하고 있다.
이런 문화기관 중에는 예술을 아끼고 사랑한 사람의 꿈을 바탕으로 해서 건립된 경우가 적지 않다.
한 사람이 가진 꿈을 여러 사람이 함께 꾸면 그 꿈은 현실에서 이루어질 수 있다.

오늘날 교회에서도 문화와 예술에 관한 관심은 그 어느 때보다 크다.
이제 이런 관심을 하나로 모아서 구체적으로 어떻게 교회의 문화기관을
운영하고 만들 수 있을 지 고민해야 할 때가 됐다.
교구나 주교회의에서 문화 기관을 건립해 주길 바라는 자세 만으로
교회 미술관이나 박물관이 탄생되는 것은 아니다.
전체 교회가 무엇을 해 주기를 바라기 이전에 먼저 우리 자신이나 단체가
할 수 있는 작은 일부터 시작하는 것이 중요하다.

상인이면서 예술을 사랑했던 파벨 미하일로비치 트레티야코프.
미술관이나 박물관에 관한 꿈을 갖고 그 꿈을 이루기 위해서 한평생 작품을 구입하고
그것을 모두 기증한 그의 숭고한 삶을 살펴보고 본받을 필요가 있다.

글 : 정웅모 신부 (서울대교구 주교좌성당 유물 담당)
가톨릭대를 졸업하고 1987년 사제품을 받았다.
홍익대와 영국 뉴캐슬대에서 미술사·박물관학을 전공했다.
서울대교구 홍보실장과 성미술 감독, 종로본당 주임, 장안동본당 주임 등을 역임한 바 있다.

Mandylion (Image of Edessa). 12세기 후반. 손으로 그리지 않은 구세주. 
by 노보고로트 화파. 목판에 템페라. 77 × 71 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

온화하고 인자한 모습의 예수, 세계에서 가장 미남이라 할 만큼 

잘 생긴 예수의 모슴이 우리에게는 익숙하다.  
하지만 러시아 이콘 속에 예수는 모습이 다르다.  
뭔가 고통이 엿보이고 결의에 찬 듯, 아니면 분노를 느끼는 듯 평범한 느낌은 아니다.  
세상사 모든 고통을 대변하고 있는 모습이다.  

이 이콘의 스토리는 이러하다.  
에데사의 왕 아브가르가 중병에 걸려 예수께 병을 낫게 해달라 신하를 보내 간청한다.  
그러자 예수는 천을 꺼내 얼굴을 닦더니 이것을 왕에게 전하라 말하는데, 

천을 펼쳐보니 예수의 얼굴이 이콘의 모습처럼 찍혀 있었다 한다.  
이것을 받은 왕은 병이 씻은 듯이 나았다는 스토리를 가지고 있다.  

또 다른 이야기는 예수가 십자가를 지고 골고다 언덕을 오를 때  
로마 병사들이 무서워 가까이 하지 못하는 분위기에서 한 여인이 예수 앞에 나서  
예수의 피와 땀을 닦아주었는데 그때 그 수건에 이 모습의 예수 얼굴이 새겨졌다 한다.  
그래서인지 러시아인들은 이 이콘화 앞에서 자신과 가족의 건강을 염원한다.

The Virgin Orans - Great Panagia. 위대한 파나기아의 성모. 12세기 초반. 
by 야로슬라브 화파. 목판에 템페라. 193.2 × 120.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

야로슬라블에서 나온 패널 이콘 <파나기아의 성모>는 블라디미르의 화가들이 
키예프파의 이콘 화법을 계승해서 제작했다.  
커다란 판에 엄격한 정면 구도를 따르고 정확한 소묘와 
금빛 바탕의 배경을 사용한 것은 키예프 이콘의 전통이다.  
선명하게 그려진 옷의 주름은 정확하고 정연한 선의 리듬을 만들어내고 있으며,  
마리아의 얼굴에는 단정함과 조각적 아름다운이 있다. 
파나기아는 성모 마리아의 승천을 기념하는 수도원의 의식으로 
접시의 빵을 수도사에게 나누기 전에  높이 받든다.

The Transfiguration. 그리스도의 변용. 1403. by 페오판 그렉. 
목판에 템페라. 184 × 134 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

페오판 그렉은 비잔틴의 유명한 이콘 화가였는데  
러시아로 와서 작품활동을 하였으며 여러 작품을 러시아에 남긴다.  
이 <그리스도의 변용>은 타보르 산에서 제자들과 기도를 하던 예수가  
신의 모습을 드러내며 나타난다는 신약을 바탕으로 한다.  
서 있는 사람들과 구부리고 있는 사람, 이렇게 2단 구도로 그려진 이콘이다.  
예수의 광채에 눈이 부셔 엎드린 사람들  
그리고 경배하며 찬양하는 제자들을 그린 표현이 역동적이다.  

빛의 색인 흰색의 예수 그리스도와 그 옆으로 왼쪽에 모세, 오른 쪽은 엘리야다.  
아래로 예수를 향해 몸을 구부린 자는 왼쪽부터 베드로, 요한, 야고보이다.  
그림에서 보면 베드로 만이 예수를 보고 있으며 다른 제자들은  
그 빛이 너무 강렬해 고개를 들지 못하고 있지만  
모두 예수 몸에서 뿜어 나오는 빛을 받은 영광의 제자임을 이콘이 나타내고 있다.

St Demetrius of Thessalonica. 1108. 223 × 132.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Nicholas the Wonderworker. 1108–1113. 224 × 84 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St george. 1130-1140s. 230 × 142 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Annunciation. 1130-1140s. 238 × 168 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The adoration of the cross (Obverse : The Vernicle). 12세기 후반. 77 × 71 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Christ Emmanuel with Angels. 12세기 후반. 72 × 129 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Demetrius of Thessalonica. 12세기 후반. 156 × 108 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The dormition. 13세기 초반. 155 × 128 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Nicholas Thaumaturgos (Half-Length) with Selected Saints. 13세기 초반. 

145 × 94 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Deesis. (The Savior, The Virgin, St John the Baptist). 13세기 초중반. 

61.5 × 146.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Mandylion (Image of Edessa). 13세기 전반. 104 × 74 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Dormition. 13th century. 135 × 100 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The virgin of the tolga. 13세기 후반. 140 × 92 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin of Sven with SS Anthony and Theodosius Pechersky. 

1288. 67 × 42 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Christ pantocrator. 13세기 후반. 110 × 80 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Archangel Michael. 13세기 후반. 154 × 90 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Prophet Elijah in the Wilderness with Scenes from His Life and Deesis. 
13세기 후반-14세기 초. 141 × 111 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Savior Enthroned with Selected Saints. 13세기 후반-14세기 초. 

106 × 73 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The virgin hodegetria. 13세기 후반-14세기 초. 

130 × 102 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Nicholas the Wonderworker. 14세기 초. 

141 × 102 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Hospitality of Abraham (Old Testament Trinity). 

14세기 초. 116 × 87 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Nicholas of Zaraisk with Scenes from His Life. 14세기 전반기. 

128 × 75 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Mandylion (Image of Edessa). 14세기 전반기. 89 × 70 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Nicholas the Wonderworker. 14세기 전반기. 114 × 74 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Nicholas the Wonderworker. 14세기. 152 × 91 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The virgin. 14세기. 140 × 52 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

St john the evangelist. 14세기. 140 × 40 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The Petrovskaya Virgin. 14세기. 23 × 17 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

SS Boris and Gleb with Scenes from Their Lives. 14세기 초중반. 

134 × 89 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Nativity of the Virgin. 14세기 중반. 113 × 75 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St George and the Dragon. 14세기 중반. 55 × 37 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

SS Boris and Gleb. 14세기 중반. 53 × 42 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

SS Boris and Gleb on Horseback. 14세기 중반. 128 × 75 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Nicholas with Scenes from His Life. 14세기 후반. 135 × 96 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The intercession. 14세기 후반. 68 × 44 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Intercession. 14세기 후반. 99 × 27 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The royal doors, SS. John Chrysostom and Basil the Great. 14세기 후반. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The Savior with the Apostles. 14세기 후반. 92 × 64 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Christ Pantocrator. 1360s. 68 × 46 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin Hodegetria. 1360s. 68 × 46 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The crucifixion. 14세기 중후반. 28.2 × 23.2 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Paraskeva Pyatnitsa, Barbara and Juliana. 14세기 중후반. 

143 × 108 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Synaxis of the Virgin. 14세기 중후반. 81 × 61 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Pimen Virgin Hodegetria. 1380s. 67 × 48 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Christ pantocrator. 1387-1395. 149 × 94 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin. 1387-1395. 148 × 93 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Archangel Michael. 1387-1395. 147 × 104 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Archangel Gabriel. 1387-1395. 146 × 106 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The apostle peter. 1387-1395. 148 × 98 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The apostle paul. 1387-1395. 149 × 97 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The dormition. 1390s. 86 × 67 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin of the Don. 1390s. 86 × 67 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Intercession. 14세기 말 - 15세기 초. 58 × 42 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Transfiguration. 14세기 말 - 15세기 초. 111 × 81 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Paternitas with Selected Saints. 14세기 말. 113 × 88 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Descent into Hell. 14세기 말. 149 × 109 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Archangel Michael. 14세기 말. 86 × 63 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Nicholas with Scenes from His Life. 14세기 말. 94 × 69 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin Hodegetria of Smolensk. 14세기 말. 102 × 85 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Annunciation. 14세기 말. 43 × 34 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The virgin hodegetria. 14세기 말. 40 × 32 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The virgin of the don. 14세기 말. 33 × 26 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62
 

The prophet elijah. 14세기 말. 75 × 57 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

SS Boris and Gleb. 14세기 말 - 15세기 초. 

164 × 116 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

SS. Florus, Nicholas, Blasius and Anastasia. Tryptych. 14세기 말 - 15세기 초. 

24 × 17 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Intercession. 15세기 초. 74 × 50 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Apostle Peter. 15세기 초. 150 × 52 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Apostle Paul. 15세기 초. 150 × 52 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Paraskeva Pyatnitsa, Gregory the Theologian, John Chrysostom, Basil the Great. 15세기 초. 
147 × 134 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Altar with the Instruments of the Passion. 15세기 초. 104 × 69 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Nativity of the Virgin with Selected Saints. 15세기 초. 

80 × 61.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin of the Sign (Blacherniotissa) with Selected Saints. The Prophet Elijah, Nicholas and Anastasia. 
15세기 초. 66 × 50 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St George and the Dragon. 15세기 초. 39 × 28 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

Christ Pantocrator. 15세기 초. 110 × 67 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Nativity with Selected Saints. 15세기 전반. 57 × 42 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St John The Baptist. 15세기 전반. 110 × 68 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St George and the Dragon. 15세기 전반. 

82.8 × 64.2 × 3.2cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The virgin. 15세기 전반. 110 × 68 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Christ in Majesty. 15세기 전반. 116 × 84 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin. 15세기 전반. 115 × 47 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

St John The Baptist. 15세기 전반. 115 × 41 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The Apostle Paul. 15세기 전반. 111 × 43 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The Apostle Peter. 15세기 전반. 113 × 47 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The Archangel Gabriel. 15세기 전반. 111 × 44 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The Archangel Michael. 15세기 전반. 111 × 44 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

St George. 15세기 전반. 114 × 42 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

St Demetrius of Thessalonica. 15세기 전반. 117 × 48 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin Enthroned. 15세기 전반. 36 × 27 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Alexander of Thessalonica. 15세기 전반. 

116 × 41 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Gregory The Theologian. 15세기 전반. 

116 × 47 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Metropolitan Peter. 15세기 전반. 158 × 96 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St george. 15세기 전반. 22 × 13 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

St Demetrius of Thessalonica. 15세기 전반 - 중반. 

22 × 13 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Mandylion (Image of Edessa). 15세기. 22 × 17 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Mandylion (Image of Edessa). 15세기. 128.5 × 91.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Presentation in the Temple. 15세기. 61 × 41 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Archangel Michael. 15세기. 51 × 37 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St george and the dragon. 15세기. 110 × 79 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Great Martyr Barbara. 15세기. 73 × 50 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Intercession. 15세기. 66 × 50 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Nicholas with Scenes from His Life. 15세기. 122 × 80 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Descent into Hell. 15세기. 25 × 19.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Prophet Elijah. 15세기. 45 × 35 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Nativity of the Virgin. 15세기. 44 × 34 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Arsenius the Great, Pachomius the Great, Simeon Stylites. 15세기. 

