별관 General Staff Building - 클로드 모네(Claude Monet)

 

Room of Claude Monet. The State Hermitage Museum. General Staff Building, Hall Number 403

 

403번 홀은 클로드 모네 (Claude Monet 1840-1926)의 작품이 전시되어 있다. 
클로드 모네는 프랑스의 인상주의 화가로, 인상파의 개척자이며 지도자다.

모네는 1840년 프랑스 파리에서 상인의 아들로 태어났다. 
그는 소년 시절을 르아브르에서 보내고 그곳에서 부댕의 문하생이 되어 정식 미술 교육을 받게 되었다. 
그 후 1859년 파리로 나가 피사로 · 시슬레 · 르누아르 · 바지유 등과 사귀게 되었다. 
모네는 마네의 밝은 화풍에 끌려 밝은 야외 광선 묘사에 주력하였다. 
마네를 중심으로 르누아르 및 피사로 · 드가 · 세잔 등과 함께 신예술 창조에 전력하였다. 
모네는 1871년, 프로이센-프랑스 전쟁 중에는 런던으로 건너가, 
그곳에서 터너 등의 작품에 영향을 받아 더욱 밝은 색조에 대한 연구를 하게 되었다.

귀국 후, 1874년 그의 동료 화가들과 함께 제1회 인상파 전람회를 개최하였다. 
그러나 출품된 작품이 물체 본래의 색깔을 쓰지 않고, 
신선하고 밝은 색채로만 그려진 데 대해 비난과 공격이 쏟아졌다. 
특히 모네의 〈인상, 해돋이〉가 가장 심한 비난을 받았는데, 
'인상파'라는 말은 이때 모네의 작품을 야유한 데서 나온 말이다.

 

Room of Claude Monet. The State Hermitage Museum. General Staff Building, Hall Number 403

이 방에 전시된 작품들은 40년 동안 모네의 작업을 시대별로 보여 주고 있다. 
초기-인상파의 첫 전시 7년 전에 모네의 작품 "Woman in the Garden (정원의 여인 1867)"과
"안개 효과 (Effect of Fog 1903)" 등이 전시되어 있다.

 

Woman in the Garden. Sainte-Adresse, 1867. by Claude Monet. oil on canvas. 
101 x 82 cm. The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

 

정원의 여인(Woman in the Garden)은 1866년 클로드 모네가 26세 청년이었을 때의 작품이다. 
그림 속의 여성은 잘 살던 사촌의 젊은 아내인 Jeanne-Marguerite Lecadre이다. 
그림의 스타일은 모네가 나중에 찬사를 받았던 전형적인 인상파 작품과는 달리 매우 구성적이고 세부적이다. 
여인의 밝은 흰색 드레스는 정원의 빨강, 분홍색 및 녹색과 생생하게 대조되고 있다. 

 

Pond at Montgeron, 1876. by Claude Monet. oil on canvas. 
194 x 173 cm. The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403. 

 

이 작품은 인상파의 예술 후원자 중 한 명인 금융가

앨리스 호셰데(E. Hochede)가 의뢰한 4개의 장식 패널 중 하나다. 
모네의 다른 세 작품 중 또 하나의 작품은 다음에 소개할  
"Montgeron의 정원 코너(A corner of the garden in Montgeron)"로 

대형 살롱을 장식하기 위한 작품이었다. 

변화하는 자연의 존재 속에서 짧은 순간을 전달하고자 하는 인상파들은 

자신의 작품을 생생한 빛과 공기로 채웠다. 
물결치는 물 속에서 일시적으로 반사하는 풍경이 중심 테마를 형성한다. 
거의 눈에 띄지 않는 낚싯대를 가진 여성의 실루엣은 나중에 모네의 두 번째 아내가 된 
앨리스(Alice)일 가능성이 있다.

 

A Corner of the Garden at Montgeron, 1876. by Claude Monet. oil on canvas. 
194 x 175 cm. The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

 

이 작품은 인상주의가 절정에 오르던 시기에 클로드 모네의 작품이 성숙기에 이르렀을 때 그려졌다. 
이곳에서 꽃이 만발한 정원을 모티브로 한 모네는 자연의 순간적인 
시각적 인상을 전달하며 살아 있고 변하는 자연의 이미지를 창조한다. 