25 × 19.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin Eleusa. 15세기. 26 × 23 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin. 15 - 16세기. 55 × 41 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Christ in Majesty. 1408. 314 × 220 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Ascension. 1408. 125 × 92 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

[영상] 트레티야코프 미술관 이콘화 모음

[영화] 안드레이 루블료프(Andrei Rublev)

15세기, 타타르 제국의 침략을 받은 격동기의 러시아.

수도사 안드레이, 다닐, 키릴은 일을 찾아 수도원을 떠나는데,

떠돌아다니던 그들은 전쟁과 약탈, 강간과 살인 등 참혹한 현실과 만난다. 

그들은 마침내 성상화의 대가 테오판을 만나게 되고,

테오판은 우직한 안드레이를 제자로 선택한다. 

그러나 안드레이는 수도원 밖의 현실,

용서와 구원에 대한 내적 갈등으로 더 이상 벽화를 그릴 수가 없다.

격정의 15세기 미술계의 아이콘이었던 안드레이 루블로프의 삶을 그린 영화. 

역사의 기록에만 몰두하며 순수 예술가로 남을 것인지 아니면 정치와 시류의 흐름을

쫓아 갈 것인지를 두고 고민하는 종교화가의 안드레이 루블로프의 고뇌를 통해

예술의 본질 탐구와 동시에 당시의 사회상을 꼬집은 수작. 

침략 전쟁, 기아, 질병에 고통받는 러시아 민중의 삶을 배경으로

'예술이란 무엇이며, 무엇을 해야 하는가?'를 묻고 있는 이 영화는

타르코프스키의 작품 중 가장 '역사'에 가깝게 다가서고 있다. 

여러 개의 에피소드들이 느슨하게 연결되어 있는 '프레스코' 구조를 지니고 있으며, 

마치 거대한 프레스코 벽화를 보는 듯한 웅장한 느낌을 준다. 

안드레이 타르코프스키는 <폭주 기관차>의 감독 콘찰로프스키와

사석에서 대화하던 중에 신비의 베일에 싸여있던 15세기의 성상 화가

루블레프에 매력을 느껴 영화화할 것을 결심했다고 전한다. 

‘삼위일체’로 유명한 15세기의 성상화가 안드레이 루블료프의 인생과 고뇌를 그린

타르코프스키의 두 번째 장편으로, 9개의 에피소드가 연결된 프레스코 구조를 지닌다.

공개 당시 당국의 정책을 비판했다는 이유로 상영이 금지되기도 했다. 

11~18세기 러시아 성상화 <이콘>

마지막 56번부터 62번까지의 방은 고대 러시아 미술품들을 전시하고 있다. 
이곳에는 러시아가 몽골의 지배를 받기 전 
11세기부터 18세기까지의 종교화가 주류를 이루고 있다. 
여기서 종교화라면 이콘화를 말한다.

​이콘은 러시아 정교에서 사용하는 종교 도상을 담은 그림으로 
예수와 성모, 성경에 등장하는 인물들의 형상을 그린 것이다. 
컴퓨터에서 쓰는 '아이콘(icon)'이란 단어가 바로 이 러시아어 이콘(Икон)에서 유래했다고 하는데, 
아이콘은 작게 이미지를 형상화해서 누구나 쉽게 알아보도록 만들어 놓은 것처럼 
이콘 또한 글을 몰라서 성경을 읽을 수 없었던 중세 민중들이 교리와 성인의 가르침을 이해하고 
신의 존재를 구체적으로 느낄 수 있도록 만들어진 것이라 한다. 

 트레챠코프 미술관에 전시되어 있는 이콘 중 대표작으로는 
안드레이 루블료프의 <구세주>와 <삼위일체>를 들 수 있다. 
루블료프는 정형화되어 있고 틀에 짜여 있던 동방 정교 형식의 이콘을 변형시키면서 
러시아의 정서에 맞는 예술성 짙은 작품들을 탄생시킨다. 
그래서 루블료프가 활동한 15~16세기를 러시아 이콘 예술의 황금 시대라 부른다. 
또 트레챠코프 미술관에 이콘 전시실이 가장 마지막에 배치되어 있는 이유는 
이콘 제작이 러시아인들의 일상 생활에 깊이 뿌리 내리고 있었으나 
예술품으로서의 이콘이 본격적으로 연구 되기 시작한 시기는 19세기 말엽에 와서라 한다. 
그래서 이콘이 전시실 마지막을 장식하고 있다.

Tretyakov Gallery Room 56-62. 러시아 <이콘> 전시실

이콘의 기원과 지역별 화파들

1. 초기 교회의 예술
그리스도교가 널리 퍼지고 사람들의 마음을 사로 잡게 되면서부터 
회화도 신이나 성인들을 주제로 하여 그리게 되었는데, 
그 기법이나 재료는 고대보다 매우 진보되고 복잡해졌다. 
로마 근교에서 수없이 발견되는 카타콤바에서는 
이러한 그리스도교의 초기 예술의 정수가 잘 보여 지고 있다. 
이들 카타콤바에는 이교도들이 무덤에 장식하였던 그림들도 보여지나 
그리스도교를 상징하는 물고기나 십자가, 또는 착한 목자, 요나의 이야기 등 
성경을 주제로 한 그림들을 찾아 볼 수 있다. 
이들 그림에서는 이콘의 원형이라 할 수 있는 그리스도나 성모 마리아(오란스형), 
그리고 그 밖의 여러 성인들의 초상도 그려져 있다. 
그러나 아직도 유다이즘의 영향이 완전히 사라진 것이 아니었으므로 인물보다는 
위에서 언급한 대로 물고기, 십자가, 종려 나무 가지 등의 상징물이 더 많았다.

4세기 말경에는 순교자들의 일생을 그린 작품들이나 성인들의 초상화로 
교회 내부를 장식하도록 장려하였는데, 이는 성서를 읽을 수 없는 문맹자들이 
그림을 관람함으로써 성인들의 덕행을 본받아 행하도록 자극을 주기 위함이었다. 
따라서 일종의 교육적 기능을 담당하였으나 아직 공경의 대상으로서는 논의되지 않았었다. 
가이사리아의 에우세비오도 자신의 저서 <교회사>에서 
"사도 성 바울로나 성 베드로, 주 그리스도의 이콘이 
가이사리아 필립보 마을에 자신의 시대까지 보존되어 있었다." 고 증언하고 있다.

목판에 그려진 이콘들 중 현재 가장 오래된 것은 6세기에 콘스탄티노플에서 그려져 
후에 시나이의 성 가타리나 수도원에 옮겨진 것으로 추정되는 성모자 이콘과 
콥트 교회에 기원을 둔 그리스도와 성 메나스 이콘으로 알려져 있다.

Tretyakov Gallery Room 56-62. 러시아 <이콘> 전시실

2. 비잔틴 예술
비잔티움 제국 및 그 세력이 미친 지역에서 그리스도교 미술의 중심지는 콘스탄티노플이었다. 
330년 제국의 수도가 로마에서 콘스탄티노플로 옮겨짐에 따라, 
예술의 주요 후원처인 궁정과 교회도 같이 옮겨지게 되었다.

비잔틴 예술은 초기 그리스도교 미술을 바탕으로 하여 소아시아, 시리아, 알렉산드리아 등의 
미술을 첨가한 것으로 5세기 경에 발달하여 이후 대략 천년 간에 걸쳐 얼마 간의 성쇠 및 
변화는 있었으나, 대체로 이미 확립된 여러 형식들을 그대로 고수하면서 독자적인 미술을 형성하였다. 
이후 유스티니아누스 황제 치세에는 그 절정에 달했으며 성화상 논쟁(726~843)을 거쳐 
마케도니아 황제 시대에는 이른바 마케도니아 르네상스(9~11세기)를 출현시켰다. 
유스티니아누스 황제 시대(527~565)에는 황제의 후원 하에 새로운 건축물과 모자이크를 비롯하여 
상아 조각, 금속 공예 등의 다양한 재료의 작품들이 고루 발달할 수 있었는데 
조각은 초기 그리스도교의 미술과 마찬가지로 거의 부조에 한정되었다. 
당시 조각가들이 고전주의 시대에서 다루어지던 방법을 종전 그대로 사용하면서 
당대의 시대성을 잘 반영시킨 탁월한 상아 작품을 제작했다.

또한 건축가들은 교회의 건축에 있어서 장방형, 정방형, 십자가형 평면도상에 
돔을 얹은 집중식 건축을 시도하였는데, 종종 바실리카 형식을 취하기도 하였다. 
이 시대의 대표적 작품은 콘스탄티노플에 세워진 하기아 소피아 대성당이며 
이후 비잔틴 세계 도처에서 돔 양식은 보편화 되었다.

당시 세계는 전지전능한 유일신에 의해 위로부터 통제된 일종의 직사각형 상자로 간주되었다. 
그러한 사상은 교회 건축에서 잘 드러나 교회 내부의 장식도 그에 따라 제작되었다. 
하느님이 세계를 지배함을 묘사하기 위하여 <전능하신 그리스도(판토크라토르)>의 그림을 
중앙의 돔에 그려 신자들을 굽어 보게 하였고 주위 동서남북으로 4명의 대천사들, 
또는 그보다 많은 천사들이 둘러싸 있고 그 아래에는 사도들을 묘사하였다. 
그러므로 교회는 위로는 하늘과, 아래로는 그리스도의 수난을 기념하는 예배에서 재현되듯이 
그리스도의 삶을 본받아 날마다 새롭게 한다는 의미에서 새로운 예루살렘으로 여겨져, 
성당 내부에 그려지는 그림들은 지상에서 예수가 체류했던 특정 장소들을 연상하도록 의도되었고 
성당 안에서 각기 적절한 위치에 배치되었다. 
즉 그리스도의 탄생은 베들레헴을 연상시키며, 세례 장면은 요르단 강을, 성모 영보는 나자렛을, 
성 라자로의 부활은 베다니아를 연상시키고 있다. 
이렇게 성당 안에 그려지는 장면이나 인물의 배열 등은 교회가 정한 규약을 충실히 따라야만 되었다. 
따라서 화가는 제멋대로 그 규약을 이탈해서는 안 되었다.

따라서 성당 안의 장식들은 위의 원칙에 따른 모자이크, 이콘, 미니어쳐 등으로 제작되었으며, 
비잔틴 예술의 최후의 전성기였던 팔라이올로고스 황조 시대에는 프레스코화가 융성하게 된다.

Tretyakov Gallery Room 56-62. 러시아 <이콘> 전시실

비잔틴 모자이크 제작자들은 뛰어난 구성의 작품들을 많이 만들었다. 
모자이크는 9세기와 10세기 사이에 콘스탄티노플에서 많이 제작되었는데 
초기 작품에서 인물 구성은 이교의 원형을 답습한 것에 불과한 것도 있었지만, 
표현이나 개념에 있어서는 완전히 새로운 것이었다. 
그러나 이는 고전 시물의 특징인 장엄함과 다소 설명적이지만 
보다 새롭고 풍부한 상상력을 지닌 양식을 결합한 것이었다. 
인물을 배경과 분리시켜 공간으로부터 고립된 채로 서 있도록 하였으며, 
흑색 반면 영상(半面影像)으로 처리하는 방법 등이 그것이다.

이렇게 성화상 논쟁 이전에는 대체로 초기 그리스도교적 주제 밖에 다루어지지 않았으나 
논쟁이 종식된 이후에는 전적으로 도그마의 설명적 묘사가 행해졌고 동시에 인물의 표현은 
점차 도상학적으로 통일된 상(像)이 생겨 11세기에는 인물의 얼굴을 그리기 위한 
모자이크용 각석이 엄격하게 평행선으로 되고, 인물들은 엄격하게 
정면을 향한 포즈를 취하고 있으며 무표정한 인상이 되었다.

그러나 12세기 초에는 그와 대조적으로 부드러움과 친근감 있게 묘사되어 
휴머니즘을 새롭게 강조하는 양식이 나타나기 시작했다. 
이 새로운 양식을 반영한 것이 우리에게 널리 알려져 있는 <블라디미르의 성모>이다. 
이 양식은 콘스탄티노플에서 발생된 후 곧 비잔틴 세계 전역으로 퍼져 나가 
오늘날도 러시아, 발칸 반도 등 매우 광범위한 지역에서 발견되고 있다. 
그리고 더 나아가 비잔틴 예술은 중세 유럽 전반에 걸쳐 지대한 영향을 끼쳐 
특히 독일이나 프랑스 등의 로마네스크, 고딕 및 13세기 이탈리아의 예술에서도 
그 영향을 뚜렷하게 엿볼 수 있게 하고 있다.

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3. 성화상 논쟁
5세기에서 6세기에 걸쳐 그리스도교 신자들 중 많은 이들이 신에 대한 거리감을 극복하고자 하였다. 
그러나 교회에서는 우상 숭배의 위험을 염려하여 신자들의 요구에 소극적으로 대처하였다. 
그러나 이미 성 바울로는 그리스도를 눈에 보이지 않는 신의 형상으로, 
또는 인간을 신의 형상 중 하나로 보았다. 
즉 그리스도는 본성이 신에 가까운 데 비하여 인간은 다만 그 외모만 신과 가깝다. 
따라서 이콘들에 묘사된 그림들도 원상의 모상이므로 원상에 유사한 점을 교려하면 
원상의 한 몫을 차지한다고 간주하는 신 플라톤 철학에 의거한 회화 사상이 
이러한 목판에 그려진 그림들에 다시 적용되었다.

691년에서 692년에 걸쳐 개최되었던 트룰란 공의회에서는 
그리스도를 인간의 모습으로 묘사함을 규제하였다. 
교회의 이러한 정의에도 불구하고 성화상에 대한 문제가 다시금 논란의 대상이 되었다.

비잔티움 제국의 황제 레오 3세는 726년 성화상을 논박하기 시작했고 
잇달아 성화상과 성화상을 공경하는 자들을 제거하고자 총력을 기울였다. 
그는 이슬람교도들과 유다인들의 개종을 가장하여 절대 군주가 되고자 하는 야심으로 
교회를 자신의 권위에 굴복시키려고 성화상 공경자들을 박해한 것이었다. 
그는 군대에 의한 폭력도 주저하지 않았으며 콘스탄티노플 총대주교도 
아나스타시오스로 교체하여 그의 동의를 얻어 730년에 성화상 파괴에 대한 칙령을 반포하였다. 
이 사건으로 성화상 논쟁이 일어났고 843년까지 계속되었다. 
이로 인해 많은 성화상들이 파괴되었고 성화상 공경자들은 박해를 당했으며 
수많은 이들이 그로 인해 순교까지 당해야 했다. 
이에 교황 그레고리오 2세와 그의 후계자인 교황 그레고리오 3세는 성화상 파괴 중지를 요청하고, 
성화상에 대한 파괴와 비방의 행위에 파문이라는 벌을 부과하였다.

그러나 레오 3세의 아들인 황제 콘스탄티노스 5세(741~775) 치하의 동방에서는 
성화상에 대한 박해가 더욱 격렬해졌다. 
그는 754년 히에레야에서 성화상 공경을 반대하는 주교 338명을 모아 놓고 공의회라 명명하였다
하지만 총대주교는 아무도 참석하지 않아 공의회라고 할 수는 없었다. 
이 회의에서 황제는 자신의 원의에 따라 성화상 파괴를 재가받았고 
성화상 공경은 우상 숭배라고 선언되었으며 성화상 공경 옹호론자들을 파문하였다. 
이후로 제국의 모든 주교들은 이 결정에 동의를 해야 되었으며 모든 성화상들은 일제히 교회에서 
제거되어야 했고, 벽화와 모자이크에는 석회칠을 했고, 그 자리는 세속적인 풍경화로 대처하였다. 
이러한 조처에 반대한 것은 거의 수도자들이었다. 
그로 인해 761년 이래 수도자들은 무자비한 박해를 받아 많은 이들이 순교하였고, 
또 많은 수도원들은 몰수되어 무기고 등으로 바뀌었다. 
이후, 콘스탄티노스 5세와 레오 4세 치하에서는 좀 완화된 태도를 보이기는 했으나 
역시 전대의 형법이 존속하고 있었기에 신고가 있을 때는 형이 집행되고는 했다.

레오 4세 서거 후 그의 미망인 성 이레네 황후가 미성년자인 아들 
콘스탄티노스 6세 섭정을 맡았을 때(780~790) 결정적인 변화가 생겼다. 
그녀는 이콘은 공경했고 또 그로 인해 추방당한 일도 있었다. 
그녀는 자신에게 충성을 맹세한 콘스탄티노플 총대주교 타르시오스의 도움으로 
교황 아드리아노 1세와 일치 협정을 맺었다. 
이에 따라 787년 가을에 니카이아에서 개최된 공의회에서 약 350명의 주교들은 
754년의 시노두스의 결정 사항을 배척하고, 옛 전통에 의하여 십자가, 그리스도, 천사, 
성인에게 촛불, 향 등과 함께 무릎을 꿇어 공경할 수 있고 또 해야만 함을 선언했고, 
그럼에도 참다운 흠숭은 오로지 신에게만 합당한 것이라고 선언하였다. 
이 결의는 이후 약 30년 동안 비잔티움 제국에서 지속되었다.

그러나 아르메니아 출신 황제인 레오 5세(813~820)는 815년에 성화상 파괴를 
다시금 명했고 754년의 성화상 공경 반대의 결의를 다시금 복귀시켰다. 
이어 콘스탄티노플 총대주교 니케포로스가 해임, 추방되었으며 
또 다시 무수한 수도자들이 종교 재판에 의해 처형되었다. 
이러한 박해는 레오 5세를 이른 미카엘 2세와 테오필로스 황제 때도 계속되어 거의 30년이나 지속되었다.

이상한 일치 속에서 세 사람의 성화상 박해자들이 지나간 다음, 
다시금 테오필로스 황제의 미망인 테오도라는 미성년자인 아들 미카엘 3세의 섭정이 되어 
신임 콘스탄티노플 총대주교 메토디오스의 도움으로 843년에 
콘스탄티노플에서 개최된 공의회에서 이콘 공경을 다시금 인정케 하였고, 
그리고 그것을 지속적으로 기념하기 위해 사순절 첫 주일을 '정교 주일'로 정하였다. 
이 기념 축일은 오늘날까지도 보존되고 기념되고 있다. 
정교 주일에는 정교의 승리를 기념하기 위한 특별 의식을 거행한다. 
이 의식은 대영광송, 삼덕송으로 하느님을 찬양하면서 이콘을 높이 치켜 들고 행렬한다. 
그 다음 사제는 제 7차 니카이아 공의회의 기록을 큰 소리로 낭독한다.

"예언자들이 본 대로, 사도들이 가르친 대로, 교회가 이어 받은 대로, 교부들이 가르친 대로, 
온 세상의 교회가 합의한 대로, 거짓이 쫓겨난 대로, 지혜가 떳떳하게 전파한 대로, 
그리스도가 치하하신 대로, 그리스도 우리 하느님을 생각하며, 말하며, 전파하라. 
그 분의 성인들의 말로, 저서로, 명상으로, 성제로, 성당에서 이콘으로 공경하라. 
그리스도를 하느님으로 경배하라. 
그리고 또한 그 분의 성인들을 진정한 그리스도의 종사자들로서 연관적으로 공경하라."

이렇게 성화상 논쟁 이후 종교적 감동, 강한 영성과 절제에서 나온 형태의 이콘들이 나타났다. 
이는 비잔티움 제국의 참담한 멸망 때까지 이콘의 표준이 되었다. 
성화상 지지자들은 자신들의 주장을 성서와 교회의 전통에 의거하였는데, 
그러한 것들 중 하느님을 그림으로 묘사해도 되는 가가 큰 문제로 대두되었다. 
하느님의 모습을 그리는 것을 부인하는 데는 모두 합의를 보았는데, 
그 이유는 그 누구도 그를 눈으로 볼 수가 없기 때문이었다.

그러나 그리스도의 그림은 성화상 지지파들의 입장이 관철되었는데, 
이는 그리스도가 인간이 되었으므로 인간의 모습으로 묘사될 수 있다는 것이다. 
그러므로 신자들의 이콘에 대한 공경은 인간의 손에 대한 작품에 대한 공경이 아니고 
성 바실리오의 말처럼 그 원상에 대한 경배인 것이다. 
따라서 787년 니카이아 공의회에서는 성화상에 대한 의무적인 규정과 
이콘에 관계 되는 사랑들을 결정했고 다마스커스의 성 요한의 
"그림이란 원상을 표현한 유사란 것이어서 원상과는 차이가 있게 마련이다." 라는 주장도 받아 들여 졌다. 
이렇게 니카이아 공의회에서 결의된 성화상에 대한 규정은 훗날 이콘 제작에 중요한 의미를 부여하였다. 
따라서 교회는 이콘 제작자들이 가능한 한 원상에 가깝게 그리도록 촉구하였고 
이러한 그림만이 진정한 성화로 간주되었다. 
이로써 화가들은 그림의 전형에 따라 제한된 묘사를 하게 되었다.

비잔티움 제국의 이콘 제작 기술은 제국의 선교가 이루어진 여러 나라들로 전파되었다. 
따라서 러시아, 불가리아, 마케도니아, 세르비아, 헬라스, 아토스, 루마니아, 폴란드 등에 전해져서 
각 민족 고유의 독창력과 그에 상응하는 역사적 상황에 따라 발전되어 여러 화파들을 발생시켰다.

Tretyakov Gallery Room 56-62. 러시아 <이콘> 전시실

(1) 헬라스 지역의 화파들
헬라스 지역에서는 비잔틴 화법을 계승하여 나름대로의 독특한 방법으로 발전시켰다. 
이 지역의 이콘들은 비교적 소박하며 극도로 정제된 특징을 보여준다. 
그리고 많은 이콘들은 이슬람교도들에게 반항하던 헬라스 민중이 겪었던 
이루 말할 수 없는 고통을 표현하려 한 것으로 보인다. 
그들의 성화상에 나타나는 성인들 중 성 니콜라스, 세례자 성 요한 등이 매우 사랑받고 있다.

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(2) 러시아 지역의 화파들
러시아의 모든 문화적 성과들 중에서 이콘만큼이나 러시아적 국민 감정을 잘 나타내고 있는 것은 없다. 
모자이크, 또는 나무판 위에 눈부신 색깔로 그려진 그리스도, 성모 마리아, 성인, 천사 등은 
종교적 정열이 일상 생활의 일부였던 러시아 국민들의 신앙심을 그대로 표현해 놓았다. 
이콘은 황제의 궁전에서부터 농부의 오두막집에까지 모셔져 있었다. 

러시아인들은 키예프의 성 블라디미르 대공이 989년에 동방 정교회로 개종했을 때 
사제들과 함께 초청되어 새로운 교회의 건축과 장식을 담당하였던 비잔티움 제국인들에게서 
이콘의 제작 기술을 배웠으나 곧 러시아 특유의 민족적 양식을 지닌 이콘들이 출현하게 되어, 
슬라브 의상을 입은 생기가 넘치는 상이 딱딱한 비잔틴 양식의 그림들을 서서히 밀어내기 시작했다. 
그러나 이콘의 깊은 종교성만큼은 상실되지 않았다. 
따라서 완성된 이콘은 성직자에 의해 축성되었을 뿐만 아니라 그림 물감이나 
붓까지도 축성을 받았으며 이콘 제작자 자신도 신적인 영감에 싸여 일하는 것으로 믿고 있었다.