그림의 채색은 순수한 색상의 개별 획을 광학적으로 혼합한 것이다. 
빛과 공기로 가득한 공간의 느낌은 진동하는 다채로운 질감으로 나타난다. 
그림은 몽쥬홍(Montgeron)에 있는 호셰데 성(Hochede Castle)의 대형 살롱을 
장식하기 위한 4 개의 장식 패널 중 하나다. 

 

Garden at Bordighera, Impression of Morning, 1884. by Claude Monet. oil on canvas. 65.5 x 81.5 cm. 
The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

보르디게라(Bordighera)의 정원, 아침의 인상은 1995년에 처음 공개되었다. 
배경에 야자수와 교회탑을 보여주는 이 작품은 1884년 1월부터 4월까지 
이탈리아 리구리아 해안의 보르디게라에 머무는 동안 제작되었다. 
그는 미술 평론가 친구인 테오도르 두레에게 다음과 같이 썼다. 
"나는 동화의 나라를 세웠습니다. 다이아몬드와 보석의 팔레트를 가져갈 것입니다."

1881년에 이르자 원래의 인상파 집단은 해체되기 시작했지만, 그후에도 2차례의 전시회, 
즉 신인상파가 출연한 뒤 1886년에 열린 8번째 전시회와 마지막 전시회가 더 열렸다. 
오직 모네만이 똑같은 열정으로 자연 탐구를 계속했다. 
그가 1880년대에 선택한 장소는 노르망디의 푸르빌 · 에트르타 · 페캉 · 바랑제빌 · 

브르타뉴에 있는 울퉁불퉁한 외딴섬 벨일, 황량한 크뢰즈 강 골짜기, 

프랑스 남부 지방의 망통 · 앙티브, 그리고 이탈리아의 보르디게라 등이었다. 

1886년 그는 2번째로 네덜란드를 방문하여 튤립 꽃밭을 그린 다음 에트르타와 벨일에 잠시 머물렀다. 
1883년 모네와 오슈데, 오슈데의 자녀들, 그리고 모네의 아들인 장과 미셸은 
파리에서 84km 떨어진 베르농 근처에 있는 엡트 강변의 작은 마을 지베르니에 정착했다. 
이곳에서 모네는 과수원으로 둘러싸인 농가를 샀는데, 이 농가는 죽을 때까지 그의 집이 되었고, 
오늘날에는 프랑스 국립기념관으로 지정되어 있다. 
1880년대에는 여러 곳을 여행했지만, 1890년대에는 지베르니, 
혹은 그 부근에서 지내면서 연작을 제작하는 일에 전념했다.

 

Haystack at Giverny, 1886. by Claude Monet. oil on canvas. 
81.5 x 60.5 cm. The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

 

“지베르니(Giverny)의 건초더미”라는 작품에서 모네는 그의 가장 뛰어난 기술 중 하나를 사용했다. 
모네는 항상 자연의 빛의 놀이에 매료되어 있었으며, 이러한 현상에 대한 
세부 사항을 실시간으로 관찰하는 데 많은 시간을 할애했다. 
그는 많은 종류의 빛을 연구하며 시간을 보냈다. 
그 결과 빛의 가장 작은 변화가 전체적으로 어떤 대상이나 풍경의 모습을 
근본적으로 바꿀 수 있다는 것을 스스로 발견했다.

모네는 관측 결과를 실제 사용하기로 결정하여 하루 중 서로 다른 시간대에 
서로 다른 조명으로 많은 풍경을 만들어 냈다. 
따라서 비슷한 그림이 전체 주기에 나타난다. 
그러한 사이클 중 하나는 이 캔버스가 들어간 건초더미의 이미지가 있는 일련의 풍경이다. 
모네는 지베르니 (Giverny)에서 이 작품을 만들었는데, 
같은 장소에서 나중에 다른 유명한 그림을 많이 만들었다.