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1. 키예프 화파
988년, 키예프 대공 성 블라디미르는 비잔틴 의식에 따라 세례를 받았고 
이를 계기로 러시아인들이 동방 정교회를 받아 들이게 되었다. 
성 블라디미르 대공은 새로 건축되는 교회들을 위해 비잔티움 제국으로부터 
건축업자, 모자이크 제조자, 이콘 화가들을 불러 들였다. 
그들은 자신들의 일을 돕기 위해 러시아인들을 고용해 여러 조형 기술을 습득하게 하였다. 
이들 러시아인들은 다시 러시아인 제자들을 받아 들여 그 당시의 수도였던 키예프를 중심으로 
점차 러시아의 건축 양식과 러시아 회화의 고유한 예술적 표현을 발전시켜 나가게 되었다. 
몽고족의 침입으로 살펴 볼 수는 없으나, 다만 키에프의 동굴 수도원에서 나온 성직자 화보를 통해서 
우리들은 그 곳에서 이콘을 제작했던 사실과 성인으로 인정받은 이콘 화가 알림피가 
바로 그 동굴 수도원에서 활동한 것을 알 수 있을 뿐이다.

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2. 노브고로드 화파
노브고로드는 러시아 서북쪽 일멘 호수 근처의 볼초프 강가에 위치한 도시로 
중요한 무역의 중심지였으며 부유한 삶을 누리고 있었다. 
또한 그 당시의 다른 도시들과는 달리 타타르인의 침입을 받지 않아 많은 예술가에게는 
보다 유리한 작업 환경과 생활이 보장되어 있었으므로 11세기 말부터 16세기 초까지 
러시아 이콘의 황금 시기를 이루었으며 따라서 오늘날까지 전해지는 것들도 많다.

1223년 몽고의 침입에 의해 러시아의 수많은 도시들은 비잔티움과 발칸 반도와의 
문화적 교류가 완전히 단절되었고, 따라서 비잔티움의 영향이 거의 사라지고 민족적 특성이 
강조되어 지엽적인 독자성을 형성함으로써 완전히 창작품들이 생겨나기 시작하였다. 
그럼에도 옛 비잔티움의 관점을 여전히 느낄 수 있었으나 엄격했던 인물 묘사는 
보다 가볍고 역동적인 요소와 혼합되었고, 색채도 새로운 다양성과 생동감을 얻고 있으며, 
얼굴의 표정들도 보다 자연적이며 민족적 유형의 얼굴들로 전환되었다. 
또 복잡하고 추상적인 상징주의를 피하고 설명이 필요없는 단순하고 쉽고, 
빠르게 이해할수 있는 주제들을 취급하고 있다. 
즉 이 지방에서 특히 존경을 받던 농경, 목축, 상업 교역을 보호하고 성인들을 많이 그렸다. 
예를 들면 화재를 막고자 옛날 가르멜 산에서 불을 불러 내린 성 엘리야 예언자를 진홍의 배경에 
반신상으로 그리기도 했고, 금요일이 교역 시장의 장날이었기 때문에 성녀 파라스케비(금요일이라는 의미)를 
그렸고, 목축이나 마부의 보호자로 성 라오로스나 성 풀로로스를 그렸다. 
이와 같이 비잔티움의 영향에서 벗어나 러시아의 독자적 이콘을 제작하려 하였던 것이다.

12세기에는 키에프와 노브고로드 외에도 여러 지방에 새로운 화파들이 생겨나고 발전하였는데 
블라디미르와 수즈달, 야로슬라브, 프츠코프등이 그 중심지였다. 
이들을 북러시아 화파라 부른다. 이러한 최초의 독창적인 러시아 이콘 화파는 13세기 말에 
수즈달에서 등장하여 14세기에 꽃을 피웠으며 15세기 초에 모스크바 화파와 합해졌다.

Tretyakov Gallery Room 56-62. 러시아 <이콘> 전시실

① 블라디미르, 수즈달 화파
이 화파의 절정은 1250년 경이며, 이 시기에 볼가 강 북쪽 지역에서는 
데에시스 이콘들이 큰 인기를 끌어 자주 그려졌다. 
그러나 블라디미르 시는 1238년과 100여년 후 타타르인들에 의해 파괴되어 
오늘날 순수한 이콘들이 많이 남아 있지 않다. 
블라디미르의 이콘은 비잔티움의 영향을 강하게 받아 귀족적이고 정교하며 
우아함을 지니고 있으며, 또한 부드러운 색상으로 그려졌다는 특징을 지닌다.

Tretyakov Gallery Room 56-62. 러시아 <이콘> 전시실

② 프스코프 화파
프스코프 시는 노브고로드 시 다음으로 러시아 북부의 가장 중요한 중심지였다. 
프스코프 시도 역시 타타르의 침입을 면하여 12세기와 14세기 사이에 안정된 발전을 했다. 
이 도시의 이콘 화가는 노브고로드 화파의 이콘에 많이 종속되어 있었고, 비잔틴식의 엄격함을 
재차 현저히 감소시켰고, 좌우대칭으로 그리는 것이 특징으며, 색상이 독특하다. 
즉 비잔틴식 회화의 육중하고 어두운 색조들을 피하고 보다 생생하고 밝은 색채로서 대치되었는데 
짙은 바다 초록색과 약간 갈색이 나는 붉은 색이 지배적이다. 
그 양식은 간결하고 형상들은 극히 양식화되었으며, 제스츄어는 단순하고 움직임은 완만하다.

Tretyakov Gallery Room 56-62. 러시아 <이콘> 전시실

③ 야로슬라프 화파
야로슬라브 화파의 전성기는 13세기 초이다. 
그러나 몽고족의 침입으로 이 문화 중심지는 막을 내려야 했다. 
그러다 16세기에 새로운 발전을 시작했다. 
이 화파의 작품의 특징은 배경을 채우는 쪼개진 건축 재료들이 특징들이 특징적이다. 
그리고 사람을 많이 그려 넣는 묘사가 전형적이다.

15세기 후반에는 노브고로드 회화는 모스크바의 영향을 받게 되었다. 
자그마하고 힘이 세어 보이는 인물 대신에 깡마르고 신장이 과장되게 긴 인물들로 
대치되고 지금까지 사용되던 짙은 색들이 은은한 색으로 바뀌었는데, 
분홍색, 보라색과 은색을 띈 초록색들을 즐겨 사용하였다. 
1478년 노브고로드 시는 자치권을 상실하고 모스크바가 장치 중심지로 선두에 서서 
통치하는 모스크바 공국에 합병된 이후에는 의복의 묘사에 있어서 많은 문양을 가미하고 
전체 구도에 있어서도 우아한 조화를 보이는 새로운 양식이 대두되었다. 
1570년, 이반 4세의 대정벌로 노브고로드 시는 하나의 보잘 것 없는 지방 도시로 전락하고 만다.

St John The Baptist. 1408. 313 × 105 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Apostle Andrew the First-Called. 1408. 

313 × 105 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St john the evangelist. 1408. 312 × 105 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

Gregory The Theologian. 1408. 314 × 106 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

St John Chrysostom. 1408. 313 × 105 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The archangel gabriel. 1408. 

317 × 128 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Archangel Michael. 1408. 314 × 128 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The Annunciation. 1408. 125 × 94 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Descent into Hell. 1408. 124 × 94 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Christ in Majesty. 1410s. 18 × 16 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Archangel Michael. 1410s. 158 × 108 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Apostle Paul. 1410s. 160 × 110 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Nativity. 1410-1430. 71 × 53 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Ascension. 1410-1420s. 71 × 59 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Cyril of Belozersk. 1424. 28 × 24 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Transfiguration. 1425. 31 × 25 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Christ Pantocrator. 15세기 중반. 30 × 25 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The virgin of the sign. 15세기 중반. 133 × 100 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Dormition. 15세기 중반. 113 × 88 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Descent of the Holy Spirit. 15세기 중반. 103 × 81 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Nativity. 15세기 중반. 103 × 81 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Ascension. 15세기 중반. 102 × 81 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Royal Doors. 15세기 중반. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Entry into Jerusalem. 15세기 중반. 103 × 81 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin Hodegetria of Smolensk. 15세기 중반. 131 × 100 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

SS Boris and Gleb. 15세기 중반. 119 × 57 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin Hodegetria, The Trinity and Selected Saints. 15세기 중반. 

32 × 28 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Last Judgement. 15세기 후반. 162 × 115 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Apostle Peter. 15세기 후반. 158 × 59 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The Archangel Michael. 15세기 후반. 158 × 59 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin. 15세기 후반. 160 × 59 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St John The Baptist. 15세기 후반. 159 × 59 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The Archangel Gabriel. 15세기 후반. 159 × 59 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The Apostle Paul. 15세기 후반. 159 × 59 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

The Annunciation. 15세기 후반. 44 × 34 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Demetrius of Thessalonica. 15세기 후반. 

162 × 58 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

King of Kings. 15세기 후반. 29 × 24 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Deesis. 15세기 후반. 102 × 90 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Exaltation of the Virgin. 15세기 후반. 25 × 19 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Saviour Enthroned. 15세기 후반. 157 × 108 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Archangel Michael. 1475. 146 × 53 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Archangel Gabriel. 1475. 146 × 54 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St John The Baptist. 1475. 146 × 55 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Holy Women at the Sepulchre. 1475. 80 × 59 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin. 1475. 146 × 56 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St John Chrysostom. 1475. 146 × 51 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin. 15세기 말. 108 × 42 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

In Thee Rejoiceth. 15세기 말. 60 × 48 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Alexis the Metropolitan with Scenes from His Life. 1480s. 197 × 152 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin Hodegetria. 1482. 135 × 111 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Entombment. 1488. 34 × 27 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St George and the Dragon. 15세기 말 - 16세기 초. 89.2 × 67.2 × 3.3 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Dormition. 15세기 말 - 16세기 초. 117 × 92 × 3 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Entry into Jerusalem. 15세기 말. 30 × 25 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Battle Between the Novgorodians and the Suzdalians. 15세기 말. 133 × 90 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

SS Florus and Laurus. 15세기 말. 47 × 37 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Descent from the Cross. 15세기 말. 91 × ​​62 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Entombment. 15세기 말. 90 × 63 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Presentation in the Temple. 15세기 말 - 16세기 초. 24 × 19.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Ascension. 15세기 말 - 16세기 초. 24 × 19.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Hospitality of Abraham (Old Testament Trinity). 15세기 말 - 16세기 초. 

145 × 108 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Christ in majesty. 15세기 말 - 16세기 초. 145 × 106 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Christ Pantocrator. 15세기 말 - 16세기 초. 24 × 19.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Forty Sebastean Martyrs. 15세기 말 - 16세기 초. 24 × 19.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Entry into Jerusalem. 15세기 말 - 16세기 초. 24 × 19.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Dormition. 15세기 말 - 16세기 초. 24 × 19.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Dormition. 1497. 145 × 115 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Prophets Daniel, David and Solomon. 1497. 67 × 179 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Christ in Majesty. 1500. 192 × 130 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Crucifixion. 1500. 85 × 52 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Doubting Thomas. 1500. 100 × 82 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St george and the dragon. 16세기 초. 115 × 98 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St George. 16세기 초. 31 × 27 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Holy Trinity. 16세기 초. 132 × 104 × 3.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

In Thee Rejoiceth. 16세기 초. 146 × 110 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

SS Florus and Laurus. 16세기 초. 66.7 × 51.5 × 3.2 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Hexameron. 16세기 초. 110 × 91 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

SS Florus and Laurus. 16세기. 84.3 × 60.3 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Paraskeva Pyatnitsa. 16세기. 31 × 26 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Simeon Stylites. 16세기. 35.4 × 28.5 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Demetrius of Thessalonica. 1502. 157 × 60 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin. 1502. 155 × 62 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St John The Baptist. 1502. 157 × 60 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Archangel Michael. 1502. 157 × 60 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The apostle paul. 1502. 158 × 60 cm. 

Tretyakov Gallery Room 56-62

St Demetrius of Thessalonica. 16세기 후반. 144 × 47 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Prophet Elijah and the Fiery Chariot. 16세기 후반. 100 × 64 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Nicholas with Scenes from His Life. 16세기 후반. 128 × 108 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St Lucas Paints the Virgin. 16세기 후반. 45 × 36 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Prophet Jeremiah. Annunciation. Basil the Great. 1589. 70 × 19 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Resurrection-The Descent into Hell. 17세기 초. 31 × 27 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St John The Baptist in the Wilderness. 1620–1630s. 33 × 27 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Nativity of St Nicholas. 17세기. 36 × 30 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin of Vladimir. 1652. 104 × 70 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Mandylion (Image of Edessa). 1661. 55 × 48 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Annunciation. 1670s. 87 × 71 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Mandylion (Image of Edessa). 1673. 32 × 27 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Annunciation. 1673. 56 × 43 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Presentation in the Temple. 1673. 56 × 37 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Old Testament Trinity with Scenes from Genesis. 1675. 133 × 127 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

Mandylion (Image of Edessa). 1678. 53 × 42 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

St John the Baptist-Angel of the Wilderness with Scenes from His Life. 17세기 후반. 

198 × 143 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62. 

The Virgin of Vladimir. 1697. 101 × 73 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin “O Mother All-Glorified”. 18세기. 45 × 39 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin of Vladimir. 18세기 후반 - 19세기 초반. 33.3 × 26.7 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

The Virgin of Vladimir. 19세기. 40 × 33 cm. Tretyakov Gallery Room 56-62

[영상] Tretyakov Gallery Room 56-62. 러시아 <이콘> 전시실

Krishna, 1946. by Nikolai Roerich. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 47

니콜라이 레리흐(Nikolai Konstantinovich Rerikh 1874-1947)는 러시아어 화가, 작가, 고고학자, 
신지학, 철학자, 그리고 그의 젊은 시절에 러시아 사회의 영적 운동에 영향을 받은 공인이다. 
그는 최면 및 기타 영적 관습에 관심이 있었고 그의 그림은 최면 표현을 가지고 있다고 한다. 

19세기 말 상트 페테르부르크에서 자란 레리흐는 1893년에 
상트 페테르부르크 대학과 제국예술아카데미에 동시에 등록했다. 
그는 1897년에 "예술가"라는 칭호를 받고 다음 해에는 법학 학위를 받았다. 
그는 1906년부터 1917년까지 학교를 이끌었던 제국예술장려협회에 일찍 취업했다. 
그룹과의 초기 긴장에도 불구하고 그는 세르게이 디아길레프의 " 예술의 세계 " 사회의 일원이 되었다. 

예술적으로 레리흐는 고고학에 대한 평생의 관심과 양립할 수 있는 주제인 러시아 고대의 
가장 재능 있는 화가로 알려지게 되었다. 
그는 또한 무대 디자이너로 성공하여 큰 명성을 얻었다. 
그의 가장 잘 알려진 디자인은 보로딘의 이고르왕자 (1909 년 이후 제작), 
의상과 세트로 이고르스트라빈스키가 작곡한 봄의 의식을 위한 것이다.

색채와 선이 만들어내는 아름다운 선율, 러시아 화가 니콜라이 레리흐 (1874-1947)의 히말라야다 .
인간이 쉽게 정복할수 없는 히말라야의 신비가 그의 다채로운 색채에 의해 재탄생된다.
접해 보지 못한 히말라야지만 그림의 색채 만큼이나 다양하리라.
그런 레리흐의 빛깔과 과감히 사랑에 빠진다.

Guga Chohan, 1931. 구가 초안. by Nikolai Roerich. 
Tempera on cardboard, 73.5 x 117 cm. Tretyakov Gallery Room 47

구가 초안은 고대 인도왕자로 레리흐가 어릴 적 살던 클루가에 이 동상이 서 있었다 한다. 
그때 보았던 고향 마을의 봄을 그림으로 그린 것이다.
역사화가 레리흐는 러시아 역사의 근원을 다루면서, 고고학적 연구와 
역사적 고증에 기반하여 키예프 루시에 대한 새로운 회화적 시각을 창출해 내었다. 
레리흐 가문 자체의 발원이 류리크와 바랴그족과 관련된다는 믿음은 
화가 레리흐로 하여금 키예프 루시의 발원을 다루는 역사화를 구상하도록 이끌었다. 
바랴그의 러시아 도래를 다룬 그의 역사화는 고고학적․역사적 고증에 기반하고 있는데, 
이는 자신의 유년 및 청년시절의 영지 이즈바라의 경험에서 비롯되었다. 

이즈바라 영지 근처의 옛 고분들을 발굴하고 탐구하면서 느꼈던 
머나먼 과거가 지닌 조화와 아름다움의 감정, 고고학적 자료 등을 
화가 레리흐는 자신의 역사화 화폭에 그대로 담아내었다. 
또한 이즈바라의 어원처럼 신의 지혜를 찾아 순례하는 구도자의 길을 평생 걸으며, 
역사의 근원과 세계문명의 원천들을 탐구해 얻어낸 지혜들을 인류에게 알리는 
‘전령’으로서의 소명도 이 영지의 삶에서 영향 받았다. 
슬라브 문화의 원천에 대한 사유가 결국 다양한 문화와 
문명권의 근원에 대한 탐구로 이어졌으며, 평생을 역사의 전령, 
인류 정신의 전령으로서 자신의 존재론적 사명을 예술적 방법으로 풀어내었다.

러시아 역사의 근원인 키예프 루시를 다루는 역사화를 창출하면서, 
화가 레리흐는 기존의 다른 화가들이 키예프 루시를 다루는 방식인 
영웅적인 인물과 극적인 사건 중심의 접근법, 서사성과 세밀한 장면 묘사 등에서 탈피하여, 
익명화된 인물과 시대 전체의 색채와 사건의 전반적 분위기를 전달하고자 하였다. 

그는 최소화한 디테일, 선명한 선과 리듬, 보편적이고 장식적인 형태, 대담하고 화려한 색채, 
장식적 스타일, 색채를 통한 상징 등을 통해 망각되거나 저평가된 
먼 중세인 키예프 루시의 역사를 자신만의 모던한 화법으로 신선하고 활기차게 부활시켰다. 
역사의 근원과 정신의 본질에 대한 평생의 추구를 멈추지 않았던 화가 레리흐는 
자신의 모던한 역사화를 통해 러시아의 중세 역사를 소환하고, 
다가올 미래의 역사를 예감하였으며, 러시아 국가의 기초와 방향성에 대해 통찰한 역사의 '전령'이었다.

Guests from Overseas, depicting a Viking raid. 1901. 바이킹 습격을 묘사한 해외에서 온 손님
by Nicholas Roerich, oil on canvas. 85 x 112.5 cm. Tretyakov Gallery Room 47

새로운 문명의 유입, 새로운 시대의 도래에 대한 레리흐만의 독특한 표현이 돋보이는 그림이다. 
장식적이고 패턴적인 아르누보의 효과가 강렬한 색채와 함께 빛을 발한다. 
러시아 최초의 철권 통치자 바이킹(바랑기아)의 선장 류리크가 러시아로 들어와 통치한다는 
러시아 역사를 바탕으로 그려진 그림이다.

Shadow of the Teacher. Tibet. by Nikolai Roerich. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 47

20세기 초, 니콜라이 레리흐는 인도 철학을 직접 배우게 되었다. 
인도의 형이상학적 교리, 우주적 및 역사적 주기에 대한 그들의 관점은 레리흐를 사로 잡았다. 
티베트와 티베트 기적의 일꾼들은 그에게 특히 매력적이었다. 
1911년, 상트 페테르부르크에 최초의 불교 사원이 건립되었을 때
니콜라스 레리흐의 동방에 대한 관심이 너무 확실했던 그는 건축 지원위원회에 참여했고 
인도는 레리흐의 그림과 에세이에 점점 더 많이 등장하기 시작했다.

Roerich는 인생의 대부분을 Petersburg에서 보냈다. 
여기에서 그는 예술 아카데미와 대학에서 공부했으며 예술가, 고고학자, 시인, 교사가 되었다. 
상트 페테르부르크에서 그는 멋진 그림을 만들어 명성을 얻었다. 
여기서 그는 예술가, 시인, 과학자와 같은 러시아 문화의 많은 뛰어난 인물과 교류했다. 

Chenrezig. 1931. by Nicholas Roerich. Tempera on canvas. 74 × 107 cm. Tretyakov Gallery Room 47

St. Panteleimon the Healer, 1916. by Nicholas Roerich. Tretyakov Gallery Room 47

Messenger. Clan revolted against to clan. 1897, by Nicholas Roerich. Tretyakov Gallery Room 47

Solveig`s Song, Set design for the theatre production of "Peer Gynt" titled 'Solveig' Song' 1912.
오페라 'Solveig'Song '의 "Peer Gynt" 극장 제작을 위한 세트 디자인. by Nicholas Roerich. 
tempera on paper mounted on canvas. 64.7 x 85.7 cm. Tretyakov Gallery Room 47

Ashram (Ceylon), 1931. by Nicholas Roerich. 
canvas, tempera. 117.5 x 74.5 cm. Tretyakov Gallery Room 47

Rostov the Great, 1903. by Nicholas Roerich. Tretyakov Gallery Room 47

[영상] Tretyakov Gallery Room 47 니콜라이 레리흐(Nicholas Roerich) 작품 전시실

[영상] Nicholas Roerich: A collection of 261 works (HD)

Moscow landscape. Rainbow. 모스크바 풍경화 무지개. by Nikolai Krymov
oil on canvas. 59 x 60 cm. Tretyakov Gallery Room 48

니콜라이 크르이모프(Nikolay Petrovich Krymov 1884~1958)의 작품은 
아이의 시선으로 그려진 그림처럼 단순하고 동심에 가득 차 있다. 
소묘는 단순하고 밝은 색채가 평면적으로 펼쳐져 있으며 
인물이나 동물은 아이들의 장난감처럼 표현되어 있다. 
크르이모프의 이런 작품은 밝은 유머와 맑은 감각으로 우리의 눈을 즐겁게 한다. 
특히 이 그림은 산업화 이후 도시화된 모스크바의 모습이란 점에서 주목할 만하다. 
일반적인 풍경화에 등장하는 소재들은 도시 주택과 여러가지 색깔의 지붕이며, 
작가의 상상속에 모든 도시의 소재들이 조화를 이루고 있다.

Windy day : Bull, 1908. 바람 부는 날. by Nikolay Krymov. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 48

이 작품을 볼 때 불안감과 설렘이 느껴지고, 참을 수 없는 힘으로 불어오는 바람이 무섭고, 
나무 가지가 흔들리는 소리가 들리는 듯하다. 
하늘은 구름으로 덮여 있고 바람은 땅에서 먼지 구름을 일으킨다.

천둥과 번개가 치고 비바람이 곧 밀어 닥칠 것이다.
태풍을 피하기 위해 서둘러 가축을 마구간에 몰아 넣는 목자가 보인다. 
문에서 그의 조수는 마치 동물들에게 서두르라고 재촉하듯 팔을 흔든다.

우리는 이 그림에서 다가오는 태풍으로 동물뿐만 아니라 사람도 두려워한다는 것을 알 수 있다. 
흰 암소는 천천히, 은밀하게 올바른 위치로 이동하고, 
작품에 검은 색으로 그려진 황소는 두려움에 반항하기 시작한다. 
그의 꼬리는 쏠리고 뿔은 두려움으로 싸울 준비가 되어 있으며 땅에 몸을 숙였다. 
천둥과 번개가 치고, 두려움에서 황소가 태풍을 향해 달려가는 것 같다. 
태풍은 황소와 비교할 수 있으며 기질과 반항적인 성격이 닮았다.

Landscapes. Cloud, 1910. by Nikolai Krymov. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 48

니콜라이 크르이모프(Nikolay Petrovich Krymov 1884~1958)는 러시아 화가이자 예술 이론가였다.
그는 예술적인 가정에서 태어났다. 
크르이모프는 모스크바 회화, 조각 및 건축학교 에서 공부했으며
세로프(Valentin Serov) 및 코로빈(Konstantin Korovin) 스튜디오에서 공부했다 .
그는 1910년부터 1923년까지 Union의 회원이었고 

1923년부터 1931년까지 모스크바 예술가협회 회원이었다. 

그는 주로 지방 도시와 마을 풍경을 그렸으며, 특히 시골에 중점을 두었다. 
그는 원시 민속의 영향을 받았지만 나중에는 더 고전적인 접근 방식으로 변경되었다. 
처음에 그는 인상이 아닌 감정을 묘사하면서 주로 기억으로 그렸다. 
1920년대부터 크르이모프는 plenair 작업을 시작했고 

유명한 무대 세트를 디자인하면서 극장에서 일했다.