처음 보았을 때 그 그림을 이해하기가 쉽지 않다. 
작가가 왜 이런 풍경에 관심이 있었는지 이해하는 것은 관객에게 좀 난해하다.
이 그림은 조용한 농촌 지역에서 매우 평범한 평일을 묘사하고 있다. 
그림은 수평으로 되어 있고 시각적으로 두 부분으로 나눌 수 있다. 
사진 앞에서 신선하고 짙은 녹색 잔디가 그려져 있으며, 
그 위에 거대한 건초 더미가 놓여 있다. 
이 건초 더미는 즉시 관객의 시선을 사로잡고 관심을 끌게 된다. 

이 신선한 스트립 뒤에 다른 하나가 시작된다. 
맹렬한 여름 태양이 밝게 빛나는 붉은 빛깔의 잔디를 가미한다. 
빛에서 그림자로의 전환은 가능한 한 명확하게 묘사된다. 
직선이 아니라 캔버스의 대각선을 따라 움직이는 파선을 따라 가며 
신뢰성과 역동성을 다시 한번 강조한다. 
배경에는 작은 숲과 몇 채의 집이 있는데, 

그 위에 떨어지는 빛 때문에 어두운 나무와 강하게 대비된다. 

가벼운 공기와 자연 환경의 뉘앙스를 미묘하게 포착한 모네는 날씨 변화의 순간, 
즉 흐린 바람이 부는 날의 밝은 지평선을 훌륭하게 전달한다. 
인상파는 흐린 자연을 밝은 색으로 칠하여 무한하고 풍부한 색조를 드러낸다. 
이 시대의 특징적인 작은 획으로 그림을 그려서 무지개 빛깔의 효과를 냈다.

 

Poppy Field, 1890. by Claude Monet. oil on canvas. 92 x 60.5 cm. 

The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

 

양귀비 들판 (Poppy Field)은 모네가 유명한 풍경 시리즈를 많이 그린 지베르니 (Giverny)에서 제작되었다. 
변화 무쌍한 색조와 움직이는 플로럴 카펫의 광경에 매료된 작가는 이 주제를 거듭 반복했다. 
모네의 대부분의 작품에 내재된 모티브의 겸손함은 결코 살아 있는 숨결의 이미지를 버리지 않는다. 
지베르니의 풍경에서 없어서는 안될 부분인 양귀비 밭에 접해 있는 건초더미와 포플러는 
인상주의의 거장 모네가 가장 좋아하는 모티브가 되었다.

 

Meadows at Giverny, 1888. by Claude Monet. oil on canvas. 92.5 x 81.5 cm. 
The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

1883년에 모네는 처음으로 지베르니를 방문하여 그의 후반기를 살았다. 
1888년 여름, 모네는 남쪽에서 지베르니에 인접한 평야의 초원을 반복적으로 그렸다. 
이 작품에서 모네는 나뭇가지가 휘어지는 비와 돌풍이 태양 광선으로 대체되는 자연이 
한 상태에서 다른 상태로 전환되는 순간을 능숙하게 표현했다. 
핑크 톤이 구름에 나타나고 따뜻한 햇빛이 젖은 초원에 떨어진다. 
서로 밀접하게 배치된 또다른 작은 획은 진동하는 질감과 

단단한 페인트 레이어를 형성하고 가장 미세한 색상 뉘앙스를 전달한다.

 

On the steep banks near Dieppe, 1897. by Claude Monet. oil on canvas. 65 x 100.5 cm. 

The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

이 작품은 바다와 바위가 있는 풍경으로 낭만주의 예술가들을 매료시킨 노르망디 해안을 배경으로 한다.
1890년대에는 계절과 시간, 기상 조건 등에 따라 바뀌는 빛과 색의 영향을 면밀히 연구했다. 
다양한 자연 상태를 포착한다는 아이디어에 매료된 인상파 화가로 그는 일련의 풍경을 묘사했다. 
모네는 안개가 스며드는 가벼운 공기 환경의 가변성을 훌륭하게 구현하고 있다.