1949년 크르이모프는 소련 예술아카데미 준회원으로 선출되었다.
1942년 그는 러시아 연방 명예예술노동자계급, 그리고 
1954년 노동레드배너 훈장, 1956년 러시아 인민예술가 칭호를 받았다 .
크르이모프는 1958년 5월 6일 모스크바에서 사망했다 .

A New Pothouse, by Nikolay Krymov. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 48

Yellow Shed. by Nikolay Krymov. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 48

Sunny day, 1906. TG. by Nikolay Krymov. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 48

[영상] Nikolai Petrovich Krymov 작품 모음

Self-portrait. 1909. by Martiros Saryan. paper, gouache. Tretyakov Gallery

마르티로스 사리안 (Martiros Sergeevich Sariyan 1880~1972)은

아르메니아의 현대 미술가이자 현대 아르메니아 국립 회화학교의 설립자였다.
사리안은 돈 강변의 로스로프에서 아르메니아인의 가정에서 태어났다. 
1895년 15세의 나이로 Nakhichevan 학교를 수료했고 
1897년부터 1904년까지 모스크바 예술학교에서 

Valentin Serov 와 Konstantin Korovin 등과 함꼐 공부했다. 

1910년부터 1913년까지 사리안은 터키, 이집트, 이란을 광범위하게 여행하고, 
이탈리아, 프랑스에 유학했다. 
고갱과 마티스의 영향을 받아 생명력이 넘치는 색채 감각과 자유로운 터치에 의한 
풍경화, 초상화에 뛰어나고, 침체기의 소련 화단에 활기를 불어 넣었다. 

A Date Palm. Egypt, 1911. by Martiros Saryan. 
Tempera. 106 × 71 cm. Tretyakov Gallery Room 48

1915년 사리안은 오스만 제국의 아르메니아 대량 학살에서 탈출한 

난민들을 돕기 위해에 흐미아진으로 갔다. 
1916년에 그는 Tiflis (현재 Tbilisi )로 여행하고 루식 어가얀(Lusik Agayan)과 결혼했다. 
1917년 볼셰비키가 권력을 장악한 후 그는 가족과 함께 러시아에서 살았다. 
1921년에 그들은 아르메니아로 이사했다. 

그의 작품 대부분은 아르메니아 풍경을 반영했지만, 
한편 아르메니아 SSR의 문장을 디자인하고 최초의 아르메니아 국립극장의 커튼을 디자인했다.
1926년부터 1928년까지 그는 파리에서 살면서 일했지만, 
이 시기의 작품 대부분은 그가 소련으로 돌아오는 배의 화재로 소실되었다. 

1928년부터 사망할 때까지 사리안은 소련 아르메니아에 살았다.
사리안은 이집트, 터키를 여행하고 자신의 고향 아르메니아에 살면서 여러 작품을 남긴다. 
중동의 아름다운 자연, 작열하는 태양, 낙타와 나귀를 탄 사람들, 과일 꽃 등을 많이 그린다. 
또한 동방의 원시적인 이미지를 나타내기 위해 오렌지 색, 청색, 녹색, 황색을 조화롭게 배치하고 
색채가 만들어내는 강렬한 이미지를 통해 성취한다. 
사리안은 색채, 구조 소묘를 극단적으로 단순하게 표현하지만 높은 예술성에 근거한 신선한 감각이 있다.

The outside. Noon. Constantinople, 1910. 정오 콘스탄티노플의 거리. 
by Martiros Sariyan. oil on canvas. 66 x 39 cm. Tretyakov Gallery Room 48

1930년대의 어려운 시기에 그는 주로 초상화뿐만 아니라 풍경화에 전념했다. 
그는 또한 소련 최고 소비에트의 대리로 선출되었고 레닌 훈장을 3회 수상하고 다른 상과 메달도 받았다 . 
그는 소련 미술 아카데미 (1974)와 아르메니아 과학 아카데미 (1956) 의 회원이 되었다.

사리안은 1972년 5월 5일 예레반에서 사망했다. 
예레반에 있는 그의 이전 집은 현재 수백 개의 작품이 전시되어 있는 박물관이 되었다. 
그의 아들 Ghazaros (Lazarus) Saryan 은 작곡가이자 교육자가 되었고
그의 증손녀 Mariam Petrosyan은 화가, 만화가이자 수상 경력에 빛나는 소설가이기도 하다.
그의 대표작으로는 '아르메니아'(1923, 예레반 아르메니아 화랑), '남국의 겨울', 
'자화상'(모스크바, 트레차코프 미술관) 등이 있다.

The outside. Constantinople, 1910. by Martiros Sariyan. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 48

Wistarias 1910. by Martiros Sariyan. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 48

Green jug and bouquet. Still life. 1910. 녹색 용기와 꽃다발. 정물.
by Martiros Sariyan. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 48

Grapes. Still life, 1911. by Martiros Sariyan. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 48

[영상] Martiros Sarian 작품 모음

Indian summer. 1916. 인도 여름. by Sergey Sudeikin. 
Oil on carton. 51×76 cm. Tretyakov Gallery Room 48

세르게이 수데이킨 (Sergey Yurievich Sudeikin 1882-1946)은 발레루스와 
메트로폴리탄 오페라와 관련된 러시아 예술가이자 세트디자이너였다.

Flowers and a Statuette. by Sergey Sudeikin. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 48

Flowers in a Vase. by Sergei Sudeikin. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 48

[영상] Sergey Yurievich Sudeikin 작품 모음

Salome. ‘살로메’. by Leon Nikolaevich Bakst. Tretyakov Gallery Room 48

레온 박스트(Leon Nikolaevich Bakst 1866-1924)는 러시아의 화가, 무대 미술가, 의상 디자이너이다.
레온은 현재의 벨라루스 흐로드나 지방인 로젠베르크에서 중산층 유태인 가정에서 태어났다. 
김나지움을 졸업한 후, 그는 상트페테르부르크 미술 학교에서 비정규 학생으로 공부하면서, 
시간제로 책 일러스트레이터로 일하였다.

1889년 그의 첫 번째 전시회에서 그는 어머니의 할머니의 이름인 Baxter를 기초로 
Bakst라는 이름을 사용하였다. 
1890년대 초기에 박스트는 수채화가 조합과 함께 작품을 전시하였다. 
그는 1893 - 1897년 동안 파리에 살면서, Académie Julian에서 공부하였으며, 
자주 상트페테르부르크를 방문하였다. 
1890년대 중반 이후, 그는 세르게이 디아길레프와 알렉산드르 브누아가 구축한 
작가와 화가들의 집단의 구성원중 하나가 되었다. 이는 Mir Iskusstva 미술 운동이 되었다.

1899년 박스트는 디아길레프와 함께 영향력있는 정기 간행물인 
《미술 세계》를 공동으로 설립하였다. 
그의 그 잡지를 위한 그래픽 디자인은 박스트의 명성을 가져다 주었다.

1900년대 10년 동안 박스트는 대부분 무대 디자이너로 활동하였다. 
박스트는 그리스 비극을 위한 무대를 디자인했고, 1908년에 디아길레프와 
발레루스를 위한 무대 화가로 이름을 얻었다. 
《클레오파트라》(1909년), 《세헤라자데》(1901년), 《사육제》(1910년), 
《나르시스》(1911년), 《다프네와 클로에》(1912년) 등이 있다. 
유태인은 영구적으로 러시아에서 유태인 거주지 바깥에서는 살 권리가 없었기 때문에 
박스트는 이때 유럽에서 살았다.

상트 페테르부르크에 가서 있는 동안 박스트는 Zvantseva's school에서 학생들을 가르쳤다. 
마르크 샤갈도 그의 제자 중 한 명이다. 
박스트는 샤갈에게 파리에 가지 말 것을 충고하였다. 
박스트에 따르면 파리로의 이주는 샤갈의 예술과 재정적으로도 위험하기에 
아마도 그가 굶어 죽을 것이라고 말했다.

1914년 박스트는 황실 미술 아카데미의 회원으로 선출되었다.
박스트는 1918년 디아길레프와 발레루스의 관계를 끝냈다. 
그는 1924년 파리에서 폐 합병증으로 사망하였다.

[영상] Tretyakov Gallery Room 48 작품 전시실

20세기 초반 회화. 다양성의 시대 - 예술 세계파의 시대

The Pool. 1902. 연못에서. by Victor Borissow-Mussatow. 
Tempera on canvas, 177 x 216 cm, Tretyakov Gallery Room 45

빅토르 보리소프 무사토프 (Victor Borissow-Mussatow 1870~1905)는 상징주의와 
순수한 장식적 스타일을 나타냈고 사실주의를 혼합한 독특한 후기 인상주의 스타일로 두드러졌다.
미하일 브루벨과 함께 그는 종종 러시아 상징주의의 창시자로 일컬어진다. 
상징주의는 보통 꿈과 연결되어 표현을 많이 한다. 
그래서 몽환적인 색상도 많이 나오기도 한다.

빅토르 무사토프는 러시아 사라토프에서 태어났다. 
그의 아버지는 농노로 태어난 경미한 철도 공무원이었다.
​어린 시절에 그는 척추 부상을 입었고, 그로 인해 그는 평생 동안 혹사당했다고 한다.
1884년 그는 사라토프 실제 학교에 입학했는데, 그곳에서 
그의 스승인 표도르 바실리예프와 코노발로프가 예술가로서의 재능을 발견했다.

연못가에 서 있는 두 여인은 각자의 자리에서 
연못 수면에 비친 구름과 나무와 함께 조화를 이루고 있다. 
하늘도, 물도, 나무 숲도, 여인들도 작가가 만들어 놓은 은색의 색채에 싸여 있으며 
현실은 없고 시간은 정지한 채 과거와 추억만이 존재하는 듯 신비로운 느낌을 준다. 
그곳은 혁명도 전쟁도 싸움도 없는 그런 조용한 곳처럼 느껴진다. 
연못에 비친 주변의 표현이 탁월하다. 
또한 여인의 드레스 주름에서 반복되는 리듬은 마치 파도가 치는 듯한데, 
연못의 매끈한 수면과 대조되는 것이 참으로 인상적이다.

Phantoms, 1903. by Victor Borissow-Mussatow. Tempera on canvas. Tretyakov Gallery Room 45

The Emerald Necklace, 1903-1904. by Victor Borissow-Mussatow. 
oil and tempera on canvas. 125 x 214.3 cm. Tretyakov Gallery Room 45

May Flowers, 1894. by Victor Borissow-Mussatow. Tretyakov Gallery Room 45

The Gobelin 1901. by Victor Borissow-Mussatow. 
Stretched Canvas. 18 x 24 cm. Tretyakov Gallery Room 45

Woman in a yellow shawl, 1904. by Victor Borissow-Mussatow. 
45 x 65 cm. Tretyakov Gallery Room 45

In the summer, 1897. by Victor Borissow-Mussatow. Tretyakov Gallery Room 45

[영상] Tretyakov Gallery Room 45. 보리소프 무사토프 (Victor Borissow-Mussatow) 작품 전시방

[영상] Victor Borisov-Musatov - Artist - A Slavic Seduction

Sleeping in a koshara. 1911. by Pavel Kuznetsov. Tretyakov Gallery Room 46

파벨 쿠즈네쵸프 (Pavel Kuznetsov 1878-1968)는 러시아의 고갱이라고 불리기도하는 화가였다. 
발렌틴 세로프(Valentin Serov)와 콘스탄틴 코로빈(Konstantin Korovin)의 학생인 그는 
20 세기 초 러시아 상징주의 예술가협회 창설의 기원에 서 있었다. 
그리고 소비에트 시대에 그는 "원예에서 화초 재배, 집단 농장 노동의 과정에서 휴일 수확에 이르기까지"
노동 주제에 빠져 들었다.

"그는 모든 것에서 영감의 원천을 찾았습니다.  
자연의 아름다움, 사람의 아름다움, 기념비 성, 지구상에 살아 있는 모든 것. 
그리고 이 사진을 볼 때 우리가 사회주의 리얼리즘이 의미하는 바에 대해 아주 사소하지 않고 
비표준적인 것을 볼 때 움직임, 당신은 이 예술가가 적합하고 이미 국내뿐만 아니라 
1920 ~ 1930 년대 유럽 미술의 역사에 새겨 져 있음을 이해합니다. "
이것은 트레티야코프 갤러리 Zelfira Tregulova 감독이 파벨 쿠즈네쵸프에 대한 평이다.