 

Woman in a Garden, 1876. by Claude Monet. oil on canvas. 50 x 65.5 cm. 
The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

 

Embankment in Le Havre, 1874. by Claude Monet. oil on canvas. 61 x 78 cm. 
The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

 

Landscape. Seine at Asnieres, 1873. by Claude Monet. oil on canvas. 46.4 x 55.5 cm. 
The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

이 작품은 파리 북서쪽의 센 강에 있는 Asnières에 
페니치가 정박되어 있는 늦은 오후의 풍경을 보여준다. 
약간 북쪽에 있는 센 강의 또 다른 도시인 아르장퇴유에 살았던 모네는 
이 풍경을 그리기 위해 친구들과 함께 왔다.

 

Seine at Rouen, 1872. by Claude Monet. oil on canvas. 54 x 65.5 cm. 
The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

루앙의 센 강은 부두에 정박해 있는 세일링 보트의 맑은 풍경을 묘사하고 있다.

 

The Garden, 1876. by Claude Monet. oil on canvas. 75.5 x 100.5 cm. 
The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

 

1872~1879년에 모네는 아내 카밀과 아들 장과 함께 아르장퇴유에서 살았다. 
파리에서 기차로 20분 거리에 있는 센 강의 이 작은 마을은 수상 스포츠 애호가들을 매료시켰다. 
모네의 집에는 르누아르(Renoir)와 시슬리(Sisley)가 자주 방문했다. 
모네의 집에서 센 강 건너편에 있는 에두아르 마네 역시 

그를 찾아와 가끔 야외에서 함께 그림을 그렸다. 

모네는 꽃을 좋아했는데, 아마도 그가 어린 시절을 노르망디에서 보냈기 때문일 것이다. 
그의 정원은 풍부한 꽃으로 유명했다. 
모네는 다른 사람들에게 보이지 않는 녹색 잎사귀에서 
새로운 색상 뉘앙스를 발견하는 방식으로 그의 비전을 훈련했다. 

모네의 풍경에서 인물은 작품의 주요 주제가 아니다. 
풍경에 활기를 불어 넣는 역할도 하지 않는다. 
모네의 그림에서 인간의 모습은 자연의 필수적인 부분이 된다. 
햇빛 반점과 다양한 색 반사로 인해 서로 섞여 따뜻한 공기의 진동 효과를 표현한다. 
이 떨림은 물체의 윤곽을 부드럽게 한다. 
모자를 쓴 우아한 여성이 꽃 사이에서 산책하거나 잔디 위에 앉아 있다. 

 

Waterloo Bridge - Effect of Fog, 1903. by Claude Monet. oil on canvas. 101 x 65.3 cm. 

The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

 

모네는 1899년부터 1901년까지 3년 동안 세 차례 이상 

런던을 방문해 런던 풍경 연작 작업에 열중했다.
이미 1870년 보불전쟁 기간 중 영국으로 피신을 가면서 

런던을 방문한 적이 있지만 모네가 이 도시를 그리게 된 것은 

1899년 아내 알리스, 아들 장과 함께 런던을 방문하면서부터였다. 

당시 스무 살이던 장은 런던에서 영어 공부를 하고 있었다. 
잇따른 연작의 성공으로 경제적으로 풍요로워진 모네 가족은 
런던 최고급 호텔이던 사보이 호텔에 머물렀는데 
호텔 창밖으로 템스 강의 멋진 풍경이 눈앞에 펼쳐졌다.

모네는 호텔에 머물며 템스 강과 워털루 다리, 채링 크로스 다리 그리고 
웨스트민스터 사원과 국회의사당 세 가지 모티브로 연작을 그렸는데, 
짙은 안갯속에서 빛의 변화를 포착하는 것은 쉬운 일이 아니었다.
당시 모네는 시력도 많이 떨어진 상태였다.
하지만 모네는 안갯속에서 빛의 움직임을 펼쳐 보이며 100여 점이 넘는 작품을 쏟아냈다. 

워털루 다리-안개 효과(Waterloo Bridge - Effect of Fog)를 비롯해서 
그가 런던에서 작업한 그림들은 윤곽과 색이 모두 안개에 잠식당한 것처럼 느껴진다.
건축물들은 안개에 휩싸여 허공에 떠 있는 것처럼 보이며 

주변은 마치 꿈속에 들어온 듯 기묘한 느낌으로 가득하다.
런던 연작은 1904년 5월 뒤랑 뤼엘의 갤러리에서 공개되었는데 엄청난 성공을 거두었다.
당시 전시 카탈로그를 쓴 미르보는 다음과 같이 모네에게 찬사를 보냈다.
'이 작품들은 마술적이며, 악몽 같고, 꿈같으며, 신비하고, 강렬하며, 혼돈 같고, 비현실적이다.'

 

Flowers in a clay vase, 1883. by Henri Fantin-Latour. oil on canvas. 23 x 29 cm. 
The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

 

앙리 팡탱-라투르(Henri Fantin-Latour 1836-1904)는 프랑스 화가이다. 
유명한 초상화가였던 아버지로부터 그림의 기초를 배웠다. 
어린시절 루브르 박물관에서 거장들의 작품을 접하고 큰 감동을 얻었으며, 
티치아노와 베로네세 등의 르네상스 화가나 다이크와 같은 17세기 프랑드르 화가, 
와토와 같은 18세기 프랑스 화가들의 작품을 모사하면서 그림 공부를 헀다.

후에 르코크 드 부아보드랑 학교와 메콜 데 보자르에서 그림 공부를 했다. 
프랑스 살롱전에 작품을 전시했으며, 1863년에 또한 그것에 반발한 '살롱 데 르퓌제'에도 출품했다. 
처음에는 쿠르베에게 마음이 끌렸으나, 마네의 작품을 알고 

영향을 받아 게르보아의 집회에도 출석을 했다. 
인상파에는 참가하지 않지만, 작품은 명암을 깊게 하여 정확히 신중한 묘사를 하고 있다.

 

Roses and nasturtiums in a vase, 1883. by Henri Fantin-Latour. oil on canvas. 28 x 36 cm. 
The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

 

초상화가였던 팡탱 라투르는 세련된 배색 효과를 이용해 다수의 정물화를 그렸다. 
또한 음악에 조예가 깊어 꿈과 음악에 대한 자신의 느낌을 캔버스와 석판화에 담곤 했다. 
'접시의 장미꽃'에서는  단순히 주제를 묘사하면서 그 속에서 

섬세함과 매우 짧게 지속되는 아름다움을 발견할 수 있다. 
그리고 그는 점점 늘어가는 애호가들과 영국 수집가들을 위해 

우아하고 절제된 그림을 제작해 깊은 인상을  주었다

팡탱 라투르는 모순으로 가득찬 사람이었다. 
그는 대가들에게 크게 영향을 받은 그림을 그렸던 반면에
당대의 혁신적이고 새로운 젊은 화가들과 잦은 교제를 가졌다. 
음악에도 조예가 깊어 꿈과 음악에 대한 자신의 느낌을 캔버스로 옮겨 
환상적이고 몽환적인 그림을 그리길 갈망했지만 정작 그의 대표적인 주제는 꽃 그림이었다.

결국 팡탱 라투르는 미천하다고 여긴 그림에만 관심이 집중되는 상황에서 

좌절감과 중압감을 느꼈으며 어쩔 수 없이 그렸던 그의 꽃 그림들에는 권태로움이 묻어난다. 
앙리 팡탱 라투르는 초상화가로 황동하였지만 

사실 그를 유명하게 하고 수입이 되었던 것은 정물화였다.

그는 꽃과 과일 등의 정물들을 생생하고, 아름답게 표현할 수 있는 특별한 재능을 갖고 있었다. 
그의 그림 속의 꽃들은 화려한 아름다움을 뽐내고 있고, 
과일들은 언제나 달콤한 향기와 과즙을 뿜어 낼듯한 싱싱함을 느끼게 해준다.
특히 그의 정물화는 고전적 표현 요소를 갖고 있었고, 그로 인해

대중들의 사랑을 받았지만 한편으로는 사물의 아름다움을 표현하고 

특별한 의미를 부여하지 않는 모던 아트적인 모습도 담고 있다. 
경제적인 이익을 포기할 수 없었던 그는 대상을 부드러운 빛과 함께 
아름답게 묘사한 이런 종류의 그림을 오랬동안 그렸다.