여자는 힘들고 다양한 집안 일을 마치고 잠시 낮잠을 잔다. 
수면 위치는 연속적인 부드러운 선으로 표시된다. 
캔버스 위의 여성은 삶과 침묵의 영원한 조화를 상징한다. 
섬세하고 쉽게 윤곽을 그리는 동양적인 얼굴의 특징은 삶의 스릴을 전달하는 것 같다. 
배경은 장식용 아플리케가 있는 펠트 카펫이다.

Still Life. Morning, 1916. by Pavel Kuznetsov. 
oil on canvas. 106 × 97.5 cm. Tretyakov Gallery Room 46

In the steppe at work. Shearing, by Pavel Kuznetsov. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 46

전경에서 화가는 양털 깎기와 같은 일상적인 일에 종사하는 키르기스스탄 여성을 묘사했다. 
그들은 마치 석화된 것처럼 움직일 수 없으며, 고대 대초원 여신처럼

위엄이 끝없는 대지와 끝없는 하늘과 조화를 이룬다. 

그림이 어떻게 만들어지고, 이미지가 구성되고, 인간 유형이 해석되는지, 

고대 러시아 전통의 메아리가 보인다.

Sartyanka, 1920. by Pavel Kuznetsov. oil on canvas. 86 × 59.8 cm. Tretyakov Gallery Room 46

Morning. 1905. 아침. by Pavel Kuznetsov. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 46

Mirage in the Russian Steppes, 1912. 대초원의 신기루, by Pavel Kuznetsov. oil on canvas. 
oil on canvas.  95 x 103 cm, Tretyakov Gallery Room 46

쿠브네초프는 중앙 아시아 초원 지대를 여행하며 
그곳이 엮어내는 태초의 모습을 그림에 담으려 했다. 
고갱의 원시주의처럼 자연의 법칙을 순응하고 살아가는 
중앙아시아 여인들의 소박한 모습이 그림에 나타난다. 
2차원의 화폭에 원근도 명암도 없이 단순화된 사람과 
자연이 푸른 색으로 어우러져 통일 되어 있다. 
이런 색채와 구도의 변화는 러시아 모더니즘과 추상주의로 가는 밑거름이 된다.

Blue Fountain, 1905. by Pavel Kuznetsov. 
Tempera on canvas. 127 x 131cm. Tretyakov Gallery Room 46

아르누보 계열의 장식적인 양식을 선호한 대표 작가다. 
주제를 표현하가 위해 통일된 패턴과 하나의 색채가 주를 이룬다. 
푸른 색 분수아래 함께 모여 있는 가족, 여러 개의 조각들이 모여 형태를 이루는 
모자이크 같은 느낌을 주며 색채의 통일이 뛰어 난 작품이다. 
쿠브네초프는 당시 팽배해 있던 퇴폐적 낭만주의에서 머무르지 않고 

원초적인 무엇을 표현하고자 했다. 
즉, 죽음과 소멸의 주제에서 벗어나 과거를 버리고 

새것을 태동시키는 생명이라는 주제에 집중하게 된다. 
그렇게 탄생된 가족이다.

In the Steppe, 1911. 초원에서. by Pavel Kuznetsov. oil on canvas. 21.4 x 20 cm. Tretyakov Gallery Room 46

그리고 49에서 54번까지 방에 있는 18세기에서 20세기 초까지의 그래픽들을 볼 수 없었고, 
55번 방에 있는 12세기부터 20세기 초까지의 보물들을 볼 수 없었다. 
그것은 이들 방이 닫혀 있었기 때문이다. 
이처럼 문이 닫힌 경우는 작품의 수리와 교체를 위해 작업을 하는 중이거나, 
순회 전시를 위해 해외 박물관에 대여 중이라고 한다.

여기서 그래픽이란 드로잉, 수채화, 파스텔, 프린트와 같은 형태의 그림으로 
6개월 마다 전시품이 바뀐다고 한다. 
그리고 보물이란 값진 금속과 보석으로 이루어진 예술품과 미니어쳐, 이콘 등을 말하며, 
은으로 상감된 이콘, 금으로 장식된 예배당 등이 대표적이다.

Mr. Jourdain's room. On the plot of the comedy-ballet by J.-B. Moliere 
"Bourgeois - nobleman". 1911. 주르젠의 방. 몰리에르 코미디 "서민 귀족 무대".
by Nikolai Nikolaevich Sapunov. Tempera on canvas. 92.2 x 140.5 cm. Tretyakov Gallery Room 46

니콜라이 니콜라예비치 사프노브(Nikolai Nikolaevich Sapunov, 1880-1912)는 

아티스트이자 무대 디자이너, 러시아 연극 역사상 최고의 배경화 작가 중 한 명이었다. 
그는 모스크바에서 태어나 이삭 레비탄(1893–1901) 아래 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교 에서 공부했고, 
상트 페테르부르크 제국 예술아카데미에서 콘스탄틴 코로빈(Konstantin Korovin), 이삭 레비탄(Isaac Levitan), 
발렌틴 세로프(Valentin Serov) 등의 저명한 화가 밑에서 모스크바 회화, 조각 및 건축학을 공부했다. 
일찍이 무대 디자이너와 화가로서 성공하였지만, 보트 익사 사고로 33세의 나이에 요절하였다.

사프노브의 가장 잘 알려진 그림은 꽃과 도자기가 있는 정물이다.
사프노브의 생애가 끝날 무렵 그는 일련의 아이러니한 장르 사진을 시작했는데, 
그는 해외로 가고 싶었기 때문에 미완성으로 남겨 두었다. 
니콜라이 사푸노프는 핀란드의 Terioki (현재 Zelenogorsk )에서 보트 사고로 33세에 익사했다 .

사푸노프는 선술집, 극장, 회전목마, 꽃 등 여러 소재를 그린다. 
꿈꾸듯 세상을 바라보고 그 시선 그대로 화폭에 담는다. 
그의 그림에는 색과 빛으로 가득 채워진 색채의 하모니가 있다. 
빨강, 파랑, 노랑, 초록의 빛깔이 서로 어우러져 빛을 발한다. 

Flowers and porcelain, 1912. 도자기와 꽃. by Nikolai Sapunov. 
oil on canvas. 178 х 161 cm. Tretyakov Gallery Room 46

The Tea Party, 1907. 다과회. by Nikolai Nikolaevich Sapunov. 
Canvas, silver, gold, colored bronze. 93 × 128 cm. Tretyakov Gallery Room 46

Hotel Green Bull, 1910. by Nikolai Sapunov. 
Tempera on cardboard. 73.5 x 103.5 cm. Tretyakov Gallery Room 46

Blue Hydrangea, 푸른 수국. 1907. by Nikolai Sapunov. 
Tempera on canvas. 114.5 x 132.5 cm. Tretyakov Gallery Room 46

Still life. Vases, flowers and fruits, 1912, 꽃과 과일, 꽃병이 있는 정물. 
by Nikolai Sapunov. Tempera on canvas. 147 × 116 cm. Tretyakov Gallery Room 46

[영상] 니콜라이 사프노브(Nikolai Nikolaevich Sapunov) 작품 모음

Flood-Lands, 1908. 목초지. by Utkin Pyotr Savvich. 
Tempera on canvas. 41 x 42.5cm, Tretyakov Gallery Room 46

표트르 우트킨 (Utkin Pyotr Savvich 1877-1934)은 1900년대 초반 '푸른 장미' 전시회 
기획자로 활동하였으며, 러시아 상징주의가 발전하는데 중요한 역할을 한 화가다. 
그의 대표작 '목초지'는 파란 색과 붉은 색의 조화가 탁월한 작품이다. 
푸른 장미파의 작가들이 선호했던 꿈의 세계, 이상의 세계를 표현하면 바로 이런 모습일 것이다. 
또 우트킨은 <황금 깃털>이라는 미술 잡지의 편집자가 되어 상징주의적인 색채의 세계를 피력했다.

푸른장미파(Golbaya Rosa)는 1904년에 결성되어 1908년까지 계속된 러시아의 상징주의 그룹이다.
파벨 쿠즈네초프를 중심으로 하여 우트킨, 니콜라이 사푸코프, 알렉산드르 마트베에프, 
마르티로스 사리얀, A. V 폰비진, G. B 야쿨로프, N. P. 울리야노프 등이 그 회원이었다.
푸른장미파에 직접 영향을 준 사람은 빅토르 보리소프 무사토프였다. 보리소프 무사토프는 샤반과 
나비파의 분위기를 러시아에 전했다.
푸른장미파는 단명했지만, 칸딘스키나 샤갈이 나올 수 있는 길을 마련해 주었다.

20세기 초반 회화. 다양성의 시대 - 예술 세계파의 시대

Tretyakov Gallery Room 43. 인싱주의 화가 콘스탄틴 코로빈 (Konstatin Korovin) 작품 전시실

러시아 최초의 인싱주의 화가 콘스탄틴 코로빈 (Konstatin Alekseyevich Korovin 1861~1939)
콘스탄틴 코로빈 (Konstatin Alekseyevich Korovin 1861~1939)은 러시아 최초의 인싱주의 화가다.
코로빈은 모스크바 사업가 집안에서 태어났다. 
그의 할아버지가 자수성가해서 사업을 일으켰는데 대학을 졸업한 아버지는 사업보다 음악과 미술에 더 관심이 많았다. 
할아버지가 돌아가시자 사업에 관심이 없었던 아버지 때문에 코로빈의 집안은 몰락하고 말았다. 
‘부자 3대를 못 간다’라는 말이 있지만 2대도 가지 못했다.  

Tretyakov Gallery Room 43. 인싱주의 화가 콘스탄틴 코로빈 (Konstatin Korovin) 작품 전시실

코로빈 몸 속에는 화가의 피가 흐르고 있었던 것 같다. 
형 세르게이도 사실주의 화가였고 코로빈의 친척 중에는
유명한 화가이자 모스크바 예술학교의 교수도 있었다. 
14살에 모스크바 예술학교 건축과에  입학했는데, 이 때 집안이 몰락한다.  
15살 때 '나는 드로잉 수업을 포기하고 빵을 벌어야 했다’  라는 그의 회상이 있다. 

2년간 학교 생활을 하다가 방학 숙제로 풍경화를 제출하고는 회화과로 전과를 한다. 
이때 러시아의 풍경을 감사하는 마음으로 느끼는 훈련을 받는다. 
마지막 공부를 위해 상페테스부르그 왕립학교로 갔지만 
구태의연한 교육 방법에 실망하고 3개월 만에 모스크바로 돌아온다.

Tretyakov Gallery Room 43. 인싱주의 화가 콘스탄틴 코로빈 (Konstatin Korovin) 작품 전시실

모스크바로 돌아 온 코로빈은 바실리 플레노프의 지도를  받는데 
코로빈의 일생 중에서 가장 중요한 일이 아니었던가 싶다.  
플레노프는 그림뿐만 아니라 당시 서구 예술, 특히 프랑스에 대해 열정적이었고 지식도 꽤 갖추고 있었다. 
모스크바 예술학교 선생님들에 대한 코로빈의 회상을 보면 좋은 스승들이 많았던 모양이다.

모스크바 미술학교에는 바실리 페로프(Vasily Perrov), 알렉세이 사브라소프(Alexei Savrasov), 
발렌텐 세로프(Valentin Serov), 이삭 레비탄(Isaac Levitan)과 같은 당대 최고의 러시아 화가들이 재학 중이었다.

‘... 공정하고 친절했던 선생님들은 내 영혼에 깊은 흔적을 남겨 놓으셨다. 
지금은 모두 돌아가셨기 때문에 존경심과 함께 비애를 가지고 선생님들을 기억하고 있다. 
내 앞에 살아계시는 것 같다. 순수하고 정직했던 선생님들...‘ 

코로빈은 스승인 플레노프는가 소개한 단체에 가입한다.  
이 단체는 화가와 가구 디자이너, 무대 디자이너, 건축가와 같은 일군의 젊은이들이 참여했는데 
모인 사람들 모두가 러시아의 전통과 자연에 대한 사랑으로 가득한 사람들이었다. 
코로빈은 이들과 함께 러시아의 넓고 깊은 곳으로 여행을 다니곤 했다. 