비록 그 자신은 양쪽 어디에 속하는지 갈피를 잡을 수 없지만 앙리 팡탱 라툴르는 
사실주의화가들과 인상주의 화가들 사이의 간극을 이어주는 작품들을 남겼다.  
앙리는 위대한 사실주의 화가인 귀스타브 쿠르베의 제자였고, 
후에 인상주의 화가들의 스승인 에두아르 마네와 함께 생활하고 작업하는 
일련의 화가들의 모임에 정식회원이 되었다. 
또한 그는 낭만주의 화가인 들라클루아의 작품과 창조력으로부터도 커다란 영향을 받았다. 

그의 초기 작들은 사실적이고, 후기로 갈수록 보다 인상주의적이며 빛을 색이 아닌 색조로 표현했지만, 
그러한 차이가 단순히 시간이 흐름에 따라 생겨난 것, 즉 전후 관계라고만은 할 수 없다. 
오히려 그는 이러난 두 가지의 회화 양식, 즉 사실주의와 인상주의 사이를 
자유로이 넘나들며 자신만의 양식에 맞게 혼합하여 그렸다.

그는 고대 거장의 화풍을 연구하며 고전적 요소도 받아들였고, 

19세기 후반 아방가르드와 교류하면서 혁신적인 시도도 받아 들었던 화가로 

진정 유연한 사고와 태도를 가진 혁신적인 화가였던 것이다. 
팡탱 라투르는 초상화와 정물화에서도 확실하지 않은 화풍으로 작업했다.

 

Hay, 1867~1868. by Armand Guillaumin. oil on canvas. 50 x 26 cm. 

The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

 

아르망 기요맹 (Armand Guillaumin, 1841~1927)은 프랑스의 화가이다. 
파리 태생으로 생활 때문에 처음에는 어떤 토목과에 잠깐 근무하면서 여가에 회화를 그렸다. 
연구소에서 세잔과 피사로를 알게 되어 최후까지 친교를 계속했다. 
기요맹은 누구의 감화도 받지 않은 제작으로, 갈색이나 붉은색 · 자색을 많이 쓰는 반면에, 
개성이 강한 매력을 나타내며, 피사로나 모네처럼 세련되지는 못했으나 
야성적이면서 중후한 매력을 보이고 있다. 

 

View of the town of Pont du Chateau, 1885~1886. by Albert Marie Lebourg. oil on canvas. 
31 x 58 cm. The State Hermitage Museum. General Staff Building. Hall Number 403.

 

알베르 르부르 (Albert Lebourg 1849~1928)는 프랑스 인상파 및 후기 인상주의 풍경 화가다. 
그는 일생 동안 2,000 개가 넘는 풍경화 작품을 남기면서 
빛나는 인상파 스타일로 적극적으로 활동했다. 

1879년 제 4회 인상파 전시회에서 르부르는 클로드 모네, 카밀 피사로, 에드가 드가와 함께 
알제에서 실행된 그림과 드로잉을 선보이며 30 점의 작품을 전시했다. 
제5회 인상파전 (1880년)에서 그는 루앙, 파리, 알제를 묘사한 20개의 작품을 전시했다. 

르부르는 사계절 내내 루앙과 파리 안팎의 센 강의 애니메이션 장면을 그려 내고 있었다. 
마침내 Puteaux에 정착하여 1888년부터 1895년까지 파리 주변에 머물며 
자신의 최고의 작품으로 간주되는 것을 그렸다. 

그는 1920년 9월에 뇌졸중으로 몸의 왼쪽이 마비되었다. 
그럼에도 불구하고 그는 1921년 2월에 재혼했다. 
그해에 2,137개의 작품이 포함된 Catalog Raisonné가 조직되었고 
1923년에 발표되어 언론의 찬사를 받았다. 

 

[영상] Claude Monet in Hermitage Museum