Tretyakov Gallery Room 43. 인싱주의 화가 콘스탄틴 코로빈 (Konstatin Korovin) 작품 전시실

러시아 최고의 미술학교에 다니고 있던 1885년 그는 돌연 미술의 본고장 프랑스와 스페인으로 유학을 떠나게 된다. 
그의 프랑스 파리유학은 코로빈의 지금까지의 생각을 뒤흔들어 놓기에 충분했다. 파리에 긴 후에 그는 그 감동을 
"파리는 내게 충격적이었다. 특히 인상파들의 기법은 내가 다시 모스크바로 돌아가지 못하게 한다"  말하고 있다.
1880년대 후반 서유럽 특히 파리는 인상주의가 한참 유행하던 때이고 
그의 파리 유학은 러시아 청년의 마음을 뒤 흔들어 놓기에  충분했을 것이다 .

모스크바에서 그가 고심하며 제작했던 화풍이 파리의 화가들에게는 이미 평범한 것이었다.  
그 후 파리는 코로빈이 가장 좋아하는 도시가 되었다. 
나중에 파리에서 살게 될 때 ’빛의 도시’ 파리의 저녁과 밤의 모습을 묘사한 작품들을 남기게 된다. 

3년 후 코로빈은 이태리와 스페인 여행을 다녀온다. 
그 뒤 새로 건설된 철도를 이용하여 러시아 북부지방 여행 길에 나섰다. 
이 때 여행을 통하여 그는 그 자신의 풍경화를 제작하기 시작하는데 
꼼꼼하게 직조된 회색 천에 그림을 그렸다. 
이런 방법은 1890년 그의 작품의 한 전형이 된다. 

Tretyakov Gallery Room 43. 인싱주의 화가 콘스탄틴 코로빈 (Konstatin Korovin) 작품 전시실

​1896년 전(全)러시아 전시회가 개최된다. 
코로빈은 러시아 북부철도 전시관 장식을 맡았는데 북부 여행을 해서 얻은 소품들과 
장식용 작품들이 대단한 성공을 거두면서 그의 이름이 널리 알려지게 되었다.

이 기세로 1900년 파리 세계박람회 러시아 전시관의 수석 디자이너가 되었고 
특히 러시아제국의 중앙아시아 부분을 직접 디자인 한 공로로 
프랑스 정부로부터 레종드뇌르 훈장을 받게 된다. 
그의 명성은 이제 세계에  알려지게 되었고 그의 숨겨져 있던 
또 다른 재능이 그를 새로운 세계로 끌어 내는 순간이었다.

Tretyakov Gallery Room 43. 인싱주의 화가 콘스탄틴 코로빈 (Konstatin Korovin) 작품 전시실

1900년 이후 코로빈은 연극 무대 장식에 관심을 갖기 시작한다. 
전통적인 무대 장식에서 벗어나 연극의 감정 흐름을 전달하는, 
분위기 있는 그의 무대 장식 솜씨는 당시로서는 혁신적이었다고 한다. 
1차 세계 대전이 발발하기 전, 4년 간 자신이 졸업한 모스크바 예술학교의 교수로 재직한다. 
1차 대전 중에는 전쟁에 참여하여 조언을 하기도 하고 종종 최전선에 나가기도 했다. 

10월 프롤레타리아 혁명이 일어 난 후 러시아의 체제가 바뀌었지만 코로빈은 극장의 무대 장식 일은 계속된다. 
그러는 과정 중에서 코로빈의 그림은 스타일은 더욱 커졌고 색상은 풍부해졌다. 아울러 화법도 자유스러워 졌다.  
62세가 되던 1923년, 코로빈은 자신의 심장병 치료와 장애인인 아들의 치료를 위해 파리로 이사를 간다. 
코로빈은 몰랐겠지만 그는 다시 러시아로 돌아 오지 못했다. 
코로빈의 아들 알렉세이는 어려서 사고로 두 발을 잃었던 장애인이었다. 
알렉세이도 화가였는데 나중에 자살로 53년의 생을 마감한다. 

파리에서의 생활비를 위해 코로빈은 대규모 전시회를 준비한다. 그런데 그 그림을 모두 도둑맞고 말았다. 
거의 무일푼이 되어 버린 코로빈은 관광엽서 같은 그림으로 우선 생계를 유지한다. 
그러나 그의 명성이 이미 세계적으로 알려졌기 때문에 그 후 그는 유럽과 미국, 
호주의 주요 극장 무대 장식 일을 맡으며 말년을 맞이한다. 
코로빈은 파리에서 78세로 세상을 떠났다.  
코로빈을 러시아의 첫 번째 인상파 화가로 보는 사람도 있다. 

A Nothern Idyll, 북녘의 목가 생활, 1886. by Konstatin Korovin.  
oil on canvas. 113 x 153 cm. Tretyakov Gallery Room 43 

북쪽 지방의 전원 풍경. 
민속 의상을 입은 여인들이 서 있고 아이는 엎드려서 피리를 불고 있다.  
분위기는 독특한데 한 눈에 봐도 연출된 느낌이다.  
그래도 탁 트인 하늘과 푸른 풀밭 사이에 서 있는 여인들의 붉은 옷이 너무 선명해서  
신화 속의 한 장면을 보는 듯 하다.  

러시아 민속 예술에 관심을 갖고 노력한 코로빈의 대표작이다.  
파리에서 인상주의를 접한 코로빈은 러시아에 인상주의를 소개하지만, 민족적인 주제에도 심취한다.  
특히 시베리아를 여행한 후 백야를 보며 느꼈던 신비로운 감정과  
러시아 국토의 아름다움에 감동받아 이 작품을 그린다. 

그림 속 배경은 여름 시베리아로, 울창하게 펼쳐진 초원의 잔디에서 어린 양치기가 풀피리를 불고 있고,  
러시아 전통 의상을 입은 세 명의 소녀들이 부르는 전통 민요가 들리는 듯하다.  
곧 추위가 닥치면 온 세상이 꽁공 어는 시베리아 벌판이지만,  
그림 속그들이 만들어 내는 목가적 분위기는 아름답기 그지 없다. 

In the Boat. (Portrait of the Artist Maria Yakunchikova and Self-Portrait). 1888. 
보트에서 - 예술가 마리아 야쿠친고바와 자화상. by Konstatin Korovin. 
oil on canvas.  53 x 43 cm. Tretyakov Gallery Room 43

보트에서 코로빈과 같이 있는 여인은 화가이자 그래픽 디자이너인 마리아 야쿠친코바이다. 
그녀도 모스크바 예술 학교 에서 공부를 했고 그런 인연으로 코로빈과도 교류가 있었다. 
남자는 한 쪽 책장을 뒤집어 돌려서 맞접은 형태로 한 손에 책을 들고 있고, 
여자는 이를 지켜 보고 있는 것으로 보아, 책을 읽어 주고 있는 듯하다.
화면 구성의 초점은 하얀 블라우스를 입고 있는 여인이다. 
밝은 햇살이 노란색 계열의 뱃전에 환히 떨어지고 있는 가운데, 
어두운 물가 배경이나 남자의 그늘과 대비되어 이 여인의 흰색 블라우스로 시선이 모아진다. 

이 여인은 화가의 친구인 마리아 야쿠친코바 (Maria V. Jakunchikova)이고, 
책읽는 남자는 콘스탄틴 코로빈으로 화가 자신이다. 
제목은 “보트에서”이지만 부제가 “예술가 야쿠친코바와 자화상”으로 되어 있다. 
미술학교 친구 사이였지만, 왠지 당시 젊은 화가의 마음을 빼앗지 않았을까 싶다. 
이 그림은 오카 강의 지류인 클랴지마(Klyazma) 강가의 
주콥카(Zhukovka)란 마을에서 1888년 여름에 그려졌다. 
인물이 자연에 서정적으로 스며드는 형식을 다루고 있는 러시아 초기 인상주의의 전형을 보여준다.

야쿠친코바는 의사와 결혼을 했으니까 두 사람 사이를 의혹의 눈으로 볼 것은 없다. 
그러나 책을 보는 코로빈을 바라보는 그녀의 눈과 몸짓은 따뜻하다.
생각해 보면 뜻이 맞는 동료나 친구 사이에 남자, 여자가 무슨 장애가 될까?

Stream in Pechenga. 1894​. by Konstatin Korovin. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

발렌틴 세로프와 북쪽지방 여행 후 그린 풍경화 중의 하나.  
회색톤의 습작 형태로 그린게 1890년대 코로빈의 특징이다.

Paris. Boulevard des Capucines, 파리 카퓌신 거리의 정경. 1911. by Konstatin Korovin. 
oil on canvas. 65 x 80.7cm. Tretyakov Gallery Room 43

코로빈은 러시아의 대표적인 인상주의 화가다. 
파리의 카퓌신 거리를 사랑하고 몽마르트를 좋아한 코로빈은 여러 파리 풍경을 그림으로 남겼다. 
쇼윈도, 레스토랑, 극장 등이 빚어내는 불빛이 거리를 가득 메우고 어지럽게 움직이는 
파리지앵들의 자취를 화려하고 다채롭게 표현한 코로빈의 색채가 눈길을 사로잡는다. 
코로빈의 <북녘의 목가 생활>과 비교해서 보면 좋은 작품이다.

Boulevard des Capucines, Paris. 파리 카퓌신 거리의 정경. 1906. by Konstatin Korovin. 
Oil on canvas, 73 x 60 cm. Tretyakov Gallery Room 43

After the rain Paris. 1897. by Konstatin Korovin. 

Tempera on cardboard. Tretyakov Gallery Room 43

Café in Yalta. 1905. by Konstatin Korovin. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

Paris. Cafe de la Paix. 1906. by Konstatin Korovin. 
oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

Parisian Cafe. Date unknown. by Konstatin Korovin. 

oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

Boulevard des Italiens, Paris. 1908. by Konstatin Korovin. 
oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

On the Beach in the Crimea. 1909. by Konstatin Korovin. 
oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

Pier in Crimea. 1913. by Konstatin Korovin. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

Portrait of Ivan Morozov. 1902. by Konstatin Korovin. 
oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

Portrait of Sofia Golitsyna. 1886. oil on canvas. 

Tretyakov Gallery, Moscow, Russia​

Winter. 1894. Oil on canvas mounted on cardboard. 37 X 52 cm.
Tretyakov Gallery, Moscow, Russia​​​

Summertime. 1895. oil on canvas. Tretyakov Gallery, Moscow, Russia​​​​​​

Fish, Wine and Fruit. 1916. oil on canvas. Tretyakov Gallery, Moscow, Russia 

Portrait of a chorus girl. 합창단 소녀의 초상. 1883. by Konstatin Korovin. 
oil on canvas. 53 x 41 cm. Tretyakov Gallery Room 43

코로빈의 이름을 처음으로 알린 작품이다. 
나도 성가대 단원이었던 적이 있지만 저렇게 눈을 뜨는 경우는 

지휘자를 바라볼 때와 높은 음을 낼 때이다. 
물론 딴 짓을 할 때도 있지만... 
부드러운 선과 초록 배경 그리고 노란색 모자는 

자유분방한 붓 터치와 어울려 편한 분위기를 만들고 있다.

Bridge. 1881~1889. by Konstatin Korovin. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

Florence. 1888. by Konstatin Korovin. 

oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

By the Balcony : Leonora and Ampara. 1881. by Konstatin Korovin. 
oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43
아브람체보의 주인인 마몬토프와 이태리 스페인 여행 때 그린 작품

Paris cafe. 1890. by Konstatin Korovin. Tretyakov Gallery Room 43

Beach at Dieppe. 1890. by Konstatin Korovin. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

In a Summer Cottage. (At the Dacha). 1895. by Konstatin Korovin. 
oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

​Paper lanter. 1898. oil on canvas. 

Tretyakov Gallery, Moscow, Russia

The Barn. 1900. by Konstatin Korovin. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

Still Life with Z. Pertseva's Portrait. 1916. by Konstatin Korovin. 
oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

Roses in Blue Jugs. 1917. by Konstatin Korovin. oil on canvas. Tretyakov Gallery Room 43

[영상] Tretyakov Gallery Room 43. 콘스탄틴 코로빈 (Konstatin Korovin) 작품 전시실